Projet de danse de force. Studios Ripley-Grier, New York, État de New York.
9 novembre 2019.
La danse peut-elle faire une différence significative? Bettina Mahoney, directrice artistique de Fortitude Dance Project , pense que oui - et agit avec assurance par cette croyance. Au milieu de tous les problèmes persistants dans le monde d’aujourd’hui, le taux d’incidence du cancer ne cesse d’augmenter. Danseurs contre le cancer est un organisme à but non lucratif qui soutient les artistes de la danse atteints de cancer. La vitrine de gala de Fortitude Dance Project, dans une grande salle de studio des studios Ripley-Grier, a contribué tous les profits à l'organisation. Le programme comprenait plusieurs œuvres à haute énergie et techniquement impressionnantes affirmant la force intérieure et la force au sein de la communauté.
Le coup d'envoi de la soirée était «This is Me», chorégraphié par Jessica Ice. C'était une œuvre aux styles multiples et une distribution nombreuse et talentueuse. Les danseurs sont entrés puis ont fait une pause, passant à une nouvelle pose de huit chefs d'accusation environ, alors qu'un danseur au centre de la scène se déplaçait continuellement. Après s'être tourné pour la voir, un mouvement de groupe complet à haute énergie a commencé. Avec ces changements, j'ai pensé à la force aux niveaux individuel et communautaire. Parfois, de plus petits groupes de claquettes occupaient le devant de la scène alors que le reste du groupe continuait de bouger. Mis à part le robinet, le mouvement était dans un idiome jazz propre avec des touches contemporaines. Visuellement et énergiquement, tout était incroyablement séduisant.
La troisième œuvre, «Throwback», a été chorégraphiée et dansée par Max Ginsburg. C'était un solo de hip hop mémorable d'une musicalité frappante et d'une maîtrise technique. Il y avait un mélange d'accent et de flow, dans une pièce avec des rythmes musicaux, c'était assez agréable. On notera également comment la qualité du mouvement et l'idiome du mouvement ont changé à différents moments pour montrer diverses parties du style de danse hip-hop. Par exemple, Ginsburg a fait des mouvements de breakdance impressionnants, puis est passé à un style hip hop plus doux et plus lyrique. Il est resté effectivement malléable dans sa musicalité tout au long. Sa présence confiante et forte sur scène a montré qu'il était heureux de qui il est et qu'il ne se souciait pas trop de ce que les autres pensent de cette personne.
Après ce solo, il y avait «I Won’t», chorégraphié par Ryan Pauze. Une ouverture esthétique et claire m'a attrapé, les danseurs sont entrés dans une ligne à travers le fond de la scène et ont ensuite marché en arrière. Tous ensemble, ils se sont tournés vers le public et sont passés à une formation, tant leur mouvement que la formation continuant cette clarté et cette spécificité frappantes. Ils ont éclaté de la formation pour exécuter des mouvements et des partenariats intrigants, comme un danseur roulant sur le dos d'un autre avant de passer tous à une autre formation.
J'ai également remarqué qu'une danseuse semblait avoir besoin du soutien des autres, et qu'elles pouvaient l'offrir en prenant une partie de son poids. Cette approche chorégraphique simple du partage de poids en dit long ici. La fin était également puissante, les danseurs faisant face à des directions différentes et regardant attentivement dans leur propre direction. J'ai pensé à cela comme un contraste puissant avec le fait de donner et de recevoir du soutien, et je me suis demandé si cela aurait pu être efficace utilisé plus tôt dans le travail également.
À venir 11eau programme, un trio également chorégraphié par Pauze, «Stillness». Il a appelé de manière mémorable le mouvement au texte pour parler de la solitude et d'autres problèmes de santé mentale - et de les dépasser. Les danseurs évoluent adroitement parfois avec, parfois en tension avec, le rythme de la parole. Des sauts forts contrastaient les plis profonds pour offrir l'exploration de différents niveaux dans l'espace. Les coudes et les mains menaient des gestes clairs. Dans une vue plus large, le mouvement décale astucieusement deux danseurs contre un pour un cadrage visuel et énergique. Pour terminer, les danseurs ont formé une ligne et ont regardé intensément, dans l'immobilité, le public - comme le disait la partition «alors émeut-moi». Cette immobilité était puissante. Comme pour la pièce précédente de Pauze, je me suis demandé si en utiliser davantage plus tôt dans l'œuvre aurait ajouté une intrigue énergétique et esthétique. Pourtant, peut-être que l'approche qu'il a utilisée était aussi ce qui a rendu la fin si mémorable.
À venir 13eétait «Have Become» d’Alexa Luke, un quatuor émouvant, merveilleusement conçu et interprété. Face à l'arrière et en commençant par le mur du fond, les danseurs se sont rapprochés du public en voyageant tandis que leurs jambes tournaient vers l'arrière (ronds de jambe à terre). Ils se sont ensuite tournés pour faire face au public dans une ligne diagonale nette. Visuellement et énergiquement, ce changement a été satisfaisant et captivant. Le travail a retenu mon attention et a continué à me plaire à partir de là. Les variations de vitesse de mouvement, y compris la pause, ont fait que chaque vitesse différente signifiait plus pour moi par contraste.
La structure de la pièce présentait également des variations, y compris différentes sections (de la qualité du mouvement, du nombre de danseurs en mouvement, de la place dans l'espace), mais ne passait pas d'une section à l'autre trop vite pour que je m'engage - même absorbé - chacune. Comme dans les pièces précédentes, les relations des danseurs entre eux parlaient de donner et de recevoir du soutien. Donner et recevoir ce soutien semblait être des individus différents dans la communauté, tous avec des forces et des vulnérabilités différentes. Luke a très bien encadré et présenté tout cela. J'ai hâte de voir où elle ira et ce qu'elle fera ensuite.
À la suite de ce quatuor, il y avait un duo remarquable, «Time to Go», chorégraphié par Angie Conte et Xenia Mansour. Jordan Anderson et Mansour l'ont dansé. Il y avait un sentiment irrésistible de pliage et de dépliage dans le mouvement. Dans ce thème du mouvement sont venus de petits moments humoristiques dans la relation entre les deux personnages. Pourtant, un motif de mains à l’avant et à l’arrière juste au-dessus des hanches signifiait une harmonisation avec sa force et sa véritable essence. Comme pour le travail qui l'a précédé, une partie du mouvement était plutôt lente, rafraîchissante dans un programme avec une bonne quantité de mouvement incroyablement rapide. En même temps, il y avait des accents notables dans le mouvement plus tard dans l'œuvre - pour moi, plus frappants à cause de ce mouvement lent antérieur. Les tonalités et les sons résonnants des oiseaux qui chantent m'ont amené l'esprit à la nature. Je me suis retrouvé apaisé à cette pensée.
La fin du programme était «Unit» de Taylor Wickham, un travail en grand groupe avec une esthétique très intentionnelle et spécifique. Les danseurs portaient du noir et un gros cil peint sous un œil, faisant référence au drame de l'adolescence, Euphorie . Un accord de piano répété dans la partition renforçait une atmosphère mystérieuse, en quelque sorte effrayante. Le mouvement était intense, engagé et virtuose. Les sauts volaient haut, les accents frappaient fort et rapidement, et plusieurs virages tournaient rapidement. Les formations ont tout gardé clair, même avec autant de danseurs dans le groupe. La fin avait une danseuse qui allait à contre-courant du groupe, tout tombant pourtant debout avant que la musique ne s'arrête.
Cette évolution a ramené ce thème de l'individu et du collectif. Comme dans la plupart des pièces de ce programme, le travail a démontré que les deux ont leur propre force. Ce thème (intentionnel ou non) s'est senti à propos pour une soirée dansante dédiée à la collecte de fonds et à la sensibilisation des danseurs contre le cancer. Ce genre de combat pour sa propre vie prend à la fois la force intérieure et celle d’une communauté solidaire.
Par Kathryn Boland de La danse informe.
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