Aaron Carr, Morgan Lugo et Robbie Moore du LADP dans «Harbour Me» de Sibi Larbi Cherkaoui. Photo de Laurent Philippe. Boch Center, Boston, Massachusetts.
20 mai 2017.
La danse est, à l'évidence, une forme d'art basée sur le mouvement. Pourtant, si le mouvement est constant, est-ce vraiment un mouvement ou simplement une norme - ce qui est toujours est, a été et sera? En d'autres termes, le mouvement signifie plus lorsque nous expérimentons l'autre extrémité du spectre - l'immobilité. Dans un sens peut-être plus large et plus métaphorique, le mouvement en danse peut être une saisie à prouver, à réaliser et à transmettre. L'immobilité peut être le fait de permettre à quelque chose d'être ce qu'il est et de le faire parler de lui-même.
L'assemblage de trois œuvres de L.A. Dance Project, présentées à Boston à travers la Celebrity Series et actuellement en tournée dans tout le pays, démontre cette dynamique. Certaines de ces œuvres créent un contenu émotionnel, ainsi que la beauté du corps humain en mouvement, en incorporant des moments d'immobilité. Nous voyons des niveaux de plus grande sophistication à travers de tels moments. Certaines de ces œuvres reposent sur l'art et la vérité qu'elles sont, tandis que d'autres s'efforcent de construire et de transmettre un message spécifique.
LADP au «Harbour Me» de Sibi Larbi Cherkaoui. Photo de Rose Eichenbaum.
La première œuvre, celle de Sibi Larbi Cherkaoui Portez-moi, est plus du premier, avec une bravoure à prendre des risques mais une acceptation apparente de ce que la pièce peut offrir comme suffisant. La pièce s'ouvre avec la lumière qui vient du haut de la scène à droite, bloquée comme si, effrayante, à travers les barreaux de la prison. Un solo de mouvement doux et nerveux commence. Les ombres ajoutent à l'intrigue d'une belle exploration des possibilités de mouvement subtiles. Un autre danseur se joint, puis un troisième. Deux danseurs sortent, et un solo d'une qualité plus musclée et athlétique commence.
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Au fil de la pièce, cette structuration en trois et un se poursuit. Plus de duos pourraient offrir une exploration chorégraphique précieuse, car les groupements pairs ou impairs peuvent avoir des différences significatives. Ce qui monte sur scène est cependant frappant et significatif. La palette de couleurs sombres (éclairage et costumes de Fabiani Piccioli) continue d'ajouter des ombres et des contours de la lumière qui peuvent être à couper le souffle. Certains moments de partenariat sont également mémorables et innovants - comme un partage de poids tel que trois danseurs semblent comme un seul corps, alors que trois bras nageant sous trois angles différents percent habilement des trous dans l'illusion d'optique.
Une note de programme implique que la pièce vise à illustrer les défis et le monde intérieur des réfugiés, ainsi que la situation globale de leur état dans le monde - certainement une mise au point pertinente et opportune en 2017. L'obscurité littérale de la pièce, ainsi que la structuration chorégraphique à la fois du poids partagé et des sections de séparation, traduisent que même sans illumination complète de l'autre, nous pouvons toujours offrir un soutien. Nos similitudes peuvent vaincre les ténèbres qui pourraient accentuer nos différences.
La pièce suivante, Justin Peck's Murder Ballades , vise également à décrire une situation et un thème spécifiques (si ce n'est un message manifeste). Il le fait cependant plus explicitement, par exemple avec une note de programme expliquant la genèse de la pièce et le contexte culturel à sa racine. L'affirmation est qu'au cœur des fusillades de masse en Amérique se trouve une culture basée sur la violence, remontant aux chansons folkloriques sur le meurtre.
L.A. Dance Project dans les «Murder Ballades» de Justin Peck. Photo de Laurent Philippe.
Les costumes sont des vêtements américains de tous les jours, certains de vos adolescents typiques (comme des jupes courtes et des manches coupées) semblant faire référence à des fusillades scolaires. Les sections fréquentes à l'unisson font également écho au désir des adolescents de s'intégrer au groupe. Certaines sections de la chorégraphie ont un air d'agression, tandis que d'autres semblent dépeindre du soutien. Dans ces implications, la pièce réussit moins bien à transmettre sa vérité que la première qu'elle semble signifier moins tout en disant directement plus.
L'œuvre offre cependant des moments de mouvement beau et bien conçu. Dans une phrase, par exemple, un danseur se penche sur une autre. Le danseur recevant l'appui soulève un pied fléchi à 45 degrés, et celui qui le donne se plie dans la jambe opposée. Cette phrase prend des teintes légèrement différentes au fil des répétitions ultérieures. Le mouvement est également plus significatif lorsqu'il prend une sensation de maintien, un étirement pâteux. Les danseurs s'engagent vraiment dans ces qualités de mouvement que la chorégraphie appelle.
Le travail a la matière première d'un potentiel supplémentaire, un excellent candidat pour l'atelier et d'autres processus de raffinement. Dans toute la réalité, c’est dans une certaine mesure vrai pour toute œuvre d’art. Le troisième et dernier ouvrage, D'un autre côté , du directeur artistique Benjamin Millepied, apparaît plus loin dans ce processus. Au risque d'une réduction simpliste, c'est une peinture impressionniste qui prend vie en mouvement. Une sensation géométrique, à travers à la fois les formations et le phrasé, implique un ordre naturel - inhérent à de nombreux sujets impressionnistes.
Une imprévisibilité concomitante, cependant, implique que nous ne pouvons jamais vraiment savoir comment quelque chose suivra son cours - «de l'autre côté» de la conscience actuelle. Tout comme les peintures impressionnistes, une clarté de structure coexiste avec un flou qualitatif intrigant - comme dans, avec un changement de perspective, il y a plus à voir et à saisir. Derrière tout cela se trouve une peinture néo-impressionniste en toile de fond lumineuse de l'artiste Mark Bradford. Les couleurs vives des costumes (conception des costumes par Alessandro Sartori) correspondent à cette énergie visuelle.
LADP dans «On the Other Side» de Benjamin Millepied. Photo de Laurent Philippe.
Les danseurs de cette pièce ont également mis en avant toute leur énergie et leur maîtrise du mouvement en cours. On veut que deux solos - l'un d'un danseur en rouge et l'autre en gris - soient plus longs, simplement en raison de leur force et de leur frappe. Oui, la force, mais il y a aussi une douceur, une facilité de mouvement tantôt technique, tantôt plus piétonne (et dans les transitions entre ces deux qualités) à la Mark Morris. Ajout à la force de ce mouvement est le contraste dans l'immobilité, les danseurs dans des tableaux occasionnels.
Plutôt qu'une immobilité manifeste, les danseurs rayonnent toujours de la résonance du mouvement qui vient d'être exécuté. Une partie de ce mouvement offre une métaphore de quelque chose du monde naturel, comme une orbite apparente du groupe autour d'un axe central, une main au centre et l'autre s'élevant au-dessus d'un coude plié. Les images en orbite peuvent ne pas sembler avoir grand-chose à voir avec une peinture légèrement abstraite de fleurs et une luminosité globale (en couleur et en mouvement).
Pourtant, avec une attitude d’ouverture aux nuances, on apprécie la célébration par l’œuvre du mouvement autour de nous, de près et de loin - dans une fleur juste à l’extérieur de sa fenêtre ou dans une galaxie à des années-lumière. Il y a de l'immobilité, mais même dans «l'immobilité», l'énergie du mouvement demeure. Inversement, le mouvement est un mouvement car l'immobilité existe. De la même manière, l'abstraction et la subtilité peuvent permettre à quelque chose de significatif d'être vraiment entendu. L'assemblage de ces trois œuvres par L.A. Dance Project permet aux danseurs, danseurs et amateurs de danse de toutes sortes de voir plus clairement ces vérités.
Par Kathryn Boland de La danse informe.
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