Jacqui Greene Haas J'adore l'anatomie. En tant qu'instructeur de yoga, danseur et écrivain en yoga et danse, cela me fascine infiniment et s'applique à mon travail quotidien. Je suis éternellement reconnaissant pour ma formation en danse (dans un studio de ma ville natale, dans un programme de danse d'une université d'arts libéraux et d'innombrables autres studios et professeurs au-delà). Pourtant, si je prends un moment pour une réflexion honnête, l'apprentissage expérientiel de l'anatomie - de manière à informer de manière essentielle la technique, l'art et la connaissance kinesthésique - me faisait défaut. J’ai entendu d’autres danseurs exprimer des sentiments similaires. Cet apprentissage expérientiel de l'anatomie à partir d'un objectif de danse est ce que Jacqui Greene Haas Anatomie de la danse peut offrir. Le sous-titre - Votre guide illustré pour améliorer la flexibilité, la force musculaire et le tonus - est un bon début pour comprendre ce que le texte fournit.
Le livre commence par une préface intrigante de l'auteur, expliquant ce que le livre offrira et comment il est présenté. Le premier chapitre présente des sujets anatomiques fondamentaux - y compris les plans de mouvement (sagittal, frontal et transversal), les types de mouvements articulaires (tels que la flexion et l'extension) et les différents types de contractions musculaires (isométriques, concentriques, excentriques). Parfois, il semble que les lecteurs reçoivent beaucoup d'informations à la fois, même pour quelqu'un comme moi qui a suivi plusieurs cours d'anatomie, et qu'une partie du jargon aurait pu être échangée contre un langage plus familier.
Pourtant, sur le plan fonctionnel, ce que fait Haas, c'est plonger les lecteurs dans le langage des anatomistes, des médecins et des physiothérapeutes. À partir de là, les danseurs peuvent se sentir plus autonomes et confiants dans les conversations avec les prestataires de soins de santé, dans les cours d'anatomie, etc. De plus, la beauté des livres est que nous pouvons les intégrer à nos propres conditions, autant que notre vie le permet de manière réaliste - en lisant à nouveau des lignes ou des paragraphes dans le moment ou en revenant à des sections de texte (ou même à des livres entiers) plus tard. , par example.
À la suite de ce chapitre fondamental se trouvent des chapitres sur des sections du corps qui sont particulièrement importantes pour les danseurs au sens anatomique - colonne vertébrale, côtes / souffle, tronc, ceinture scapulaire et bras, bassin et hanches, jambes et chevilles / pieds. Les chapitres ont un format cohérent, avec une introduction aux principes importants de la région anatomique à portée de main suivie d'exercices pour cibler des objectifs spécifiques dans cette région. Ces objectifs incluent le renforcement, la conscience kinesthésique, la libération pour permettre des initiations et des modèles de mouvement sains, la coordination avec la respiration pour aider à tous ces résultats, et plus encore.
Chaque exercice a également un «Focus danse», une explication sur la façon dont l'exercice se rapporte à une certaine fonction technique ou à un mouvement commun. Cela semble utile et tangible pour les artistes de la danse, dont la principale préoccupation est très probablement ce que tout cet apprentissage fera pour leur technique et leur art. En termes de langage dans les deux sections, lorsque Haas utilise des images familières et évocatrices pour guider les lecteurs vers certains objectifs, cela se sent plus accessible et probablement plus efficace que lorsqu'elle utilise des noms de muscles et d'autres jargons anatomiques. Bien que, encore une fois, l'approche de l'utilisation du jargon anatomique soit peut-être une formation «à l'épreuve du feu» (pour ainsi dire) à la science de l'anatomie pour éduquer et responsabiliser les danseurs dans cette discipline.
De plus, lecteurs, prenez note - certains de ces exercices nécessitent des accessoires et des outils tels que des physioballs, des TheraBands, des barres de ballet, des poids et plus encore. Haas inclut des modifications pour les exercices, pour «monter de niveau» ou «descendre de niveau», travaillant ainsi pour s'adapter à divers types de corps. Elle énumère également des conseils de sécurité importants ainsi que la plupart (sinon la plupart) des exercices. Tout comme le langage anatomique peut habiliter les danseurs dans les espaces médicaux et académiques, ces conseils de sécurité peuvent commencer à enseigner aux danseurs comment s'entraîner plus en toute sécurité. Les «principes de conditionnement» du chapitre d'introduction peuvent compléter ces connaissances, en ajoutant un cadre qui peut accroître l'efficacité de la formation croisée.
Un examen de ce texte serait incomplet sans discuter des illustrations magnifiquement dessinées. Des croquis raffinés en demi-silhouette permettent de voir les muscles mis au point là où ils se trouvent dans le corps. D'une manière intrigante et charmante, les nuances d'énergie physique de ces danseurs en mouvement bidimensionnels sont claires. Certains dessins des exercices comprennent des flèches pour indiquer la direction du mouvement et / ou le changement de placement physique, et c’est un autre élément qui aurait pu être inclus davantage pour une plus grande accessibilité du contenu. L'élément le plus prémonitoire des illustrations que je voudrais évoquer, cependant, est ma principale critique du livre - celle de la représentation inadéquate, à la fois des danseurs et des formes de danse.
Par exemple, le premier danseur noir montre quelques chapitres dans (race évidente à partir d'éléments tels que la texture des cheveux, l'ombrage de la peau dans les dessins et d'autres attributs physiques - d'accord, encore une fois magnifiquement dessinés). Seule une poignée d’autres apparaissent dans l’ensemble des illustrations du livre - plus d’une centaine, je suppose. Il n'y a pas de danseurs Latinx, asiatiques ou indigènes, d'après ce que j'ai pu en dire (encore une fois, les dessins sont suffisamment détaillés pour que la race semble tout à fait évidente). En ce qui concerne les formes de danse, il est formidable de voir des formes telles que la danse irlandaise et la salle de bal représentées, compte tenu de ce qui peut ressembler à la domination du ballet et de la danse contemporaine dans la danse de concert professionnelle. Pourtant, ces formes sont également basées sur les traditions culturelles occidentales. Cela aurait été merveilleux de voir aussi du hip hop, des danses africaines et d'autres danses folkloriques - peut-être même de la capoeira!
Pourquoi cela importerait-il? Si nous nous soucions de la santé, du bien-être et du succès créatif des danseurs, nous devons nous soucier des danseurs qui leur ressemblent et qui dansent comme eux se reflétant dans les médias, la culture pop et le milieu universitaire. Accordé, Anatomie de la danse a été publié en 2010. La représentation en danse n'est pas une nouvelle conversation, mais elle s'est certainement intensifiée et le terrain a pris des mesures plus tangibles sur la question depuis lors. Pourtant, nous lisons également ce livre en 2020 (ou au-delà). Nous pouvons être aimables en reconnaissant le monde dans lequel il a été écrit et aussi regarder avec les yeux d'aujourd'hui, nous pouvons tenir les deux choses dans notre esprit, notre cœur et notre corps.
Dans l'ensemble, cependant, Haas Anatomie de la danse offre un moyen pour les danseurs d'apprendre l'anatomie basée sur la danse qui peut vraiment résonner et durer - à travers le corps, le vaisseau à travers lequel les danseurs sont déjà si intimement familiers. Se familiariser encore plus intimement, d'une manière bien informée et axée sur les résultats, peut faire toute la différence. Un art approfondi, une connaissance kinesthésique élargie et une technique plus sûre et plus forte peuvent fleurir à partir de là.
Par Kathryn Boland de La danse informe.
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