Propriétaire De Studio De Danse

Enseignement de Francisco Gella. Photo gracieuseté de Gella.

C’est la pause estivale, et entre l’heure de la piscine, les cocktails et les soirées estivales, l’appel de la nouvelle année de danse approche à grands pas. Quel sera votre objectif au cours de l'année scolaire 2019/20? Allez-vous mettre à jour votre programme et essayer quelque chose de nouveau? Qu'est-ce qui a fonctionné pour vos élèves et où peuvent-ils s'améliorer?

En amont de Sommet des professeurs de danse À la fin de ce mois, Dance Informa s'adresse à trois leaders de l'industrie pour leurs conseils sur l'élaboration de programmes et les méthodes d'enseignement réussies, abordant des sujets qui seront abordés lors des prochains séminaires de Long Beach et de New York.

Deborah Damast. Photo de Jordan Matter.

Deborah Damast, directrice du programme d'éducation à la danse et conseillère artistique à NYU Steinhardt, possède une richesse de connaissances et une immense expérience dans le développement de programmes. Son approche «consiste d'abord à regarder le public. Qui sont les étudiants? Quels sont leurs besoins? Quels sont les objectifs de l'école, du programme et des enseignants? » elle demande. «Quelle est la philosophie pédagogique de l'école? Ces questions doivent être abordées avant que le programme ne puisse être rédigé afin qu'il y ait un alignement avec les objectifs, la pratique pédagogique et la mission. »

Wikipédia de Max Shifrin

Qu'il s'agisse d'enseigner à des danseurs récréatifs, à des étudiants pré-professionnels sérieux, à des danseurs de compétition ou à des étudiants, la pause estivale est le moment opportun pour examiner votre mission et évaluer comment votre programme fonctionne pour vous et vos étudiants.

«Le développement des programmes est souvent considéré comme compliqué et intimidant», fait remarquer Francisco Gella, maître enseignant, chorégraphe et directeur artistique de Francisco Gella Dance Works. Mais ce n’est pas nécessaire.

Francisco Gella. Photo gracieuseté de Gella.

«Si vous regardez vraiment les racines de la façon de formuler un programme efficace et axé sur les résultats, c'est en fait assez simple», explique Gella. «Concentrez-vous sur les fondements de base de l'approche technique mettant en œuvre ces éléments fondamentaux d'un point de vue anatomique et biomécanique, soyez implacable avec les détails en termes d'exécution (à partir d'un alignement approprié, comment chaque étape démarre, transitions et se termine), et, enfin, soyez cohérent en appliquant ces règles simples à chaque étape, chaque séquence et chaque plan de cours. »

Mais une fois que vous avez un plan solide en place, assurez-vous de laisser de la place à la créativité et à la moulabilité.

«Créez un programme qui guide et soutient sans être descendant et normatif afin que les enseignants puissent avoir un espace créatif et en même temps sentir qu'ils ont un modèle qui fonctionne pour leurs classes», conseille Damast. «Un bon programme doit être respirant, structuré au fil du temps, avoir des résultats réalistes et s'adapter à différents styles d'apprentissage.»

Gella est d'accord, disant: «Le travail de développement du programme ne devrait jamais s'arrêter parce que les besoins des danseurs changent, les demandes des secteurs des concerts, de la danse commerciale et collégiale changent, et vous-même changez.

Créer un programme qui vous correspond et qui correspond aux objectifs de votre studio dépend de votre philosophie d’enseignement fondamentale. Alors que vous planifiez l’année scolaire, c’est le moment idéal pour réfléchir à ce qui est important pour vous dans une salle de classe et, en fin de compte, à ce que vous voulez que vos danseurs tirent du temps passé avec vous.

Ray Leeper, chorégraphe de renom et consultant créatif, se concentre sur l'enseignement du respect et de la discipline aux danseurs.

Ray Leeper.

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«J’aime toujours enseigner avec encouragement et positivité, mais cela ne veut pas dire qu’il n’y a pas de discipline», dit-il. «Les jeunes doivent entrer dans la salle avec un certain respect et avoir un travail à faire. Les danseurs entrent dans un cours de ballet avec leur bonnet de ballet prêt pour un cours très, très structuré, puis ils entrent dans leur cours de jazz ou de contemporain et ils enlèvent le bonnet de ballet. Il y a un sentiment plus détendu, ce que j'aime, mais je pense que nous devons vraiment essayer d'avoir un niveau de respect ou de discipline en classe. Avez-vous déjà regardé vos enfants en cours de ballet et vous dire: «Pourquoi n’aiment-ils pas ça dans ma classe?» Si oui, vous devez réévaluer la façon dont vous dirigez votre classe. »

Gella met également l'accent sur la construction de personnages forts et dévoués plutôt que de simples danseurs avec une technique parfaite.

«Un enseignant peut se concentrer sur le développement d'une solide formation technique, mais sans aussi s'occuper des besoins émotionnels et psychologiques de l'élève - qui ont un impact sur les principes comportementaux fondamentaux que sont le caractère, l'intégrité, le courage, l'introspection, la confiance en soi, l'humilité et la gratitude - que l'étudiant ne maximisera jamais son plein potentiel humain et artistique », dit-il.

Mais comment faites-vous cela pour les nombreux étudiants, de différents niveaux, que vous rencontrez chaque jour?

«Vraiment voir la classe», conseille Damast. «N'enseignez pas au miroir, enseignez aux gens. Posez des questions, rencontrez les élèves, trouvez plusieurs façons d'expliquer les concepts et découvrez comment vos élèves apprennent. '

Pour ce faire, Damast encourage les éducateurs à «faire en sorte que les élèves trouvent leur voix pendant qu'ils trouvent leur style, et à inclure des discussions dans les classes. Pourquoi ne pas rendre le contenu du cours lié à la vie des élèves en dehors du studio de danse? »

Selon Gella, les enseignants doivent «non seulement prêter attention au développement global de l'élève, mais aussi exprimer constamment leur croyance dans le talent et le potentiel de l'élève, et montrer qu'ils apprécient l'authenticité et le caractère unique du danseur. Tout cela affecte la façon dont un danseur aborde la classe et la performance. »

Leeper partage un conseil utile pour aider chaque élève à se sentir valorisé. 'Je pense que l'enseignement en classe consiste toujours à créer un sentiment d'égalité dans la salle, que vous enseigniez à 500 danseurs dans un cadre de convention ou que vous en enseigniez 20 au studio.'

Il poursuit: «Vous savez comment chacun a sa place à la barre ou face au miroir? Les danseurs se placent en fonction de leur niveau ou de l'endroit où ils pensent mériter d'être. Mélangez avec ça! Créez l'opportunité pour les danseurs qui sont à l'arrière d'être à l'avant. Assurez-vous que vous donnez autant d'opportunités à chaque danseur. Donc, si vous traversez le sol, ne faites pas toujours commencer vos danseurs A, ou ne vous associez pas. »

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Dans un cours de ballet, Gella estime qu'il est important d'exprimer que «tout le monde ne peut pas être excellent en ballet, mais chaque personne dans la salle peut être un excellent élève.»

Qu'est-ce que cela signifie à la barre? Gella dit à ses élèves de «se concentrer sur ce qui est enseigné, d'honorer l'étiquette et la tradition en ne parlant pas ou en ne perturbant pas le processus d'apprentissage, de vous honorer en ayant le courage d'essayer quelque chose de nouveau, et si vous êtes un danseur chevronné formé en ballet, concentrez-vous sur corriger les détails et déterminer comment vous pouvez améliorer votre approche à chaque étape donnée. »

Gella tient à faire savoir aux élèves «que différents types de corps sont tous capables d'apprendre le ballet. Quel que soit le type de corps, si ce danseur a fait le travail nécessaire, avec clarté et détails, vous ne pouvez pas nier l'excellence dont il fait preuve.

Ajoutez à ces différents types de corps et capacités, les nombreux styles d'apprentissage différents de vos élèves, et vous avez un ensemble complexe de besoins dans chaque studio.

«Chaque danseur a des différences dans la façon dont il apprend et retient les informations», souligne Gella. 'Certains auront tendance à intellectualiser le contenu que vous enseignez, et certains sont plus susceptibles d'apprendre visuellement par la démonstration et l'observation.'

Dans une forme d'art physique, Gella encourage ses élèves à essayer chaque correction physiquement, pas seulement intellectuellement.

«Les étudiants ne peuvent pas être autorisés à rester passifs et à n'acquérir l'information qu'intellectuellement - quelle que soit leur modalité d'apprentissage dominante», dit Gella. «J'encourage toujours mes élèves à ressentir la correction avec leur corps.»

Et «il y a une différence entre l'enseignement et la prédication», ajoute Leeper. «Je pense que c’est la raison pour laquelle il est très important que les instructeurs se mettent au sol et se promènent pour garder les enfants engagés.»

Mais en tant qu'enseignant, êtes-vous engagé? À la fin de l'année scolaire, nous sommes tous épuisés et généralement en manque d'inspiration. C’est là qu’un événement comme le Dance Teacher Summit peut vous motiver et vous équiper.

«Ce sera ma cinquième année d'enseignement au Sommet», déclare Gella avec enthousiasme. «Je veux renforcer la confiance des éducateurs en eux, ouvrir des possibilités pour de nouvelles et nouvelles méthodes d’enseignement et encourager les enseignants à se considérer comme des artistes. La plupart des enseignants considèrent ce qu'ils font comme un travail. J'encourage les instructeurs à considérer leur enseignement comme une pratique artistique. Les enseignants qui se perçoivent comme des artistes deviennent plus innovants dans leur façon de voir ce qu'il faut enseigner et comment enseigner. »

Mais avec autant de cours proposés et tant de conseils à recueillir, comment le Sommet peut-il aider efficacement le développement et l'exécution de votre programme?

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'Je pense qu'il est très important de proposer avec votre équipe de studio un plan sur la manière dont les informations que vous collectez peuvent être utilisées sur une année entière et d'être vraiment réaliste, mesuré et pratique sur la manière dont les informations sont transmises à vos étudiants,' conseille Leeper.

Alors, comment pouvez-vous faire ça? «Après le Sommet, prenez environ une semaine et laissez vraiment tout régler», ajoute-t-il. «Voyez ce que trois à cinq choses vous reviennent sans cesse. Ce sont les choses auxquelles vous devez prêter attention, suivre et prendre du retard. »

Mais quoi que vous choisissiez de retirer du Sommet et de mettre en œuvre dans votre programme, cette nouvelle saison, par-dessus tout, «mettez la personne en premier, le danseur en second», rappelle Gella.

Le Sommet des professeurs de danse de cette année se tiendra à Long Beach, Californie (du 26 au 28 juillet) et à New York, New York (du 1er au 3 août). Pour vous inscrire et plus d'informations, visitez danceteachersummit.com .

Par Deborah Searle de La danse informe.