Une esquisse de costume pour 'Pas Glazunov' de Malcolm Burn. Photo gracieuseté d'Emily Morgan DeAngelis. Ils disent que les costumes peuvent faire ou défaire une performance. Si vos danseurs sont stellaires, peu importe, les mauvais costumes ne sont qu’une entaille dans une structure solide. Mais aussi, si vos danseurs sont stellaires, de beaux costumes peuvent pousser la production au-dessus. Heureusement, pour le Richmond Ballet, la danse forte et les danseurs engageants ont été pleinement soutenus par des costumes solides, riches et intelligents tout au long du répertoire pour leur récente course au Joyce Theatre.
Costume femme pour le «Polaris» de Katarzyna Skarpetowska. Photo gracieuseté d'Emily Morgan DeAngelis.
Dance Informa était ravi de s'asseoir avec la directrice des costumes de la société, Emily Morgan DeAngelis, pour voir de plus près non seulement ce qui se passait dans les costumes, mais aussi un peu dans les coulisses de la culture de la boutique de costumes. DeAngelis conçoit les costumes pour les nouvelles œuvres, ainsi que les re-designs des pièces préexistantes, et maintient le reste des costumes pour tout le répertoire.
Comme la boutique de costumes est située dans le bâtiment du Richmond Ballet, le chorégraphe peut s'y rendre pour voir ce qui est en cours de construction, et DeAngelis peut courir jusqu'aux studios pour voir la chorégraphie et si quelque chose va poser problème. Ils peuvent prendre des décisions à la volée et travailler très rapidement. Elle amènera également certains des gars vers le bas pour regarder un costume avec elle, regarder les positions des mains en couple et voir si ses idées fonctionneront. Parfois, bien sûr, elle n'est pas disposée à tuer une idée pour la chorégraphie parce que cet élément fait la pièce. Ils proposent donc une solution de problèmes sophistiquée, et ces idées réussies viennent souvent des danseurs eux-mêmes! Lorsque les chorégraphes entrent en tant qu'invités, cela garde les gens en forme. Ils doivent travailler très rapidement, faire une maquette, faire un essayage et parler des finitions, et faire tout cela dans les deux premiers jours. Ensuite, le chorégraphe part, la boutique de costumes se rapproche du produit fini, et ils correspondent via chat vidéo et email pour les décisions finales. Ensuite, ils ont techniquement et espèrent que c'est ce qu'ils voulaient!
Et si ce n’est pas le cas? Ou que se passe-t-il si DeAngelis n'aime pas les vieux costumes? Personne ne s’en soucie, car ce n’est pas sa décision. S'il s'agit d'un problème d'ajustement, ou si les danseurs ont du mal à faire leur travail, si cela distrait les danseurs, ils pourraient modifier le costume. À part cela, ils ne peuvent pas changer les costumes d’une pièce préexistante à moins que le chorégraphe, le metteur en scène et le costumier n’entretiennent tous un dialogue et parviennent collectivement à la conclusion qu’un changement doit être apporté.
Mais son travail ne consiste pas seulement à dessiner, couper et coudre selon les spécifications d'un chorégraphe ou d'un metteur en scène, mais aussi de s'assurer que ces danseuses se sentent bien à l'intérieur de ses costumes et une fois qu'elles ont quitté la boutique. «C’est à moi de leur donner une inquiétude émotionnelle», dit DeAngelis à propos des danseurs, qu’elle considère comme ses amis. «Quand ils essaient un costume, c'est à ce moment que le rôle est le plus réel. Dans une carrière fugace et intense au quotidien, la boutique de costumes est un espace sûr.
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Un costume pour le «Pas Glazunov» de Malcolm Burn. Photo gracieuseté d'Emily Morgan DeAngelis.
Quand elle a remarqué la manière trop familière que les danseurs ont de l'autodérision, en particulier en ce qui concerne leur corps, elle a institué une nouvelle politique pour perturber le schéma s'ils disent quelque chose de négatif, ils doivent dire trois choses authentiques et gentilles à propos de eux-mêmes avant de partir.
DeAngelis sait à quel point il est important pour les danseurs de se sentir bien, cool, beaux et intelligents dans ses créations, et tout cela fait partie d'une culture qui soutient ses danseurs, de l'administration, à l'entraîneur sportif sur place, en passant par le sur- boutique de costumes du site. Elle explique: «S'ils ne sont pas en bonne santé, rien de tout cela ne fonctionne. Les danseurs doivent être heureux et en bonne santé, et je fais partie de cette [mentalité]. Cela ne fonctionnerait pas s'il n'y avait pas de relation communautaire dans l'entreprise, pour le public et tous ceux qui travaillent dans le bâtiment. '
Voici ce que DeAngelis et le Richmond Ballet ont apporté au Joyce:
Glisser (2011) a été chorégraphié par Val Caniparoli, avec des costumes originaux de Sandra Woodall. Les femmes portaient des jeggings bleus de For All Mankind, des justaucorps violets et des hauts ouverts fluides en matière moulante, les hommes en pantalons noirs et des chemises à manches longues boutonnées ouvertes de couleur foncée. Tout était préfabriqué à l'exception des hauts pour femmes, et comme tout existait déjà pour cette pièce, DeAngelis devait juste s'assurer que tout correspondait au casting actuel.
Thomas Raglund du Richmond Ballet dans le «Swipe» de Val Caniparoli. Photo de Sarah Ferguson.
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La chorégraphie comportait de nombreuses ondulations du haut du corps tout au long. Mais il n'y a que tellement de mouvement qu'un vêtement ample va avec, donc les costumes ont mieux fonctionné lorsque les acteurs ont laissé leurs chemises dans les ailes. Stoner Winslett, directeur artistique du Richmond Ballet, est particulièrement méticuleux en ce qui concerne la longueur des pantalons, et bien que cela soit brillamment apparent pour chaque pièce du spectacle, cela a été révélé pour la première fois ici avec les jeggings pour femmes roulés à des longueurs attrayantes individualisées au mollet.
Pas Glazunov (1991) a été chorégraphié par Malcolm Burn avec de nouveaux costumes de DeAngelis. La femme portait une simple robe débardeur blanche à col en V avec une jupe courte ondulée, l'homme dans un bouton blanc éclatant d'Uniqlo et un pantalon blanc. Cette jupe avait le plat parfait, une large ondulation avec suffisamment de poids pour couler mais pas s'affaisser. En l'occurrence, c'était juste une jupe circulaire placée un peu plus bas au niveau des hanches, donc elle monte doucement mais n'est pas gênante pour les ascenseurs. La fermeture de la robe était à crochet et barre au lieu d'une fermeture à glissière car elle est facile à saisir, et DeAngelis trouve cela très important car les tailles des danseurs changent au cours de la semaine avec un travail acharné tous les soirs. Un programme de performances chargé oblige les danseurs à perdre du poids et à développer leurs muscles, de sorte que la logistique des ajustements doit être prise en compte lors de la conception.
DeAngelis a fini par reconcevoir les costumes pour en faire quelque chose d'entièrement nouveau pour ces performances. Burn, le chorégraphe, a estimé que les costumes originaux bleus et violets n'étaient pas vraiment ce qu'il voulait, et il a insisté sur le blanc, qui donne encore un clin d'œil au formatage classique du pas. L'équipe a reconnu l'importance d'honorer le format classique de la pièce, mais comme elle devait s'intégrer dans un programme contemporain, elle devait changer. «C’est comme un premier rendez-vous» entre les différentes pièces du programme, dit DeAngelis. «Vous devez faire une bonne première impression et vous impressionner mutuellement, alors nous voulions que cela ait l'air un peu plus piéton.»
Léonard François
Richmond Ballet dans le «Polaris» de Katarzyna Skarpetowska. Photo de Sarah Ferguson.
Polaris (2015) a été chorégraphié par Katarzyna Skarpetowska, avec des costumes originaux de DeAngelis. Les femmes portaient une combinaison fluide blanche douce avec une unité nude presque invisible en dessous avec des paillettes incrustées, les hommes en pantalon noir en tissus multi-texturés. L'idée des combinaisons est venue de Skarpetowska. Elle a imaginé une barboteuse drapée en blanc, que DeAngelis a créée avec succès d'une manière qui se sentait contemporaine, semblait flatteuse et travaillait avec la musique, la chorégraphie et l'éclairage fascinants. Il avait l'air prêt pour la rue.
La pièce elle-même a été créée en s'inspirant du cosmos et des galaxies en cours de création. Dès le début, Skarpetowska, et par la suite l'équipe artistique, savaient qu'il y aurait de la poussière d'étoile dans la pièce (gros morceaux de paillettes, tombant doucement des mains des femmes ou des chevrons), donc les «astronautes de la déesse» (terme de DeAngelis pour le femmes) ont des étincelles sur leurs hauts - aussi «belles et chatoyantes que votre esprit penserait que la création aurait l'air». Les boutons et les étriers cachés maintiennent tout en place.
Conception de costumes pour «Polaris» de Katarzyna Skarpetowska. Photo gracieuseté d'Emily Morgan DeAngelis.
Même s’ils semblaient beaucoup plus simples dans leur conception, les pantalons pour hommes ont également été construits, et étrangement difficiles car il y a un pli de tissu contrastant à l'avant et à l'arrière de sorte que lorsque la lumière le frappe, vous pouvez voir cette dimension supplémentaire. DeAngelis a estimé qu'il n'aurait pas été juste de mettre les hommes dans des pantalons achetés en magasin qui auraient été plus pratiques, mais cela n'aurait pas semblé organique à la pièce et à ses origines galactiques. «La pièce fait entrer l'univers sacré en collision avec la technologie», décrit DeAngelis. «Nous n’aurions pas le matériel source sans la NASA, mais les photos et les corps qui dansent sont vraiment naturels et presque mystiques. Je voulais concevoir et fabriquer des pantalons pour que mes danseurs n'aient pas l'impression que ce qu'ils portaient était quelque chose que l'on pouvait trouver en marchant dans la rue parce qu'il n'y a rien de piéton dans le mouvement ou l'intention de la pièce. '
Soulevez les morts (2014) a été chorégraphié par Ma Cong, avec des costumes originaux de Rebecca Baygents Turk. Les femmes portaient des faux corsets avec un motif en dentelle et des jupes en mousseline de soie avec une couche amovible courte et longue.Les hommes portaient des hauts en forme de corset qui étaient complémentaires à ceux portés par les femmes, ainsi que des collants de danse. Tous les costumes sont passés d'un jaune vif et chaud en bas à blanc en haut. La pièce est un hommage à la mère du chorégraphe, décédée peu de temps avant de la créer pour la compagnie.
Richmond Ballet dans «Lift The Fallen» de Ma Cong. Photo de Sarah Ferguson.
Cong a découvert que la création de l'œuvre était une forme de thérapie, et il a essayé d'explorer où et dans quelle direction cela pourrait aider avec les émotions profondes qu'il ressentait depuis le décès de sa mère. Cela lui a permis de se concentrer sur quelque chose de positif, de beau et de spirituel, et l'a également amené à réfléchir à ce que sa mère aimait et à ce qu'elle aurait aimé voir. Quelque chose qui est venu au premier plan était la rose jaune, la fleur préférée de sa mère, qui, avec la positivité de la couleur, est la raison pour laquelle les costumes ont la belle teinte jaune. Ses autres souhaits exprimés à Turk étaient quelque chose de très élégant, avec une petite touche de contemporain, qui montrerait le vrai côté d'un être humain.
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Ils ont décidé que parce que la musique avait un haut et un bas dramatique, comme une vague, le costume devait avoir un flux - d'où la jupe longue. Mais dans le processus de répétition, il aimait l'apparence des femmes dans leurs jupes de répétition plus courtes, alors ils ont eu l'idée qu'il y aurait deux jupes superposées, une longue et une courte, et la longue pourrait être enlevée pour certaines sections de la pièce. La mousseline de soie serait le matériau idéal pour donner un flux magnifique et pour ne pas ajouter de volume excessif dans les couches. Le look corset a ajouté une sensation victorienne. «Rebecca a fait un travail vraiment fabuleux combinant tous les éléments», dit Cong.
Richmond Ballet dans «Lift The Fallen» de Ma Cong. Photo de Sarah Ferguson.
Les costumes sont extrêmement beaux sur scène, et ce n'est pas seulement du design, mais aussi des soins approfondis. Les costumes doivent être reconstruits après une utilisation fréquente et intense. «La pièce est si belle, une pièce de signature pour l'entreprise à ce stade», dit DeAngelis. «Nous savons que nous allons le faire encore et encore, et nous voulons qu'il soit aussi beau le 50enous le faisons comme c'était la première fois.
Par Leigh Schanfein de La danse informe.
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