Arch Ballet contemporain «Entre les lignes». Photo de Steven Pisano. Le Sheen Center, New York, NY.
17 novembre 2017.
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Il peut être si facile de rester dans sa zone de confort. Il peut aussi être facile de suivre une tendance, de rester en mouvement avec le peloton. Il est beaucoup plus difficile d’oser faire ce que vous n’avez pas fait auparavant ou de vous frayer un chemin loin de la foule. Cela peut être particulièrement vrai avec les arts et les artistes, un espace où la subjectivité innée peut amener les créateurs à craindre comment leur travail sera reçu s'ils vont dans de nouvelles directions - différentes de quelque chose qui a déjà été bien accueilli, qu'eux-mêmes ou d'autres ont créé. .
Lorsque des artistes courageux peuvent renverser cette peur, ou ne jamais en faire l'expérience, ce qu'ils produisent peut être innovant, significatif et socialement valable. Sheena Annalize, fondatrice, directrice et chorégraphe de l'Arch Contemporary Ballet basé à New York, a récemment pris de telles mesures avec Entre les lignes , récemment joué en première mondiale. Il était tout de suite évident que le travail était assez différent dans le style et le ton de ce que crée généralement Annalize.
Au risque de réduire les nuances et la complexité dues, son travail est souvent sombre ou avec un style moderne convaincant. Cette critique a vécu une grande partie de son travail et ne se souvient de rien qui soit simplement amusant. Entre les lignes ouvert avec un tel air. La musique était jazzy, rapide et énergique. Les deux danseurs, ainsi que Aoi Ohno et Dylan Vonder Linden, sont entrés avec un pur panache. La joie et l'énergie suintaient de tous leurs pores.
Vocabulaire des mouvements jive et jitterbug, tels que les coups bas rapides et les changements de balle, avec des mains de jazz pleinement vivantes, un mouvement plus classique poivré. Ohno a offert des extensions infinies en douceur et des virages puissants. Vonder Linden a montré une puissance séduisante, en particulier dans les sauts et les partenariats solides comme le roc. À travers cela, ils ont dégagé une timidité de deuxième ou troisième rendez-vous, cette partie qui commence à s'épanouir dans une relation amoureuse quand il est clair que quelque chose commence, mais pas tout à fait exactement ce que c'est.
D'un autre côté, une grande partie du mouvement et de l'atmosphère qu'il a créé n'était pas ouvertement romantique - ou n'avait pas à l'être. Quelque chose de plus profond parlait de la connexion présente entre deux êtres humains qui respirent, se déplacent et vivent ensemble dans l'espace. Cela était particulièrement vrai dans la deuxième chanson, avec des battements de tambour qui résonnaient dans le théâtre. Le mouvement est devenu plus terrestre, ancré et brut. Les dos plats et les plis profonds ont amené le duo dans l'espace inférieur.
Ils se sont rapprochés du centre en haut de la scène. Il y avait une sensation de poète «beat», comme s'ils étaient des «chats cool» exécutant de la poésie slam dans un café de jazz de San Francisco. L'éclairage de la designer Alexandra Christie les a efficacement mis en valeur à leur place, en s'assombrissant également pour contribuer à cette atmosphère de café jazz. En observant le travail dans cette optique romantique, c'est à ce stade que les couples trouvent des choses qu'ils peuvent aimer faire ensemble. Peut-être qu'une partie de la passion romantique enflammée s'est estompée et - les meilleurs jours ensemble - les choses sont calmes et amusantes.
Un magnifique ascenseur en particulier représentait ce sens - Ohno avec une haute extension àla seconde, faisant face à la scène mais regardant le public en arrière, et son partenaire la soulevant doucement. Des moments comme ceux-ci étaient merveilleux à vivre. Pourtant, contrairement à d'autres sections, la fusion du mouvement de ballet classique et de celui d'autres idiomes est quelque chose à aplanir dans cette section. C'était la différence entre une pâte à pâtisserie soyeuse et celle avec juste un peu de grumeaux à remuer.
Annalise a montré un grand engagement à améliorer ses œuvres et à les montrer sous des formes plus raffinées. Je suis convaincu qu’elle le fera ici. Une autre chose à reconnaître ici est l'annonce par Annalise qu'elle a complètement retravaillé de grandes parties de cette première œuvre dans les jours précédant son exécution - assez courageuse en effet. Compte tenu de cela, une grande partie de l'œuvre a été bien conçue par Annalise et bien interprétée par les danseurs.
Ils semblaient incroyablement à l'aise avec le mouvement et leurs personnages (ou archétypes, une manière valable d'interpréter ce qu'ils dansaient). Peut-être que cette section à masser davantage était celle où les changements de dernière minute étaient les plus apparents. Sélectionnez peu de personnes au courant de ce à quoi ressemblait le travail avant qu'Annalise n'effectue ces changements. Les changements en valaient probablement la peine, compte tenu du risque et du stress (probable) impliqué. Félicitations à Annalise et aux danseurs pour avoir fait le saut.
Après ce léger changement de style dans cette section, une autre, encore plus divergente. La musique est devenue plus radicale et dramatique, et le mouvement plus basé sur la technique, expressif et expansif. Si vous restez fidèle à cette idée d'une relation amoureuse, c'était l'époque où l'on comptait - la passion s'est encore plus évanouie, apprenant des choses difficiles sur l'autre et essayant de maintenir la relation forte malgré cela. Il y avait même des moments de relations spatiales légèrement mal à l'aise, semblables à des conversations sur l'oreiller - allongé complètement sur le sol, roulant loin l'un de l'autre et vers l'autre.
Si dans cette idée de la simple connexion entre deux personnes, le pouvoir qu'ils dégageaient tous les deux était captivant - ensemble et séparément. Sur ce dernier, ils avaient chacun de puissants solos. La musique dramatique correspondait parfaitement à leur vaste qualité de mouvement et à leur vocabulaire. Un virage en tonneau rapide est venu de Vonder Linden, et des virages doux mais forts et une extension d'Ohno. En fin de compte, ils ont terminé la section dans une étreinte. Les lumières sont tombées sur eux ici. Bien que peut-être plus romantique, le simple lien entre eux en tant que personnes était clair.
Pour terminer le travail, nous étions de retour au début - la même chanson accrocheuse et jazzy et le même mouvement jive. Cela a montré comment, en particulier dans les relations amoureuses, mais dans toutes les relations, il y a des cycles. Les choses peuvent boucler la boucle. Dans l'ensemble, l'œuvre était un portrait - non, un portefeuille de nombreux portraits individuels - d'une relation amoureuse. Pourtant, il y avait une universalité parlant également des liens entre tous les peuples.
Tous facteurs pris en compte, cette réalisation semblait possible car Annalise a résisté aux tendances d'elle-même et des autres. Isadora a osé jeter ses pointes. Van Gogh a osé placer des traits de peinture sur du papier comme personne ne l'avait fait auparavant. Ils ont tous deux osé continuer à faire ces choses de manière nouvelle, pas seulement peindre ou danser comme ils l'avaient toujours fait. C'est ainsi que l'art, et là-dedans (sans doute) le monde, évolue. Un grand merci et félicitations aux artistes comme Annalise et sa compagnie qui propulsent un tel progrès.
Par Kathryn Boland de La danse informe.
Photos gracieuseté de Arch Contemporary Ballet.
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