Boston Ballet dans 'Artefact' de William Forsythe. Photo de Rosalie O'Connor, gracieuseté du Boston Ballet. Boston Opera House, Boston, Massachusetts.
23 février 2017.
L'art postmoderne est né des changements socio-politiques de la société occidentale de l'après-Seconde Guerre mondiale. Certains affirment qu'avec l'énormité de la capacité d'anéantir la race humaine au toucher d'un bouton, le classicisme artistique rationnel n'a plus répondu aux questions et aux préoccupations auxquelles nous avons été confrontés. Les artistes se sont tournés vers la «méta» (la forme à portée de main qui se discute d'elle-même), ainsi que l'absurde. Il y a eu des redéfinitions de la virtuosité, des rôles de l'interprète et du public, et de la nature de la conscience elle-même. Nous sommes à nouveau confrontés à de nouveaux défis et questions dans le 21stsiècle, et notre art peut à nouveau changer pour suivre le mouvement.
Boston Ballet dans «Artifact» de William Forsythe. Photo de Rosalie O’Connor, gracieuseté du Boston Ballet.
Peut-être que cet art post-post-moderne est un rejet du binaire, l'idée que quelque chose doit être une chose ou une autre. Peut-être que notre art en évolution est celui où les spectres vivent et respirent - de virtuose et de piéton, de rationnel et d'absurde, de tradition et d'innovation. William Forsythe Artefact a été créé à l'origine en 1984, a été retravaillé à plusieurs reprises depuis et ré-imaginé pour 2017. Le Boston Ballet présente actuellement cette réimagination et, ce faisant, ouvre le dialogue sur ces aspects (et d'autres) de l'art. Plutôt que des binaires, il y a des fluides non binaires dans ce merveilleux travail.
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En effet, la chorégraphie affichée était une véritable fluidité de virtuosité et de simplicité pédestre dans le mouvement. Pour ouvrir le spectacle, un danseur solitaire marchait lentement - pas aussi lentement que le mercure ou la mélasse, mais avec une qualité similaire soutenue et fondante. Ses bras se déplaçaient également selon des schémas non conventionnels et dans une qualité tout aussi soutenue. Les lumières de la maison étaient toujours allumées, ce qui n'était certainement pas non plus conventionnel. De même, une simple locomotion a propulsé des formations et des frontières humaines à d'autres moments du spectacle. Des modèles de bras répétés ont créé des images animées presque méditatives, remplissant parfois l'espace négatif et d'autres fois non.
Lorsque la virtuosité s'est imposée, elle l'a vraiment fait, mais sans annonce ni fanfare. Une section d’allegro de danseurs masculins a mélangé un jeu de jambes rapide et complexe pour paraître aussi naturel que la marche. Une section allégro ultérieure, une mélodie de piano virtuose qui l'accompagnait, était si rapide que son exécution ne semblait pas humainement possible. Mais les danseurs du Boston Ballet n'ont pas perdu une seule fois.
Misa Kuranaga et Patrick Yocum dans «Artéfact» de William Forsythe. Photo de Rosalie O’Connor, gracieuseté du Boston Ballet.
Le Pas de deux offrait des changements pelviens suintants et fondants et un jeu de jambes axé sur la voûte plantaire. D'autres pas de deux étaient plus anguleux, avec des extensions spectaculaires et des partenariats visuellement saisissants. Comme quelque chose offert tout au long de l'œuvre, une tension spatiale intrigante s'est développée à partir de pas de deux séparés dansés en point-contrepoint, en canon et en techniques similaires pour manipuler des phrases chorégraphiques. De là, un magnétisme a rempli l'air entre des paires séparées.
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Dans le même temps, en contraste frappant avec un mouvement aussi extrêmement technique, d'autres danseurs dans les lignes offraient des percussions corporelles agréables et d'autres mouvements piétonniers décontractés. Un motif intrigant était des bras en forme de cactus à coude plié, et un coup de poing audible venant avec les bras se fermant parfois devant la poitrine. Tout s'est mélangé pour offrir une image de scène et un score auditif global, ravis et stupéfaits. Le ténor principal de cette partition, du concepteur sonore Niels Lanz, est également passé du style classique élevé au mystérieux style post-moderne, il va de cet accompagnement de piano allégro à une cacophonie de percussions corporelles, de piano et de discours.
04_Part ICaralin Curcio et l'artiste invitée Dana Caspersen dans «Artéfact» de William Forsythe. Photo de Rosalie O’Connor, gracieuseté du Boston Ballet.
Ce discours comprenait la narration d'une femme plus âgée en tenue d'époque et d'un homme parlant dans un mégaphone. Ils ont présenté des jeux de mots qui rappelaient le théâtre de l'absurde, il y avait des tournants de phrase, des changements de temps et des parties de discours qui changeaient de sens - mais à quel sens pouvait ne pas être clair. Même ainsi, des mots clés tels que «se souvenir», «oublier», «voir» et «penser» ont fait surface des thèmes de mémoire, d'expérience, de perception et de vérité. Au début du spectacle, la femme a prononcé: «Entrez à l'intérieur». À la fin du spectacle, elle a demandé: «Sortez». Tout cela ensemble a mis en évidence un commentaire sur l'expérience théâtrale - un artifice basé sur la vérité, commençant et se terminant à des points de consigne, mais résonnant avant et après.
Dans cette interprétation, un choix d'éclairage peut-être ironique (conception d'éclairage également de Forsythe) était un éclairage industriel lumineux et jaune uniquement du haut de la scène à gauche - totalement opposé aux bases de la création d'un éclairage théâtral agréable. D'autres éclairages étaient d'une beauté classique, comme un éclairage ambré bas qui brillait sur des danseurs en costumes dorés (costumés également par Forsythe). Un moment d'éclairage très innovant et mémorable a été un effet qui a mis les danseurs en silhouette noire sur fond blanc.
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Boston Ballet dans «Artifact» de William Forsythe. Photo de Rosalie O’Connor, gracieuseté du Boston Ballet.
Pourtant, cette interprétation du spectacle en tant que commentaire de l'expérience théâtrale n'est que l'une des nombreuses qui pourraient être valables, avec des preuves à l'appui quelque part dans les nombreux aspects riches et complexes de l'œuvre. Forsythe a dit que chaque spectateur apporte une expérience unique au théâtre, et à partir de là, on forme une compréhension et une interprétation de ce que l'on voit qui est vraie pour lui / elle.
C’est pour le bien, car notre art n’a pas à être une chose. Compte tenu de la nature de notre monde en 2017, notre art nous sert le mieux lorsqu'il peut soutenir la pluralité - lorsque nous pourrions sortir du théâtre, peut-être pas avec des réponses concrètes, mais mieux préparés pour notre voyage vers celles-ci. Le Boston Ballet propose ce genre d’art avec Forsythe’s Artefact 2017. Que tous les membres de l'auditoire l'acceptent comme quelque chose de bien plus qu'une chose ou une autre, et d'autant plus prêts pour leur cheminement vers leurs propres réponses.
Par Kathryn Boland de La danse informe.
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