Kimberly Marie Olivier et Sean Bennett dans «Nageur» de Yuri Possokhov. Photo par Erik Tomasson. 4-24 mars 2021.
Accessible via www.sfballet.org/sf-ballet-home .
Presque tous les artistes de danse ont l'expérience d'une danse vraiment devenir ce qu'elle est dans la «semaine de la technologie» - lorsque les lumières, les projections, les costumes et la musique résonnent dans un espace de représentation donnent vraiment vie à une œuvre. Les choix de couleur et de forme peuvent améliorer le sens et l'expérience de la visualisation d'une œuvre, ou ils peuvent apporter distraction et confusion. L'esthétique d'une œuvre de danse peut créer une atmosphère qui attire les spectateurs, ou qui est tout simplement discordante. Ballet de San Francisco Le programme numérique 03, dans son programme virtuel SF Ballet @ Home, a illustré le pouvoir et l’importance de créer une esthétique et une atmosphère claires. Le programme comprenait deux performances pré-COVID, filmées au War Memorial Opera House à San Francisco , et une première de film.
Alexei Ratmansky Symphonie # 9 , que le San Francisco Ballet a dansé pour la première fois en avril 2014, a ouvert le programme. Virtuosité et dynamisme ont rempli l'air dès la première note et le premier pas. Une partition instrumentale robuste (par Dmitri Shostakovich) a propulsé de petits sauts, extensions et virages rapides. Tout cela était assez néoclassique, mais pour les fioritures gestuelles jazzy - emblématiques d'une ouverture «post-postmoderne» à l'inspiration d'autres formes de danse. La toile de fond de bleus décolorés (de George Tsypin) et de costumes veloutés, dans des tons apparemment inspirés des couleurs d'une forêt (de Keso Dekker), noue un enveloppement moderne autour du présent du mouvement néoclassique. Dans un sens balanchien, alors même que les dynamiques sociales surgissaient, il n'y avait pas de récit en jeu si ce n'est l'union de la musique et du mouvement.
Ballet de San Francisco dans la «Symphonie # 9» d’Alexei Ratmansky. Photo par Erik Tomasson.
Un changement radical de tempo, vers quelque chose de beaucoup plus adagio et mystérieux, a amené un mouvement plus ancré, exploratoire plutôt que bruyant. Un pas de deux dans cette section comportait des remontées complexes mais aussi des moments de virage simple avec un port de bras clair et une pause lourde. Les membres du corps se sont précipités à travers les ailes, port de bras se rappelant nager dans les airs - qu'ils ont transformés en passés avant que leurs partenaires ne les rejoignent pour un ascenseur.
Comme le simple virage et le port de bras du pas de deux précédent, c'était un motif clair - un motif qui a créé un sentiment de continuité et de circularité. Il n'y avait peut-être pas eu de «récit», en soi, à portée de main, mais les membres du public dans son ensemble pourraient s'identifier à un sentiment de passage avec un calme et une sérénité apparents - tout en restant encore une fois au même endroit, tandis qu'un air de quelque chose de pas tout à fait juste s'attarda. Notre imagination pourrait créer nos propres récits au sein de ces structures. Cela peut être la partie amusante et significative.
À mi-chemin, les lumières se sont atténuées et deux danseurs (une ballerine et un danseur) ont lentement fondu au sol jusqu'à ce qu'ils s'allongent sur le dos. Une toile de fond de silhouettes de personnes tenant des drapeaux rouges était visible alors que les lumières se réveillaient. Je n'ai pas bien compris ce choix créatif, et j'ai préféré les possibilités ouvertes du fond bleu délavé vu auparavant dans la pièce.
Comme les personnages des dessins semblaient correspondre au modèle des personnes «respectables et aisées» dans la société, c'était peut-être un commentaire sur la conformité et la vie qui vous était prescrite. Le sentiment de revenir au même endroit s'alignerait à nouveau sur ce thème. Il peut aussi être amusant pour notre imagination de conjecturer des possibilités dans des choix créatifs que nous ne comprenons pas tout à fait! Néanmoins, le mouvement est resté effervescent et passionnant, avec d’excellentes performances des meilleurs artistes du San Francisco Ballet.
L'énergie s'est intensifiée vers la fin, ramenant des motifs avec un tempo plus rapide tout en ajoutant de nouveaux ingrédients au mélange. Alors que les lumières s'éteignaient, le corps a sauté à l'extérieur de la scène et un seul danseur est resté au centre de la scène (Wei Wang) - sautant haut et tournant rapidement. En tant que choix très intrigant, cela semblait centrer l'attention sur l'expérience individuelle. Cette fin pourrait être interprétée comme une affirmation que c’est ce à quoi il s’agit - comment chacun expérimente le monde individuellement. En l'absence d'analyses plus approfondies, tout était agréable à vivre.
Ballet de San Francisco dans «Wooden Dimes». Photo gracieuseté du San Francisco Ballet.
Dimes en bois était le programme première mondiale du film . Christopher Dennis a été producteur exécutif, Lindsay Gauthier rédacteur en chef et Heath Orchard directeur de la photographie.
Le casting à un moment donné ne semblait pas très important, il est donc concevable que les danseurs aient filmé démasqués dans des «pods» (comme le font le cinéma et la télévision depuis plusieurs mois). S'ouvrant avec des showgirls dans leur vestiaire, il y avait un clair et convaincant Atmosphère des années 1920 . L'excitation et la camaraderie emplissaient l'air. Un homme est entré (Luke Ingham), menant à un pas de deux passionné et gracieux avec l'une des ballerines (Sarah Van Patten), qui devenait un personnage central.
Le mouvement était en grande partie classique, mais des inflexions jazzy rendaient hommage au contexte actuel. La scène suivante dépeint le personnage d'Ingham apparemment au travail, battant et s'exclamant avec son corps. Des hommes portant des boucliers comptables tournaient autour de lui, comme s'ils faisaient son offre - ou lui demandaient-ils des choses? En changeant de perspective à partir de là, les showgirls ont joué avec joie. Le personnage de Van Patten se distinguait par des rayures noires sur sa robe blanche tandis que tous les autres danseurs portaient tout le blanc (conception des costumes par Emma Kingsbury). Toutes les scènes semblaient avoir été filmées sur la scène d’un grand théâtre, les lignes entre les pièces de Marley étant visibles. Ce choix a apporté une sensation spartiate qui s'est sentie favorable à l'ensemble du travail (conception des propriétés scéniques par Alexander V. Nichols, conception de l'éclairage par Jim French et Matthew Stoupe).
Le personnage de Van Patten a dansé avec un couple mystérieux (Madison Keesler et Nathaniel Ramirez). Un pas de deux des danseurs en rouge et noir a suivi, avec un éclairage plus faible et la partition devenant plus basse et plus nette. Ce couple a semblé tentant le premier homme que nous avons rencontré, le premier avec lequel notre personnage principal avait dansé, avec quelque chose de sinistre. Ils l'ont tiré dessus et ont manipulé son corps. Les frontières entre imagination et réalité semblaient totalement floues. Une esthétique cohérente, associée à une chorégraphie intelligente, a rendu ce récit clair mais également flexible à l'interprétation. Notre héroïne a de nouveau dansé, sa robe cette fois à rayures colorées. Elle paraissait joyeuse, même si pensive. Quelque chose avait changé!
Elle a dansé avec le souffle et l'expansion, une arabesque tenue pendant juste un demi-souffle de plus ayant le potentiel de vibrer et de revigorer. Une fois de plus vêtu d'une robe aux nombreux motifs (qui semblait signifier une sorte de transition), le personnage d'Ingham est revenu. Ils s'entremêlaient, partageaient le poids - était-ce une rédemption? Ils dansèrent à nouveau ensemble avec passion et grâce, comme avant, mais une nouvelle résonance remplit l'air entre eux. La remise en question des liens entre nous peut donner à ces liens de nouvelles vibrations, pour le meilleur ou pour le pire.
Tout est devenu silencieux vers la fin, et tout ce qui était audible était le son du souffle de l’héroïne. Les lumières s'éteignirent lentement. De nombreuses fins d'œuvres de danse semblent précipitées, sans que le résidu du poids émotionnel de ce qui vient de se passer ait le temps de s'attarder. Ce n'est pas le cas avec cette fin. Conformément à cette sensation de film d'antan, 'The End' a clignoté à travers l'écran. Ce résidu a persisté en moi, ainsi que de nombreuses questions - avec l'art, souvent plus significatif que d'avoir des réponses.
Joseph Walsh dans le «nageur» de Yuri Possokhov. Photo par Erik Tomasson.
Nageur , créée sur la scène du War Memorial Opera en avril 2015, était une exploration visuelle avec Busby Berkeley-esque images surréalistes. Yuri Possokhov a chorégraphié l'œuvre. La conception scénique était d'Alexander V. Nichols et la conception vidéo de Kate Duhamel. De la journée de travail de 9h à 17h aux loisirs au bord de la piscine, le mouvement véhiculait des réflexions sur le bureau, nager librement et flirter près de la piscine.
Des projections émouvantes tourbillonnaient derrière les danseurs partout - ce que l'on voit beaucoup plus souvent dans la danse contemporaine que dans le ballet. C'était un bonbon visuel satisfaisant, mais un bonbon avec une saveur inattendue que vous ne pouvez pas tout à fait placer. «Le nageur» (Joseph Walsh), quant à lui, incarnait la libre circulation dans l'eau et dans l'air. Il avait un ballon et une musicalité charmants, atteignant avec une énergie voyageant loin au-delà de ses extrémités mais aussi avec un centre d'énergie clair et puissant.
Au-delà de lui, des fioritures pour la caractérisation et pour transmettre une action spécifique dans le corps ont animé une base de mouvement classique claire et solide. Une section pas de deux, apparemment dans un contexte de réunion pour boire un verre dans un bar, se sentait un peu hors de propos structurellement mais était magnifiquement chorégraphiée et dansée. La tension et la passion étaient claires grâce à la dynamique push / pull et à l'expansion du mouvement.
Une section ultérieure de l'œuvre, avec un grand corps de danseurs, avait de multiples possibilités de sens - la turbulence de vieillir, une tempête (dans le thème nautique plus large à portée de main dans l'œuvre), ou autre chose? Quelle que soit la signification, les ascenseurs athlétiques et les sauts puissants étaient exaltants. «Le nageur» a tenu ses bras sur sa poitrine, comme s'il frissonnait - mais assez tôt il a de nouveau dansé grand et audacieux. De superbes effets de lumière lui donnaient l'impression de nager profondément, juxtaposant les projections d'un homme nageant au milieu de vagues féroces.
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Le rideau est tombé pendant que cela continuait - certainement une fin ouverte! On pouvait imaginer différentes possibilités pour ce qui pourrait se passer ensuite, mais ce qui semblait le plus significatif avec ce travail était la possibilité visuelle et le pouvoir absolu dans le corps humain. Bien que certains aspects du travail ne soient pas clairs, ce qu'il a livré était un pur régal pour les yeux et les potentiels narratifs pour le cerveau à mâcher. Parfois, une expérimentation audacieuse peut se faire au détriment de la clarté dans la création artistique. L'art ne peut pas avancer sans cette expérimentation audacieuse, qu'il en soit ainsi, déclare ce critique. Brava au San Francisco Ballet pour avoir pris des risques et rappelé au public à quel point il existe des possibilités créatives pour la prise - pandémie mondiale ou non.
Par Kathryn Boland de La danse informe.
