Compagnie de danse Bryce. Photo par Allison Armfield Photography. Dixon Place, New York, New York.
6 mars 2018.
Dans l’art, la culture, la politique et plus encore, nous voyons des jeunes faire entendre leur voix - malgré les critiques, malgré la rareté des ressources et la crédibilité établie, malgré une incertitude significative quant aux résultats. Un de mes amis danseurs a récemment fait une affirmation convaincante: «Cette nouvelle génération [de danseurs], ils n’attendent pas pour créer. Ils y vont juste. » Cet esprit audacieux, ce désir de créer à partir d’une voix personnelle unique, était au centre des préoccupations de Dixon Place. Sous exposé.
Compagnie de danse Bryce. Photo par Allison Armfield Photography.
Il s’agit d’une série de spectacles dont le but spécifique est d’exposer et de soutenir les chorégraphes émergents qui ont fait preuve d’innovation et de vision et qui pourraient utiliser davantage d’exposition pour mieux faire connaître leur travail remarquable. Heather Bryce Dance Company s'est produite en premier, sous la direction et la chorégraphie de Heather Bryce. Ils ont d'abord dansé Cesser , une œuvre réfléchie et aux multiples facettes représentant l'armistice de Noël de 1914.
J'ai vu le travail différemment de la première fois que je l'ai fait en m'asseyant plus haut que la scène m'a permis d'apprécier les changements de formation que je n'avais pas remarqués la première fois.
Ensuite, Dana DeFabrizio a dansé Liste des médicaments , un travail émotionnellement saisissant. Elle étira sa bouche, serra la main jusqu'aux coudes et tomba au sol sans hésitation. Elle s'est entièrement livrée à la pièce. Les paroles musicales m'ont donné une idée de la signification - «morphine, codéine!» hurla le chanteur.
L’agression dans la musique s’est heurtée à des battements troublants dans le mouvement de DeFabrizio, localisé sous les projecteurs de la scène. La musique s'est calmée et elle est tombée pour se recroqueviller sur elle-même. Avec puissance, les lumières se sont abattues sur elle là-bas. Il semblait que la seule chose qui restait était la douleur - le faible inévitable après un effet médicamenteux. Je serais obligé de voir cette œuvre prendre plus de place sur la scène, comment les qualités frappantes de son mouvement se traduiraient par ce qui voyage.
Georgia Gavran et Jonathan Doherty. Photo de Quincie Hydock.
Georgia Gavran et Jonathan Doherty ont suivi avec «sur l'affichage: pas de deux millénaires». Je n’ai jamais autant ri en regardant la danse! Les plaisanteries de bonne humeur ont rencontré un mouvement et une structure intelligents et économiques pour me captiver. Ils ont commencé à se tenir au centre de la scène avec des chemises blanches tachées et des jeans noirs, avec des carottes germées dans leurs poches arrière. Ils ont chacun sorti une carotte et mâché, et - d'une manière très habilement postmoderne - ont regardé le public au mépris de l'attente d'offrir «plus».
lorin latarro
Dans cet alignement avec les stéréotypes sur la génération Y, les membres du public ont ri encore plus fort. Dans ce défi continu de virtuosité codifiée, ils ont changé de posture tout en mâchant. Gavran passa sous les jambes de Doherty en position large, allongé nonchalamment, puis ils basculèrent. «My Humps» des Black Eyed Peas a sonné ensuite (un favori du millénaire), offrant un mouvement un peu plus technique - mais offert avec facilité et mise à la terre. Ilsclocheddos et devant au rythme de la musique, relevés en arc forcé, et sautés à la secondesurgir.
Lorsqu'ils n'offrent pas ce mouvement, l'objet de leur mastication s'est déplacé vers Twizzlers - debout dansopposé,une hanche, avec la plus grande confiance décontractée. La musique s'est coupée et - dans un merveilleux timing comique - ils ont continué à mâcher et à faire face au public. «Les’ do’it », affirmait la musique, et ils ont laissé tomber leurs carottes alors que les lumières s’éteignaient. C'était l'un de ces moments comiques qu'il fallait vivre pour vraiment l'apprécier. Une des meilleures comédies est, son efficacité est quelque peu inexplicable.
La chanson suivante apportait un mouvement technique supplémentaire, celui qui était harmonieusement mélangé avec plus de mouvement des piétons - des bras comme des nouilles se balançant d'avant en arrière avec debout en quatrième position de relève, pour faire un saut et un virage. La musique est entrée et sortie pour apporter un sentiment imprévisible. Ils ont tendu la main et ont dit «Snooze!», Puis ont répété le son et le mouvement.
Snoop Dogg a chanté 'Lâchez-le comme s'il faisait chaud!' et ils sont tombés au sol alors que les lumières s'éteignaient. Tout comme il l'a fait tout au long, un contexte de stéréotypes sur la génération Y a rendu cela intelligemment humoristique. En outre, la pièce a démontré que la comédie physique en danse ne doit pas être bon marché ou ridicule - elle peut être intelligente et significative, tout en apportant également de la joie pure.
Projet de danse WorkHorse. Photo par Andrew Ribner.
«Saudade DaRosa» d'Alexandra Rose captivait d'une manière totalement différente - me faisant réfléchir, questionner et réfléchir. Elle s'est ouverte sur une soliste éclairée, les sons de l'océan accompagnant son mouvement. Deux danseurs sont entrés de l'autre côté de la scène pour l'accompagner. Ils offraient des mouvements à différents niveaux et vitesses, avec certains motifs tels que les «bras de cactus» coudés. La guitare classique douce du portugaissortla musique retentit, suivie du retour des sons de l'océan.
Ensuite, nous avons entendu une voix, que j'ai appris plus tard était celle de Rose. Elle a parlé de la déconnexion forcée de son identité ethnique portugaise, du «désir de quelque chose que vous n'aviez jamais su en premier lieu». Le mouvement a complété ce sens, avec des cercles et des spirales créant un sentiment de recherche et d'agitation, un besoin de quelque chose d'invisible. Dans un autre phrasé remarquable, les danseurs se sont glissés à partir d'une large planche pour se lever et se tourner avec les bras en forme de «T».
Dans une autre phrase, une main est venue d'en haut, l'autre d'en bas, pour se rencontrer au cœur avec une cinquième position profonde plié. Il y avait aussi des moments d'immobilité frappants - deux des danseurs immobiles, se tenant perpendiculaires l'un à l'autre dans une deuxième position large et parallèle et regardant vers l'extérieur avec une intensité concentrée. Ils ont ensuite continué leur mouvement en boucle, en spirale, cette fois en opposition claire les uns avec les autres.
En tant que spectateur, ces moments d'immobilité pris en sandwich entre des mouvements continus sont toujours puissants pour moi personnellement. Dans l’immobilité, nous pouvons voir les poitrines des danseurs bouger dans une respiration profonde et rapide et imaginer leurs cœurs battre la chamade. Leur engagement physique est manifestement évident. Quand ils recommencent à danser, ce qu’ils mettent dans leur danse est d’autant plus apprécié.
Peu de temps après cette section, quelque chose d'aussi frappant est venu: la voix d'une beauté envoûtantesortchanteur. Parallèlement à cela, dans une dernière recherche, un danseur est devenu un derviche tourneur, les bras tendus sur le côté et les paumes ouvertes vers le ciel. Elle se tourna vers le sol pour le parcourir. Les deux autres danseurs la rejoignirent pour passer à un niveau supérieur. La narration de l'eau est revenue, tout comme la voix de Rose répétant 'aspirer à quelque chose que vous n'avez jamais connu et ne jamais pouvoir le récupérer.'
Les lumières se sont estompées, avec les sons de l'océan continuant. L'eau, c'est la vie, et la nature cyclique des deux perdurera malgré ce désir, ai-je pensé. À un niveau plus littéral, l'océan se situe entre le narrateur et la patrie et la culture auxquelles elle aspire. Rose a osé plonger plus profondément dans l'exploration de ces aspects métaphoriques à plusieurs niveaux. Félicitations à elle et aux courageux artistes émergents de Sous Exposé, et tous les artistes qui se lancent dans une exploration créative risquée - surtout sans l'établissement que les années plus longues apportent le plus souvent. Le monde peut être un peu plus brillant, un peu plus conscient, à cause de cela.
Par Kathryn Boland de La danse informe.
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