Island Moving Company dans «Mémoire et verre». Photo de Thomas Palmer. Green Street Studios, Cambridge, Massachusetts.
22 avril 2017.
D'une part, il y a la diversité - l'existence de manières variées d'être et d'agir. De l’autre, il y a l’unité - des entités séparées agissant et étant en cohésion et en harmonie. Cependant, les deux modes ne s'excluent pas mutuellement, car l'unité ne signifie pas nécessairement la conformité. Des manières d'être et d'agir divergentes peuvent s'unir harmonieusement et ainsi s'unifier. Nous voyons maintenant cet effet dans la danse de concert, en général, avec des éléments classiques et contemporains qui se mélangent parfois et vivent parfois côte à côte.
Ruth Whitney et Jacob Hoover de la Tony Williams Ballet Company dans «La Favorita». Photo par Golden Lion Photography.
Kat Nasti, directrice des Green Street Studios à Cambridge, Massachusetts, a exprimé ce point en présentant le Ballet Showcase du collectif de danse. Le spectacle est le premier d'une série de concerts spécifiques au genre que Green Street présentera au cours des prochains mois.
Le spectacle comprenait des œuvres dans l'idiome du ballet allant du classique au néoclassique au postmoderne avec des inspirations ballétiques. Le premier de ces morceaux, Maman ventre chorégraphié et interprété par Tai Jimenez, était une exploration frappante de la maternité.
On pourrait interpréter cette exploration comme en grande partie un commentaire sur le sacrifice - peut-être une partie de cela une perte d’une partie de son identité - dans l’expérience de la maternité. Jimenez s'est déplacé gracieusement et de manière poignante. Elle a souvent initié le mouvement des hanches, des coudes et des poignets avec une subtilité frappante. Les costumes et l'éclairage complétaient la construction de son corps dans une atmosphère presque inquiétante. Un tour piqué flottant, mais terre-à-terre - comme l'un des rares mouvements ouvertement techniques de la pièce - a laissé un désir de mélange plus fluide de mouvement ballétique avec celui de l'idiome postmoderne de la technique de libération.
De même postmoderne dans certaines qualités était une pièce suivante, un extrait de Jorma Elo Trancher à Sharp , interprété par Thomas Davidoff du Boston Ballet II et mis en scène par Anthony Randazzo. Il avait cependant une énergie beaucoup plus sportive. Le travail - et la prestation imposante de Davidoff - a rappelé cette merveilleuse scène du film de ballet L'entreprise où un danseur, seul dans un espace aux allures de cathédrale, se déplace rapidement et puissamment.
Christian Pforr du Boston Ballet II dans «Slice to Sharp» de Jorma Elo. Photo par Golden Lion Photography.
Davidoff a dansé avec une manière incroyablement captivante de maintenir un serpent de la colonne vertébrale à travers des mouvements très techniques et complexes. Ce critique, en tant que critique basé à Boston, a hâte de voir où il ira dans la structure globale du Boston Ballet. Pourtant, le mouvement était si rapide, si puissant, si spectaculaire, que l'on pourrait avoir envie de plus de nivellement de la vitesse et des énergies physiques quand quelque chose est constant, par manque d'opposition, cela signifie moins.
Là, nous avons eu le postmodernisme. La danse jazz a également fait son apparition, avec SundanceX's Caprice (du chorégraphe et directeur artistique / fondateur David Sun). Avec un vocabulaire tel que des passages parallèles, des mises en page et même un italien à la Fossepas de chat, la pièce était certainement pleine de plaisir capricieux et jazzy. Il offrait une touche Balanchine-esque sur le classicisme livré avec flair et beaucoup de jeu de jambes rapide. Des couleurs vives de costumes, différentes pour l’unité de chaque danseur, ajoutaient à ce sentiment d’amusement et de flair. Les danseurs ont exécuté ces sections d'allegro difficiles, ainsi que des sections plus lentes avec des extensions et des virages soutenus, de manière louable.
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D'un autre côté, on peut se demander à quoi pourrait ressembler la chorégraphie habile - et son exécution - si les danseurs prenaient plus de risques avec elle. Les sorties au sol semblaient très contrôlées et sûres, par exemple, sans drame qui aurait pu être convaincant (à l'exception d'un danseur en costume jaune). Peut-être que les jeunes danseurs, avec une technique impressionnante pour leur âge apparent, sont à un stade où il s’agit soit d’une maîtrise technique, soit d’une approche audacieuse de leur danse. Ils montrent beaucoup de promesses et de potentiel. Dans tous les cas, Sun a fait bon usage des niveaux dans les sections de l'espace et de la scène, pour créer une image de scène agréable.
Beth Mochizuki dans «Reverie» de Kevin Jenkins. Photo par Golden Lion Photography.
Le bâtiment de l'atmosphère dans Rêverie a également contribué de manière significative à l'expérience de la pièce, avec un rétroéclairage ténébristique habilement conçu (conception d'éclairage par Stephen Petrilli). La chorégraphie de Kevin Jenkins offrait quelque chose de doux et de succulent, les deux danseurs (Beth Mochizuki et Ruth Whitney) roulaient les poignets et bougeaient la tête avec des virages et des extensions gracieux. Les petits pains de ballet, les manches longues ainsi que les jupes fluides jusqu'aux genoux de leurs costumes sombres ont rehaussé ce mouvement simple mais puissant.
Il y avait une joie joyeuse à la Mark Morris qui résonnait à travers tout cela. Ajoutant à cette qualité, la musique instrumentale à cordes, un violon solo résonnait tout comme le mouvement. Dans l'ensemble, tous ces éléments se sont réunis pour créer une expérience esthétique à ne pas oublier. Pourtant, une seule critique est le désir de voir les danseurs interagir davantage. L'âme de leur danse à part, et celle des moments relativement rares où ils se sont joints, ont soulevé la question de savoir ce que cela aurait à contribuer à la pièce. Avec cela, la pièce aurait pu être une expérience encore plus frappante, mémorable et époustouflante à vivre.
Puis vint le travail final, Island Moving Company Mémoire et Verre , chorégraphié par Rodney Rivera . Un titre tout à fait approprié, car le contenu émotionnel était suffisamment vivant pour se connecter avec les souvenirs de chaque membre du public. Avec le regard, l'expression du visage, la qualité du mouvement et la manière d'interagir avec d'autres danseurs, le casting a créé une expérience émotionnelle - mais pas mélodramatique - de l'art de la danse. La formation intelligente et innovante de Rivera a également contribué à cette expérience.
Dans une section, par exemple, une file de danseurs entièrement masculins était allongée sur le dos loin en haut de la scène, avec un bras tendu vers le ciel. La simplicité contrastait efficacement avec le mouvement virtuose qui passait au centre de la scène. Dans un moment plus subtil et plus dramatique, une ballerine (des trois au total) se trouvait en position fœtale. Elle tenait les chevilles de deux danseurs masculins pour qu’elles se déplacent lentement et doucement (ce n’était pas aussi agressif ou violent que le «traîner» l’impliquerait).
Island Moving Company à «Memoria y Vidrio». Photo par Golden Lion Photography.
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L'image de la scène parlait alors de plusieurs milliers de mots, quelque chose en elle semblait avoir un tissu conjonctif pour les millénaires de perte, d'amour, de désir et d'espoir d'un avenir meilleur dans l'expérience humaine collective. Elle s'est levée, cependant, comme l'ont fait d'autres danseurs exécutant des changements de niveau similaires à travers (et juste à l'intérieur) un travail de phrases gracieusement construit. Tout cela semblait faire écho à la ligne poétique de Maya Angelou: «Et je me lève toujours ... et je continue de me lever.» Tomber, puis ressusciter, ce n'est pas seulement du passé ou du présent.
Les styles de danse, du classique au moderne au postmoderne, n'ont pas à l'être non plus. Mémoire et verre , ainsi que d’autres travaux louables dans ce programme, ont prouvé que c’était vrai. Ils peuvent s'entremêler, marcher côte à côte et dialoguer. Tout cela peut faire partie de l'observation et du commentaire cruciaux que l'art peut nous offrir. À une époque où les valeurs de diversité et d'unité semblent parfois en contradiction, lorsque nous luttons parfois pour concilier divergence et convergence, rappelons-nous - comme ce programme l'illustre - qu'elles peuvent effectivement ne faire qu'un.
Par Kathryn Boland de La danse informe.
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