«Walled Reach» d'Erin Carlisle Norton. Photo de Kathyrn Butler. C’est quelque chose qui semble toucher de nombreux étudiants en danse lorsque l’obtention du diplôme est en vue: 'Maintenant quoi ? » Comment tirer parti des outils, des compétences et des réseaux issus des diplômes universitaires de danse pour construire une vie durable dans la danse professionnelle? En quoi les choses sont-elles différentes d'avant l'obtention du diplôme? Le monde académique de la danse peut-il mieux préparer les étudiants à ces changements, et le monde académique de la danse peut-il mieux s'allier avec danse 'hors campus' ? Quels aspects faut-il considérer lorsqu'on envisage un BFA ou une MFA en danse?
Pour approfondir ces questions et d'autres, Dance Informa s'est entretenu avec quatre artistes de la danse avec des informations précieuses sur les sphères de la danse académique et professionnelle: Autumn Eckman, MFA, danseur pour Hubbard Street Dance Chicago et directeur artistique adjoint / chorégraphe résident de Giordano Dance Chicago Stephen Ursprung, MFA, professeur de danse au Dean College et directrice fondatrice du Reject Dance Theatre (Boston, MA) Ellice Patterson, MS, directrice fondatrice de Abilities Dance Boston et Erin Carlisle Norton, MFA, directrice fondatrice de The Moving Architects (NJ / NYC) ).
Automne Eckman.
Certains artistes de la danse, comme Eckman, savent qu'ils veulent rester impliqués dans le milieu universitaire ainsi que dans la danse de concert professionnelle. Comme elle a obtenu sa maîtrise en danse à l'Université de l'Ohio et plus tard un poste d'enseignante à l'Université de l'Arizona, tout en continuant à travailler et à jouer, elle n'a pas trouvé cet objectif inaccessible (même s'il y avait beaucoup à soutenir). Elle voit ces secteurs du monde de la danse «comme n'étant pas disparates», ajoutant: «Leurs communautés sont tellement imbriquées.»
Eckman considère ces communautés - souvent forgées dans l'enseignement supérieur - comme profondes, continues et solidaires. Elle a également acquis des compétences en écriture et en administration, ainsi que des capacités à parler de son travail et à écouter les autres en parler de manière constructive. L'enseignement supérieur peut lancer un danseur dans son «parcours d'apprentissage de qui il est vraiment en tant qu'artiste», croit-elle.
Ursprung a trouvé dans la danse académique une voie alternative à la danse commerciale ou à une grande compagnie de danse de concert - qui, plus jeune, il avait vu comme les avenues possibles pour danser professionnellement. Il a pu être professeur et directeur des programmes de composition tout en dirigeant Reject Dance Theatre et en dansant au REP (Repertory Etudes Project).
besoin de danseurs
Stephen Origin.
«Mon travail de diplômé m'a préparé à faire un travail bien documenté», dit-il. «Les projets chorégraphiques sont des projets de recherche. Vous devez trouver des informations, réfléchir de manière critique à ce que vous trouvez, créer des brouillons, modifier, obtenir des commentaires, réviser et copier des modifications. » Une partie de ces compétences de rigueur que l'école doctorale a bâties en lui, poursuit-il, comprennent processus de rétroaction (donner et recevoir) et divers aspects impliqués dans la mise en scène finale du travail. Il ne pense pas que l’enseignement supérieur soit le seul endroit où acquérir ces compétences, mais c’est un domaine clé.
Pour Carlisle Norton, ses diplômes universitaires lui ont fourni des outils et des perspectives précieux, un moyen de satisfaire sa soif d'apprendre et sa curiosité naturelle, et de bâtir une communauté d'artistes qu'elle appelle toujours amis et collègues créatifs à ce jour. En tant qu'étudiante diplômée en danse à l'Ohio State University, elle s'est formée dans des domaines tels que l'administration des arts, le montage vidéo et Photoshop - qu'elle fait appel à la direction de The Moving Architects.
Pendant un an d'études supérieures, elle s'est formée et a travaillé comme instructeur de Pilates, et a pu enseigner le matin avant de se rendre aux cours l'après-midi. Elle préconise de trouver un travail comme celui-là tout en étudiant la danse ou en travaillant à un endroit plus durable financièrement en tant qu'artiste de la danse, 'quelque chose qui est basé sur le corps et nourrit votre forme d'art.' Les deux autres années, elle a travaillé comme assistante pédagogique diplômée, assurant les frais de scolarité ainsi que le paiement.
Les architectes en mouvement en répétition. Photo par Gwen Charles.
Patterson a étudié la biologie au premier cycle, puis a étudié les affaires dans le cadre d'un programme de certificat de maîtrise. Comme Carlisle Norton, elle atteste de pouvoir faire appel aux concepts, perspectives et compétences spécifiques de cette expérience académique dans le travail artistique et de leadership de son entreprise. Par exemple, étudier la biologie lui a permis d'acquérir des connaissances sur l'anatomie, la kinésiologie et la façon dont les choses fonctionnent dans les systèmes du monde naturel. L'inspiration créative de ces expériences d'enseignement supérieur s'est également produite, comme en créant une œuvre à partir d'une peinture d'un voilier, liée à la navigation à travers l'océan Atlantique à travers ses études de biologie.
Le monde des affaires a offert ses connaissances et ses outils pour renforcer la santé et la viabilité financières de son entreprise, ainsi que la capacité d’être «un décideur rapide, de digérer les faits et de réagir rapidement de la manière la plus efficace possible». Bien qu’elle n’ait pas de diplôme d’enseignement supérieur en danse, les expériences d’apprentissage approfondi - comme le Bates Dance Festival et l’Urbanity Dance Summer Intensive (Boston, MA) - étaient pour elle un type d’enseignement supérieur, estime-t-elle.
Les expériences d’Eckman et Ursprung attestent en particulier de l’interconnectivité des sphères académique et professionnelle de la danse. D'un autre côté, Ursprung et Carlisle Norton soulignent certaines différences clés entre ces secteurs. D'une part, l'espace de répétition est gratuit dans les environnements de danse académique, et il y a souvent des délais plus longs pour créer une œuvre. Dans la plupart des cas, il y a beaucoup moins de pression de temps et plus de temps pour vraiment plonger, vivre dans une œuvre tout en la créant. Les deux artistes reconnaissent cela comme un ingrédient clé de l'évolution créative qui se produit pour les artistes de l'enseignement supérieur, mais aussi quelque chose que les étudiants devraient être prêts à ne pas avoir à portée de main après l'obtention de leur diplôme.
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«Beaucoup de danse dans le monde universitaire devient si ésotérique qu'elle perd l'attrait du public. L'accessibilité a tendance à être mise de côté en faveur de l'intellectualisme», estime Ursprung. «Dans le monde du concert professionnel, si le public n’apprécie pas votre travail, vous ne réussirez probablement pas très bien à obtenir des ventes de billets ou, plus important encore, des donateurs. Vous devez créer un travail qui reflète la vie en dehors de l’académie. »
Carlisle Norton décrit comment, d'une part, les expériences des études supérieures lui ont appris à «prendre soin du public», tandis que, d'autre part, elle a rencontré des attitudes de mépris pour l'expérience du public, qu'elle trouvait frustrantes.
Ellice Patterson.
Dans l'ensemble, Carlisle Norton a enlevé l'importance de l'expérience du public dans le succès de son travail, de sa compagnie et du domaine de la danse de concert en général. Urspring pense que la danse dans l'enseignement supérieur tend heureusement à inculquer ce genre de considérations pratiques aux étudiants en danse - «connaissance des finances personnelles, mise à profit des compétences intégrées dans les emplois de jour et trouver des moyens de se préparer au succès.» Il ajoute: «Les programmes de danse académique ressentent déjà une pression pour enseigner des techniques de survie plus pratiques. Il est rare de trouver des programmes qui enseignent uniquement des processus et des techniques de création. '
Chemin de Patterson démontre l'importance de ces outils et compétences pratiques , ainsi que la validité - et même l'avantage - de trouver des voies alternatives d'études académiques formalisées que l'on peut ensuite apporter à la danse de concert professionnelle. «Il existe des moyens de continuer à danser et à étudier d'autres choses, et il y a l'avantage d'apporter d'autres perspectives d'autres domaines», affirme-t-elle. Eckman, venu danser dans l’enseignement supérieur en tant que ballerine classique, considère tout cela comme un voyage unique à chaque artiste - un voyage qui demande de la patience avec sa place individuelle à un moment donné. «Cela ne peut pas être précipité», estime-t-elle. «Les choses viendront en leur temps.»
Tout cela considéré, quelles sont les considérations importantes pour un artiste envisageant un BFA ou MFA - peut-être choisir entre cela et tout mettre directement dans une carrière de danse de concert professionnelle? Ursprung dit qu'il guidera toujours les jeunes danseurs vers un BFA. «Votre vision du monde et votre compréhension du domaine de la danse à 18 ans sont si limitées», souligne-t-il. Il encouragera cependant à prendre du temps entre BFA et MFA, «pour s'entraîner à faire du travail et à vous immerger sur le terrain. Perfectionnez votre savoir-faire et commencez à dresser une liste des choses que vous devez améliorer et recherchez des programmes qui vous fourniront les bonnes opportunités pour vous accompagner au mieux dans votre voyage.
Photo par Melissa Blackall Photography.
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Patterson souligne le besoin de diplômes d'enseignement supérieur si l'on veut enseigner en tant que professeur ou être un chef de file dans le domaine de la danse de l'enseignement supérieur. Dans l'ensemble, Eckman semble également être un ardent défenseur de la danse de l'enseignement supérieur. Elle note l'avantage d'un large réseau de confrères artistes que peut offrir l'enseignement supérieur. Elle reconnaît également ce que l'expérience de la danse de concert peut apporter aux études universitaires en danse - des niveaux élevés de professionnalisme (y compris la courtoisie, la rapidité, l'adaptabilité, une solide éthique de travail) et prendre soin de son instrument physique, par exemple. Si l’on décide d’emprunter une voie d’enseignement supérieur, Eckhart conseille de garder les yeux ouverts et de ne pas avoir peur de développer une relation avec son professeur. «Vous allez graviter vers ce qui résonne avec vous, et finalement ce que sera votre tribu», pense-t-elle.
Ursprung souligne comment les programmes de danse de l'enseignement supérieur s'adaptent aux réalités du monde professionnel actuel de la danse. Et Eckman est d'accord, notant: «Les compagnies de danse ne ressemblaient pas tout à fait à ce à quoi elles ressemblaient il y a 20 ans, et la danse de l'enseignement supérieur s'adapte en conséquence.» Pourtant, existe-t-il d'autres moyens pour l'enseignement supérieur de reconnaître les réalités et les offres du «monde réel» de la danse de concert professionnelle (faute d'un meilleur terme)?
Automne Eckman.
Ursprung apprécierait de voir les départements de danse de l'enseignement supérieur «ouvrir plus souvent leurs ressources» aux artistes émergents et en milieu de carrière. «Souvent, ces ressources sont réservées aux grandes entreprises, mais l'opportunité de créer et de réaliser des travaux nouveaux et existants dans un cadre collégial donnerait aux artistes l'opportunité d'approfondir leur travail», partage-t-il.
Il fait la promotion de modèles tels que les programmes récemment restructurés du Dean College, offrant aux étudiants des expériences de stage à travers différentes communautés et secteurs du monde professionnel de la danse . Il croit que cette approche «garantit que les élèves sachent à la fois quelles sont leurs options et de tester une vie dans la danse afin de voir si c'est vraiment ce qu'ils veulent.»
Dans ce modèle, ainsi que dans toutes les expériences de ces artistes, il est clair qu'il existe de nombreuses voies possibles dans une vie en danse - dans la danse de concert professionnelle non académique, la danse académique ou un mélange des deux. Comme le déclare Eckman, l'important est que chaque artiste trouve le chemin qui s'aligne le plus sur lui et le soutient en tant qu'individu unique - et tire le meilleur parti des expériences, des outils et des amitiés que l'on trouve en cours de route.
Par Kathryn Boland de La danse informe.
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