Le «Vollmand» de Pina Bausch. Photo par Julieta Cervantes. L'année dernière, je répétais pour un spectacle - une adaptation de théâtre de danse d'une pièce de Tennessee Williams - dans un studio du centre-ville de New York. Plus tard dans la journée, j'ai reçu un e-mail indiquant que je ne pouvais pas répéter le théâtre dans les studios de danse. J'ai immédiatement écrit une réponse passionnée expliquant la nature de la danse-théâtre. Je suis avant tout une artiste de la danse et mon travail repose sur la danse. De plus, les studios de théâtre ont souvent des sols en béton, des espaces plus petits et sont encombrés de chaises et d'accessoires, ce qui les rend dangereux pour les danseurs. J'ai eu une myriade de réponses: colère, peur, confusion, frustration. Ce studio défend différents styles de performance. Pourquoi la forme d'art que je travaille a-t-elle été remise en question? Les choses ont été facilement résolues, mais cela m'a laissé me demander pourquoi le théâtre de danse est-il si mal compris?
Qu'est-ce que le théâtre de danse?
Nicole Colbert Dance / Theatre’s «Lovers and Strangers». Photo par Per Morten Abrahamsen.
Le théâtre de danse est une forme d'art basée sur la danse dans laquelle un monde est créé par des interactions physiques et psychologiques sur scène. Roland Langer (1984) illustre ces éléments en s'inspirant de «la danse, de la parole, du chant, du théâtre conventionnel et de l'utilisation d'accessoires, de décors et de costumes en un seul amalgame. Habituellement, il n'y a pas de complot à la place, des situations spécifiques, des peurs et des conflits humains sont présentés. En conséquence, il est souvent autant conceptuel que dramatique et physique.
L'histoire
Les origines du théâtre de danse sont attribuées à Rudolph Laban (1879-1958), Kurt Jooss (1901-1979) et Mary Wigman (1886-1973), qui ont développé une forme expressionniste de danse appelée en allemand Ausdruckstanz. Ils ont été inspirés par le début des années 20esiècle mouvement expressionniste allemand dans la peinture qui cherchait à mettre l'accent sur les sentiments et les idées intérieurs plutôt que sur les répliques de la réalité. Après la Première Guerre mondiale, les artistes considéraient l'ancienne façon de faire les choses comme stagnante. En danse, le ballet était considéré comme un genre de la vieille garde qui n'exprimait pas l'individu et ses réponses situationnelles, telles que la peur et le désir, aux événements de la guerre et à ses conséquences.
«Nefés» de Pina Bausch. Photo de Stephanie Berger.
taille de soutien-gorge laura san giacomo
La disciple de Jooss, Pina Bausch (1940-2009), est considérée comme la doyenne de la danse-théâtre. Royd Climenhaga (2018) suggère que Bausch, qui était une jeune chorégraphe dans les années 1960, a été non seulement influencée par son travail avec Jooss et l'expressionnisme allemand, mais aussi par les expériences d'artistes de théâtre qui cherchaient à «créer un monde de la scène, plutôt qu'un monde sur scène »à l'époque.
L’œuvre de Bausch n’a pas d’arc théâtral traditionnel. Au lieu de cela, il est construit comme une série de vignettes et s'inspire d'un thème ou d'un lieu. Sur scène, un monde physique est évoqué à travers des signifiants symboliques tels que l'eau, les fleurs, la terre et les gravats. Dans ce monde, les interprètes parlent, courent, dansent, transpirent, se frappent et s'évanouissent. Les réponses individuelles à l'expérience humaine sont mises en scène avec intensité et le vocabulaire du mouvement est distinct et expressif. Son travail a permis d'introduire une sérieuse réflexion esthétique sur le genre en Europe.
Théâtre de danse sur le sol américain
Bill T.Jones / Arnie Zane Company dans «Still / Here». Photo de Dan Rest, gracieuseté des archives BAM Hamm.
La danse-théâtre n’a pas de tradition historique aux États-Unis et, par conséquent, n’a pas été aussi populaire. Les premiers pionniers de la danse moderne tels que Martha Graham, Sophie Maslow et Anna Sokolow ont créé des danses avec des thèmes socialement conscients et développé un vocabulaire de danse expressif, mais dans les années 1940, il y avait un mouvement de l'expressionnisme vers la danse abstraite, caractérisée par le travail. de Merce Cunningham.
Pendant une brève période, cependant, du milieu des années 1980 aux années 1990, une génération de chorégraphes a émergé qui pourraient être considérés comme des artistes de danse-théâtre. Ces chorégraphes - Bill T. Jones / Arnie Zane, Doug Varone, Bebe Miller, Ralph Lemon, Sara Pearson et Patrik Widrig, et Tere O'Connor, qui créent encore des œuvres aujourd'hui - étaient des danseurs du centre-ville de New York qui exploraient les domaines politique et social. thèmes et création d'œuvres similaires à la danse-théâtre européenne avec son amalgame de danse et de théâtre, de créations orales, de vignettes théâtrales et d'utilisation du corps comme lieu d'expression. Ils auraient été au courant du travail des premiers pionniers de la danse moderne, ainsi que du travail expérimental sorti du Judson Theatre dans les années 1960, dans lequel les artistes ont fusionné les genres et remis en question les normes esthétiques de la performance. .
«Steps of Silence» d’Anna Sokolow. Photo de Steven Pisano.
festival de mix de performances
Les années 1980, comme les années 1960, ont également été une période de grands changements sociaux et politiques, et les artistes individuels ont été fortement touchés par la récession économique de l'ère Reagan, l'épidémie de sida, la montée du néo-conservatisme et la persistance de l'insidiosité du racisme. et la misogynie exprimée dans la société de tous les jours. Miller déclare que son travail est «enraciné dans la condition humaine». Cette ligne de recherche artistique capte les préoccupations de cette génération de chorégraphes et rappelle les impulsions des premiers créateurs de danse-théâtre allemands et européens.
À la fin des années 1990, la danse change à nouveau de piste et l'accent est mis sur la chorégraphie abstraite et basée sur le mouvement. Le théâtre de danse est devenu une valeur aberrante.
Et maintenant?
Aux États-Unis, il y a un intérêt émergent pour le théâtre de danse. Le critique de danse Siobhan Burke (2017) cite Annie B.Parson, Okwui Okpokwasili et Faye Driscoll comme artistes de danse-théâtre actuels. David Neumann et Raja Feather Kelly devraient être ajoutés à cette liste. Alors que de plus en plus de créateurs de danse s'intéressent au théâtre de danse, il y a encore des difficultés quant à son identité. Il n'y a même pas d'orthographe unifiée en anglais. La Bibliothèque du Congrès cite Théâtre de danse (Allemand) comme nom du théâtre de danse européen, mais en anglais, c'est danse / théâtre , théâtre de danse et danse-théâtre . Hormis la sémantique, les vrais défis auxquels la forme est confrontée sur le sol américain se situent dans le domaine des opportunités de formation et de performance.
Pina Bausch est «comme la mousse sur la pierre, oh oui, oui, oui…». Photo de Stephanie Berger.
danse juilliard
La formation des danseurs qui souhaitent se produire dans des œuvres de théâtre de danse est essentielle. Dans un concert que j'ai vu par un futur chorégraphe (présenté comme un théâtre de danse), le travail reposait fortement sur la narration, mais les danseurs n'avaient pas l'habileté de parler de manière audible sur scène. L'expérience était très frustrante, comme écouter de la musique avec un seul casque qui s'accordait et s'éteignait.
De plus, les conservateurs de petits théâtres qui présentent de la danse peuvent faire un espace intentionnel pour le théâtre de danse lors de la programmation. Ce faisant, ils offriraient aux artistes plus d'occasions de développer des idées et de résoudre des problèmes créatifs (comme parler sur scène). De plus, sans une orthographe unifiée, les conservateurs ne savent même pas par où commencer. En conséquence, de nombreuses opportunités importantes sont perdues pour les artistes de théâtre de danse.
L'éthique de la scène artistique américaine, historiquement, a toujours été hautement expérimentale. Dans le même temps, la société américaine est animée par les labels. Ces deux valeurs ont souvent relégué les mouvements et les formes artistiques à l'écart. Il est peut-être temps d'arrêter de s'inquiéter de la façon de l'étiqueter ou de le définir. Que ce soit ce que c'est: un art basé sur la danse qui puise dans un amalgame de formes. Au lieu de cela, abordons les problèmes qui lui donneront une chance de se développer et de grandir sur le sol américain et de devenir quelque chose de lui-même.
Par Nicole Colbert de La danse informe.
Recommandé pour vous
