ELSCO Dance's 'Close'. Photo de Mikey West. Le Huntington Avenue Theatre, Boston, Massachusetts.
11 août 2018.
La forme du duo peut faire parler l'art à l'une des expériences les plus intrinsèquement humaines: deux personnes interagissant dans le temps et dans l'espace. Le Boston Contemporary Dance Festival, organisé par Urbanity Dance, a présenté de nombreuses œuvres remarquables d'un nombre variable de danseurs dans son spectacle de 20 heures. Le plus frappant, cependant, était le grand nombre et la variété stylistique des duos. C'était fascinant et rafraîchissant à voir, compte tenu des tendances générales de la danse contemporaine.
Le troisième de la programmation de la soirée était celui de Robert Mark Dance ombre entrelacée , chorégraphié par Robert Mark Burke, un duo de ballet contemporain frappant à la fois par son audace technique et sa férocité atmosphérique. La danseuse Monica Gonzalez a commencé à poser, au centre de la scène éclairée par les projecteurs, atteignant les aspirations. Une partition de chant choral classique a commencé, apportant un sentiment de présence d'une puissance supérieure. Elle se mit à bouger avec commande, mais avec un air d'agitation.
Robert Mark Dance dans «l’ombre entrelacée». Photo de Mikey West.
Elizabeth Ruby Lieberstein
Les lumières se sont bientôt levées et son partenaire, Jared McAboy, l'a rejoint. Les lumières sont inclinées de telle sorte que les danseurs créent des ombres en dansant - d'où le titre ombre entrelacée. Des costumes rouges et or ajoutés à l'intensité du mouvement, de la musique et de l'éclairage. Ils dansaient ensemble dans une relation magnétique - parfois attirés l'un par rapport à l'autre de manière incontrôlable, d'autres fois repoussés.
Il y a eu des moments de soumission apparente, tels que Gonzalez se fondant dans McAboy ou se déplaçant dans un espace beaucoup plus bas. Puis elle s'élevait plus haut ou s'éloignait de lui. Un phrasé inventif, initié par des articulations conjointes, correspond à une dynamique musicale saisissante. Il y avait une saveur balanchine d'assymétrie intentionnelle pour un effet dramatique et une virtuosité accrue. Une phrase frappante était un virage fouttée en un saut qui allait jusqu'au sol (à travers une planche).
Mark Burke n’a rien retenu, pas plus que ses danseurs. Pour finir, Gonzalez a dansé sous McAboy, en apparence de soumission, pendant une bonne partie de temps. Dans un âge «#metoo», «#timesup», cela semblait un peu sourd socialement. Pourtant, heureusement, McAboy est sorti et Gonzalez s'est levé pour terminer la pièce comme elle commençait - posant dans un projecteur central. Ce choix a créé une puissante structure de «cercle complet».
Avant l'entracte vint Joue contre joue , chorégraphié par Jaclyn Walsh en collaboration avec Brandon Koepsell. C'était une touche de danse contemporaine sur une chaussure souple classique et lisse. L'œuvre incarnait en quelque sorte à la fois la bizarrerie suave et le diable-peut-se soucier. La version de Fred Astaire de la chanson a retenti, avec un peu de ce retour de disque classique dans l'audio - atmosphérique, plutôt que gênant.
Les danseurs Walsh et Koepsell ont exécuté un jeu de jambes classique de chaussures souples avec des touches contemporaines, y compris des pieds fléchis, des inversions et des ascenseurs inventifs. À un moment donné, par exemple, Koepsell a retourné Walsh pour lui faire face alors qu'elle prenait un backbend. Après un jeu de jambes délicat, il la souleva, pour ensuite la faire tourner autour de son dos horizontalement. D'une manière ou d'une autre, de tels changements stylistiques ne semblaient pas choquants, mais étaient plutôt soyeux.
«Cheek to Cheek» de Jaclyn Walsh et Brandon Koepsell. Photo de Mikey West.
valeur nette de kristine johnson
Les costumes étaient dans le style vestimentaire décontracté des années 1950 - une robe bleu bouffante à pois pour Walsh et un pantalon avec une chemise à col pour Koepsell.
Ceux-ci semblaient cadrer et correspondre à merveille à leur mouvement. L'énergie et la précision de la ligne ont remplacé la hauteur des extensions. La propreté de la ligne dans l'utilisation de l'espace de la scène, car ils chantaient dans les virages et les étapes tout autour de la scène, était tout aussi précise - précise, sans se sentir guindée ou trop formelle.
le twerk
Tout cela semblait aussi naturel que respirer. J'avais l'impression de respirer avec la paire, avec cette facilité que je visionnais. Il n’y avait pas de romantisme manifeste, mais le lien étroit entre les danseurs en tant qu’humains qui se souciaient - et se comprenaient - était clair. Alors qu'ils terminaient la pièce et que les lumières s'éteignaient, le public a éclaté sous des applaudissements bruyants. Bien mérité, pensais-je.
Juste après l'entracte était ELSCO Dance's Fermer , chorégraphié par Jeffrey Gugliotti et Ellenore Scott et dansé par Gugliotti et Amelia Lowe. Cela a apporté un changement de ton clair par rapport à la pièce précédente. Lightning (de Chris Fournier) créait des tons crépusculaires et les costumes étaient noirs. Similaire à ombre entrelacée, mais avec un mouvement assez différent d'un point de vue stylistique, les ombres apportaient une intrigue visuelle.
Les parements, le jeu de jambes simple (mais clair) et les niveaux dans l'espace - plutôt que la virtuosité - ont suscité l'intrigue. En partenariat, le redressement et la flexion des genoux ont créé une forme et une nuance. Une section captivante avec un danseur tourné vers l'avant et l'autre vers l'arrière. Je pouvais sentir des lignes énergétiques claires dans l'espace. Ce thème face à face, face à dos est réapparu ici et là, comme avec Lowe tombant en avant (mais vers le haut de la scène) dans Gugliotti (face au bas de la scène).
Elle s'est alors levée pour finir face à l’avant, tournant dans l’espace par sa propre propulsion et celle de Gugliotti. Le sentiment de se soutenir mutuellement, tout en progressant sur leur propre chemin, était clair. Ce thème a duré jusqu'à la fin - les deux points centraux debout, embrassant mais atteignant aussi vers le haut. L'image et sa signification résonnaient vraiment.
La «transmutation» de Hollis Bartlett et Natalie Trogdon. Photo de Mikey West.
L'avant-dernier de la nuit était transmutant , chorégraphié et interprété par Hollis Bartlett et Natalie Trogdon. Particulièrement intrigante à propos de cette œuvre, en duo, était leur unité sans contact (visuel ou physique) ni même rapproché dans l'espace. Le travail était également assez esthétique, dans le sens le plus vrai et le plus simple du terme, sans aucune astuce ni flashiness. Le seul score était leur souffle et les bruits de leurs pieds à travers la scène. Les costumes étaient d'un bleu-gris propre et uniforme. L'éclairage était bleu-gris, avec une teinte de jaune pour la luminosité, pour correspondre.
Studio de danse 1ère impression
La paire a commencé le travail avec des motifs de jeu de jambes à l'unisson, les rythmes de leur marche en parfaite synchronisation. Une jambe balayerait en arrière, pour couper l'autre jambe et la faire tomber en avant - pause et rythme des lois physiques inévitables aidant à créer le rythme. Cela m'a fait me souvenir de quelque chose sur la danse contemporaine qui me fascine et me plaît vraiment - son enquête fréquente sur la façon d'utiliser les lois de la physique à son avantage, plutôt que de les défier.
Un peu plus tard, des tremblements et des vocalisations ont mis en place un changement stylistique agréable. Quelque chose à ce sujet était incroyablement drôle et les membres du public ont ri. Dans une autre section, ils ont apporté un autre changement par une longue pause. Puis vinrent des pauses plus courtes après le phrasé - alors qu'ils faisaient face à l'étage, déroulant lentement les torses pour faire face à l'arrière de la scène.
La répétition de cette structure claire, ainsi que la répétition et la clarté tout au long du travail, se sentaient méditatives. La pièce a montré à quel point il existe des façons incalculables de danser ensemble en duo - cela ne demande que de l'imagination et de l'audace. Avec plusieurs duos imaginatifs et audacieux dans le spectacle, le spectacle du soir du Boston Contemporary Dance Festival l'a prouvé haut et fort.
Par Kathryn Boland de La danse informe.
