NYU Skirball Center for the Performing Arts, NY
12 janvier 2014
Par Tara Sheena.
studio de danse pour besoins spéciaux
L'Association of Performing Arts Presenters (APAP) revendique son vaillant monopole sur le monde du spectacle de New York en janvier. Qu'un spectacle soit exclusivement lié à l'APAP ou non, la prise de conscience accrue signifie à elle seule une projection continue et à plein régime des meilleures performances de danse de l'année écoulée. Cela signifie également que vous soyez un artiste ou un amateur de performances, vous ne vous ennuierez pas. L'une de ces projections a eu lieu au Skirball Center de NYU dans le cadre de la Danse Gotham série, présentée par FOCUS Dance. FOCUS est une initiative engagée à présenter le travail de chorégraphes américains, tant au pays qu'à l'étranger. J'ai assisté à la représentation du dimanche 12 janvier, qui présentait des œuvres de David Dorfman Dance, Gregory Dolbashian (pour Hubbard Street 2), Dusan Tynek Dance Theatre et LeeSaar The Company (Lee Sher et Saar Harrari).
«À gauche, en arrière… en arrière un peu», a dit le chorégraphe-interprète David Dorfman dans un micro. Son langage pédagogique - pour le receveur des instructions que nous ne pouvons pas voir - s'est transformé en mémoire alors qu'il continuait: «Mon père est parti… il est revenu.» Viens et reviens encore est une œuvre de danse à la fois nostalgique et confrontée à la mortalité. Je n'ai pas vu beaucoup de chorégraphes capables de mélanger si puissamment des récits hautement personnels avec un mouvement incroyablement viscéral, mais le style de Dorfman est construit de manière à ce que les deux forces soient tout aussi puissantes. Il est un conteur, même si les histoires peuvent parfois venir par morceaux. En fait, l'ensemble du travail était composé de sections interdépendantes. Un flot de mouvements a précipité la scène par étapes bondissantes, coups de pied levés et tours sans fin et a travaillé pour ponctuer la narration de Dorfman. La danse a traversé l'espace comme un violent jet d'eau - concentré et cinétique. Le groupe tout aussi bruyant, racontant le rock and roll sous la marque Smoke et Patti Smith, a complété cette rafale. Sans surprise, la pièce s'est ralentie - presque fatiguée - comme l'interprète Jenna Riegel nous a expliqué notre «calcul d'amour» dans un tendre monologue et il y a eu un match amical de suivi du chef entre Dorfman et sa troupe. Cet extrait, tiré de la pièce complète qui a été créée à la Brooklyn Academy of Music en octobre dernier, a atteint tous les hauts et les bas émotionnels dans sa version plus longue, mais m'a toujours donné envie de plus. Le retour de Dorfman à ses pensées sur la mortalité a clôturé l’œuvre lors d’un appel téléphonique à sa femme, la chorégraphe Lisa Race, où il a promis de «nettoyer mon désordre». Les travaux inachevés et l'expiration imminente m'ont laissé l'impression que ce travail peut toujours me laisser désirer davantage.
Là où le travail de Dorfman m'a laissé vouloir plus, Gregory Dolbashian m'a peut-être trop offert. Pour Par la peau de mes dents les passionnants déménageurs de Hubbard Street 2 ont créé une impulsion d'action en constante évolution qui s'avançait dans et hors de l'espace. Le partenariat en duo était facilement la pièce maîtresse de cette action, avec un accent sur les prises au cou et la liaison entre la tête et les mains. Si cela semble dangereux, il le devrait. Les artistes se sont constamment fouettés dans des charnières basses et des extensions de jambes hautes, s'arrêtant à un sou pour brûler l'empreinte de leur physicalité dans votre œil vigilant. Au fur et à mesure que la pièce se poursuivait, les interprètes semblaient développer une agressivité qui se sentait un peu mal orientée dans une sorte d'angoisse adolescente. Qu'il soit sur-performant ou quelque chose de plus dirigé, la physicalité du mouvement calculé et risqué de Dolbashian a gentiment éclipsé toutes les distractions performatives. L'œuvre avait une attitude irréfléchie que Dolbashian a fait de son élément de base individuel et, même si elle peut parfois être trop dense à mon goût, vous ne pouvez pas nier que tout artiste essayant de s'attaquer à son mouvement dynamique est complètement passionnant à regarder.
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Dusan Tynek Murs transparents est impressionnant dans son souci du mouvement formel et de la composition tout aussi formelle. Structurer une œuvre comme celle-ci revient à créer son propre labyrinthe labyrinthique et à essayer de s'y frayer un chemin - délibéré dans sa complexité mais organisé dans sa structure. Aidé avec la conception d'éclairage de Roderick Murray, la partie la plus convaincante de cette structure était le vide noir situé à la périphérie de la scène. Les danseurs sautaient, tournoyaient et se précipitaient constamment dans cette zone noircie, créant ainsi l'effet que la scène s'étendait sur des kilomètres au-delà de ce que nous pouvions voir devant nous. Ce vide noir n’a jamais ralenti ni interrompu le mouvement de conduite de Tynek. Chaque interprète avait une attaque délibérée qui rendait le mouvement constant d'autant plus dynamique, surtout lorsqu'il était opposé à un duo central (la magnifique Ann Chiaverini et Tim Ward). Le duo nous a permis de nous concentrer sur le tourbillon d'action, en travaillant comme un pilier de stabilité contre le chaos. Cependant, même la force de ce duo sculptural a finalement été aspirée dans le vide - que ce soit pour se perdre ou pour continuer, nous ne le saurons peut-être jamais.
Le travail final, Crocodile des princes , était du duo israélien intrépide de Lee Sher et Saar Harari, ou LeeSaar. Enfilées de justaucorps à manches longues noir et blanc, les sept interprètes étaient à la fois femme bot et ingénue. En commençant par un solo passionnant de Hsin-Yi Hsiang, nous avons vu les confins luxuriants du monde dans lequel nous sommes sur le point d'entrer. Elle s'est étendue dans un grand bâillement seulement pour se rétracter en un squat creux bas avec une force compacte. Je ne sais pas comment quelqu'un peut incarner autant d'extrêmes à la fois. Le mouvement entraîné par le bassin a permis aux jambes hautes de s'échapper des hanches et à un motif de poussée qui semble irradier de l'intérieur vers l'extérieur. Il y avait aussi un élément très suggestif à tout cela, les interprètes regardant constamment avec un regard coquin. Ma partie préférée de la pièce était ce que j’appelle la «soirée dansante déconstruite», où tous les interprètes étaient rassemblés sur scène, interprétant une interprétation ralentie et fragmentée de ce que vous trouveriez sur la piste de danse lors du mariage d’un membre de la famille. C'était maladroit et décousu, mais tout à fait captivant en même temps.
Photo (en haut): David Dorfman Dance Compan. Photo par Adam Campos
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