Eric Greengold et Elizabeth Troxler dans 'Dancing Through ...'. Photo de McKenna C. Poe. 30 octobre 2020.
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La plupart des œuvres de danse qui résonnent vraiment avec moi le font à cause d'un concept fort, un concept que les artistes présents donnent habilement à la vie. Créer un concept est un véritable travail créatif et intellectuel. Décider de lui donner vie et croire que c'est quelque chose qui peut prendre vie, prend un courage sincère. Le travail de donner vie au concept suit cela - quelque chose qui demande de l'engagement, de la rigueur, de l'adaptabilité et encore plus courage . Theatre Dance Vietnam a montré un tel courage en s'engageant dans un concept complexe et stimulant, décrivant l'histoire et le contexte culturel de la danse du théâtre musical américain, en Danser à travers .. . Le travail a été filmé au Tank à New York et réalisé par Elizabeth Troxler.
Certains aspects anhistoriques et certaines faiblesses structurelles étaient évidents, mais le courage de prendre un concept de cette ampleur est quelque chose à saluer et à célébrer. La chorégraphie et la performance étaient magistrales, me permettant en tant que spectateur de ne pas être trop absorbé par mes querelles intellectuelles sur la structure et la précision historique. Le travail lui-même a également souligné le niveau auquel l'Amérique a été un leader mondial de la danse - quelque chose à célébrer également et à encourager pour les générations à venir.
Jessica Lee Goldyn dans «Dancing Through…». Photo de Sarah Takash.
Le travail s'est ouvert sur une équipe de danse dansant un style Broadway, impeccablement costumé en paillettes et bandeaux à plumes. Les membres de l'équipe voulaient en savoir plus sur le formulaire dont on demandait d'où il venait. Leur coach a commencé à expliquer cette riche histoire en expliquant comment la forme est sortie du vaudeville. La première scène de danse était un beau duo, commençant par suivre un chapeau melon jusqu'à l'atterrissage dans une boîte, puis être repris par l'un des danseurs avant sa valse. Le vocabulaire du mouvement rappelait les ballets de rêve d'Hollywood classique. Cela s'est transformé en tapotant avec des sons impeccables et une énergie qui devait juste vous faire sourire - tout comme les scènes de claquettes classiques d'autrefois. La musique sonnait comme si elle sortait d'une ancienne boîte radio, ce qui a contribué à créer l'atmosphère de la scène tout au long.
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À partir de là, nous sommes passés à des scènes de la Grande Dépression et des débuts de la Seconde Guerre mondiale. Alors que des images de cette époque passaient à l'écran, l'entraîneur a expliqué comment la danse et le théâtre ont soulevé les gens dans les moments difficiles et les ont unifiés dans un esprit national. La scène de danse suivante était un autre beau duo avec un mouvement un peu plus jazzy, sensuel et audacieux - montrant l'évolution de la forme au fil du temps et les attitudes sociales changeaient. Les danseurs se déplaçaient avec aisance, joie et facilité.
Plus tard, une scène de danse représentant les années 1960, avec l'esprit rebelle du mouvement hippie. Le mouvement était vif et contagieux. Ensuite, une séquence amusante et funky des années 1980, avec des couleurs vives et des justaucorps échancrés.
Ensuite, les années 1990 ont été dépeintes comme une période d'obscurité et d'isolement - avec des danseurs séparés dans l'espace, chacun sous ses propres projecteurs et tout le reste est sombre. Une joyeuse danse à claquettes a duré les années 2000 - une période de guerres à l'étranger, de menaces terroristes et de discorde sociopolitique qui l'entoure, de polarisation sociopolitique croissante et du pire effondrement financier depuis la Grande Dépression. Peut-être que ce choix visait à souligner comment des émissions comme Millie complètement moderne apportaient le robinet dans le 20esiècle avec un tas d'idées fraîches - cela m'a sonné fidèlement et m'a fait sourire.
Les deux scènes étaient magnifiquement dansées et conçues, donc je pouvais les apprécier fortement sur le plan esthétique. Et un élément majeur qui a contribué à la structure et à la continuité était l'utilisation d'un chapeau melon. Il a été «traversé» les décennies par une combinaison de mouvement et de montage de films. C'était une utilisation intelligente d'un accessoire pour apporter un sentiment de continuité à travers le temps. Cette approche m'a fait penser aux choses qui ont continué tout au long de l'histoire américaine, dans et hors des arts - aspirant à la liberté pour tous envisagée dans nos documents fondateurs, par exemple.
Une séquence de scènes à haute et haute énergie de récents succès musicaux de Broadway a complété les scènes de danse. Ce choix créatif a semblé répondre au moment culturel en mettant en évidence les contributions essentielles des artistes noirs au théâtre, à la musique et à la culture pop américains. Ces scènes comprenaient celles de la comédie musicale Les tentations , une reprise de Michael Jackson et le récent Tina: La comédie musicale Tina Turner . Comme le spectacle dans son ensemble, il a été magnifiquement interprété et chorégraphié.
Une fin puissante avec des scènes de danseurs de New York a amené l'entraîneur à nous rappeler que le théâtre reste avec nous même lorsque les théâtres sont fermés, c'est dans notre cœur, notre esprit, notre corps et notre âme. C’est la source de l’art, après tout! Même avec les problèmes structurels et historiques qui m'ont marqué, ce message - ainsi que la beauté et la joie de la performance et de la chorégraphie - en ont fait une œuvre mémorable. Le courage de créer est quelque chose à applaudir - car une signification puissante peut résonner avec ce courage comme source. Ajoutez une danse et un design merveilleux, et vous ne pouvez pas perdre.
Par Kathryn Boland de La danse informe.
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