Robert Kleinendorst et Alex Clayton dans «Arden Court» de Paul Taylor. Photo de Paul B. Goode. Quand vous pensez à la danse, qu'est-ce qui vous vient immédiatement à l'esprit? Pour certains, c'est le sens artistique du mouvement exécuté. Pour d'autres, c'est une évasion du monde réel et des épreuves et des tribulations de la vie quotidienne. La danse a le pouvoir d'atteindre ceux qui nous entourent d'une manière qui puise dans toutes les émotions imaginables. Il existe une variété de voies que la danse peut atteindre qui vont au-delà de la simple représentation sur scène pour des milliers de spectateurs, et cela peut être vu même maintenant pour exprimer et créer un dialogue sur des problèmes que nous voyons et expérimentons dans notre vie quotidienne. Il est fascinant de voir comment les artistes, danseurs et chorégraphes partagent une si belle forme d'art, mais partagent également un terrain d'entente en voulant atteindre ceux qui ont du mouvement à la place des mots.
Ici, Dance Informa s'entretient avec divers réalisateurs et artistes du monde professionnel sur la façon dont la danse a joué un rôle vital dans leur vie, comment elle est venue avec l'adversité et comment ils ont utilisé la forme artistique pour évoquer le changement.
Alex Clayton. Photo de Bill Wadman.
Avant de devenir membre de la Paul Taylor Dance Company, Alex Clayton avait sa juste part d'obstacles à affronter alors qu'il poursuivait sa carrière de danseur professionnel.
Il raconte à Dance Informa: «J'ai commencé assez tard dans le monde de la danse, vers 16 ans. C'était un avantage pour moi parce que je me sentais plus comme un adulte. Cependant, j'avais 5'6 ″, ce qui a été un problème dans le monde du ballet, avec ma musculature. Ma couleur de peau était également un problème, car on m'informait qu'il ne pouvait y avoir qu'un seul danseur noir dans une organisation donnée. Je savais que je ne pouvais pas changer l'un ou l'autre de ces problèmes, alors j'ai décidé d'être fier de moi. '
Pour Bradley Shelver, le passage de ce qu'il a vécu en Afrique du Sud pendant et après l'apartheid à la vie après avoir déménagé à New York a provoqué une évaluation de la façon dont les êtres humains en général peuvent voir quelqu'un dans le monde de la danse.
Bradley Shelver. Photo par Arthur Kopchik.
«Lorsque l'apartheid a pris fin en 1994, j'étais un lycéen», dit Shelver. «J'ai auditionné pour Alvin Ailey et j'ai reçu une bourse, et j'étais le seul Caucasien à la recevoir à l'époque. Je suis devenu membre d'une famille, et en venant à New York et en dansant avec Ailey et le Ballet Hispánico, j'ai senti que je vivais ce changement. Cependant, étant d’Afrique, on s’attend à ce que vous regardiez ou agissiez d’une certaine manière, et il m’a fallu un certain temps pour traiter cette hypothèse. Je ne réserverais pas de rôle parce que mon look ne me convenait pas, donc mon objectif était d'essayer de changer l'état d'esprit de certaines personnes. Avec Ailey, j'ai pu apporter l'expérience au monde et faire bouger la façon dont je suis né pour bouger.
Larissa Gerszke. Photo de thegingerb3ardmen.
Larissa Gerszke, membre de la compagnie Complexions Contemporary Ballet, partage son expérience de danseuse biraciale qui navigue dans le monde de la danse autour d'elle, plus particulièrement dans le ballet classique.
Elle dit: «J'ai grandi avec les privilèges des deux côtés, et avec la danse, j'ai eu le privilège d'être un teint plus clair. Le ballet est ancré dans la perfection. Présenter moins de moi-même pour être comparable et réussir dans le ballet brosse une image claire des limites gravées dans l'esthétique du ballet. Quoi qu'il en soit, j'ai dû travailler 110% plus fort, ce qui est une pilule difficile à avaler. J'ai dû accepter ma position et ce que je veux en faire, et Complexions m'a offert un espace pour être moi-même de manière authentique.
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Dante Puleio. Photo gracieuseté de Limón Dance Company.
Parlant de ses expériences antérieures en tant que jeune homme s'efforçant de s'entraîner et de développer son métier, Dante Puleio ( nouveau directeur artistique de la Límon Dance Company ) apporte la perspective que de nombreux danseurs masculins éprouvent à un moment ou à un autre.
«Vers l'âge de 19 ans, j'étais l'un des deux danseurs masculins en formation», révèle Puleio. «Je n’ai pas vraiment obtenu ces conseils d’un instructeur masculin qui pouvait me montrer comment utiliser mes dons. Il y avait un sentiment de «personne dans la pièce ne me ressemblait», et en tant qu'homme blanc privilégié, j'ai pensé à ce que cela ressentait pour une personne de couleur. Il n'y a personne pour leur donner les outils en tant qu'artiste, ce qui résonne plus fort et résonne plus avec moi.
Lori Belilove. Photo gracieuseté de Belilove.
La danseuse et enseignante d'Isadora Duncan, Lori Belilove, parle de son expérience, en disant: «Je me souviens d'être allée à une audition de danse moderne et le professeur m'a coupé en morceaux. C'était comme un couteau. J'ai dû faire face à cette douleur, mais j'ai aussi mis un point d'honneur à explorer ce qu'elle voyait. J'ai surmonté cette douleur et Isadora Duncan m'a aidé à regarder au-delà des pièges.
Pour Madelyn Ho, membre de la Paul Taylor Dance Company, même si elle dit avoir eu de la chance dans sa carrière, il y avait encore des moments de doute par moments.
Madelyn Ho. Photo de Bill Wadman.
«J’ai eu l’occasion d’interpréter les chefs-d’œuvre de Paul Taylor et de les partager avec un public du monde entier», déclare Ho. «La danse fait partie intégrante de ma vie et a aussi parfois été une source de conflit avec ma famille. Il y avait peu de danseurs asiatiques-américains de premier plan sur lesquels mes parents pouvaient se tourner comme modèles pour le chemin que j'avais tracé. Ils voulaient que je sois jugé sur mon mérite et mon travail acharné, pas sur mon appartenance ethnique ou sur tout autre facteur que je ne peux pas contrôler.
Ces artistes et réalisateurs et bien d'autres dans le domaine de la danse ont pris leurs expériences de l'adversité et les ont transformées en phares d'espoir. Que ce soit par le biais de leurs parcours de représentation ou de sensibilisation des communautés qui les entourent, le dénominateur commun est d'utiliser la danse comme plate-forme pour évoquer le changement, l'émotion et créer le dialogue. Enseigner le mouvement et créer un amour pour les arts est une sorte de vaisseau qui nécessite des leaders forts pour garder le cap, mais aussi pour naviguer dans des eaux agitées.
Tiffany Rea-Fisher, directrice artistique d'Elisa Monte Dance, note qu'il est impératif de modeler ce qu'elle veut voir, et cela commence par le haut.
Tiffany Rea-Fisher. Photo par Ayodele Casel.
«Je prends des décisions avec les danseurs», dit-elle. «Tout le monde a une place à la table et c'est un endroit sûr pour partager ses idées. Les danseurs sont parfois des vaisseaux silencieux, et c'est à 100% mon travail de créer un espace où ils peuvent s'exprimer physiquement et vocalement.
En se concentrant à travers le prisme de l'éducation artistique, Alpha Omega Theatrical Dance Company sert de plate-forme pour les jeunes artistes et interprètes issus de minorités. Avec la directrice exécutive Donna Clark et le directeur artistique Enrique Cruz DeJesus à l'avant-garde, Alpha Omega a servi de foyer et de famille à de jeunes artistes.
Compagnie de danse théâtrale Alpha Omega. Photo de Quincy Scott.
«Les travaux que nous avons réalisés avec Alpha Omega ont traité des problèmes sociaux dans le monde», déclare DeJesus. «Nous sommes connus pour créer des œuvres qui sont socialement conscientes et créent le dialogue. Étant une petite communauté de danse, nous évoluons mais préservons ce que nous avons. Il s’agit d’être fidèle à qui vous êtes. C'est une question de conscience. »
Clark ajoute: «La danse est une manière d'être cathartique et les artistes ont besoin d'un espace pour s'exprimer et se soigner. Nous devons être en mesure de fournir un espace, un lieu et une idée qui se rassemblent autour de l'endroit où le danseur parle. Il s'agit de connecter les énergies et de se rassembler. Il est nécessaire de faire une déclaration sur ce qui doit se passer. '
En tant que directeur de sa propre entreprise et enseignant dans les écoles publiques, Mark DeGarmo considère le mouvement comme un processus de guérison et de création pour les étudiants qu’il a rencontrés.
Mark DeGarmo. Photo gracieuseté de DeGarmo Dance.
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«La composition improvisée est mon approche de la chorégraphie et est au cœur de mon processus créatif», explique DeGarmo. «Le mouvement avec des enfants ayant des besoins spéciaux et des apprenants non verbaux me donne la possibilité de relier l'apprentissage des élèves au développement humain. C'est une sorte de mécanisme de guérison. '
Dian Dong. Photo gracieuseté du Chen Dance Center.
Le directeur du Chen Dance Center, Dian Dong, est également passionné par le fait d'atteindre les enfants de toute la ville et du monde entier tout en enseignant l'histoire de la Chine à travers la danse chinoise et les mouvements d'opéra.
«Depuis 1988, nous proposons gratuitement une série d'ateliers aux écoles», explique Dong. «Nous devons tous faire notre part pour aider cette prochaine génération. Bien que nous soyons actuellement déplacés en raison d'un incendie récent dans notre studio, nous voulons intégrer les hémisphères droit et gauche du cerveau et tirer le meilleur de tous les mondes à distance en faisant des ateliers virtuels.
«Escape From the House of Mercy» de Catherine Gallant, reporté d’avril dernier à février 2021. Photo de Gallant.
En tant qu'enseignante et éducatrice en danse, Catherine Gallant dit: «Lorsque vous vous engagez dans la danse, il est important de posséder vos propres idées. C’est stimulant. Comment révélons-nous à travers notre corps? Avec les très jeunes enfants, c'est une interaction incarnée. Je ne donne pas à travers mon objectif, mais je permets leur découvrir. Cela vient d'abord d'eux.
Michael Novak. Photo de Laspata DeCaro.
Alors, comment pouvons-nous, en tant qu'artistes, continuer à #bethechange? Bien qu'il n'y ait pas une seule réponse claire quant à la façon dont, les possibilités de changer notre monde par le mouvement sont infinies, et cela commence par l'action.
Michael Novak, directeur artistique de la Paul Taylor Dance Company, partage: «Je pense qu'en regardant les systèmes préexistants, les préjugés et les préjugés qui peuvent être en place dans notre industrie, internes ou externes, conscients ou non et d'évaluer ce que je peux faire pour créer de nouveaux systèmes dans notre entreprise fondés sur l'égalité, la diversité et l'inclusivité sera un système qui gagnera du terrain et se poursuivra. »
Nayomi Van Brunt. Photo par Josh S. Rose Photography.
«En fait, nous sommes tous dans le même bateau», déclare Nayomi Van Brunt, danseuse au L.A. Dance Project. «Tous les artistes partagent les mêmes luttes qu'une forme d'art en général, mais ne sont pas traités de la même manière. Nous avons une plateforme en tant qu'artistes pour aider les autres. Je travaille activement sur la façon dont je peux être le changement. Nous travaillons sur un état d'esprit, et les problèmes du monde ne s'arrêtent pas lorsque nous entrons en studio. '
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Desmond Richardson. Photo par Lee Gumbs Photography.
Desmond Richardson, co-fondateur et co-directeur artistique de Complexions Contemporary Ballet, explique: «Le moment est venu que nous sommes et pouvons changer l'avenir. Nous avons eu la plate-forme, et elle est maintenant plus ouverte. J'encourage les artistes à avancer sur toutes les idées. Nous sommes des créateurs, et à travers les épreuves viennent l'endurance et la persévérance.
Jacqulyn Buglisi. Photo de Bill Biggart.
«L'art nous permet d'aller dans la lumière pour imaginer, créer et innover», ajoute Jacqulyn Buglisi, directrice artistique du Buglisi Dance Theatre. «La danse apporte de la poésie, de la musique et de la littérature et sort de l'intérieur. Nous devons regarder ce qui nous attend et nous demander: «Comment puis-je participer?» »
Jada Pearman. Photo de Bill Wadman.
En tant que membre de la Paul Taylor Dance Company, Jada Pearman résume le changement en expliquant: «Quand je joue, je représente ma famille, ma belle île natale et chaque petite fille noire qui rêve de devenir une danseuse professionnelle. Je danse pour plus que moi, et il y a tellement de travail à faire. '
Par Monique George de La danse informe.
