Pour le Mois de l'histoire des Noirs, Dance Informa se penche sur les danseurs noirs qui ont eu un impact significatif sur la forme d'art. Dans cet article, nous examinons des danseurs qui sont déjà décédés, mais qui ont laissé un héritage vivant.
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Par Chelsea Thomas de Dance Informa .
Février est reconnu comme le Mois de l'histoire des Noirs aux États-Unis. Depuis le bicentenaire du pays en 1976, le Mois de l’histoire des Noirs a été une désignation officielle pour honorer et se souvenir de l’impact significatif et incommensurable que les Afro-Américains ont eu sur la nation. Le président Gerald Ford a déclaré que la célébration annuelle était «d'honorer les réalisations trop souvent négligées des Noirs américains».
Ici, Dance Informa se penche sur les danseurs noirs qui ont eu un impact significatif sur la scène de la danse américaine, ainsi que sur les grandes compagnies qui ont lancé un nouveau monde où les danseurs noirs pourraient être considérés comme des artistes égaux.
Maître Juba (1825-1852)
Il est probable que de nombreux danseurs n’ont jamais entendu parler de Maître Juba, car ses importantes contributions à la danse vont malheureusement de pair avec des performances qui réitèrent les stéréotypes racistes. Il a joué dans des spectacles de ménestrel, un divertissement américain du 19e siècle qui consistait en des sketches comiques et en dansant en blackface.
Pourtant, ce que la plupart des gens regardent avec scepticisme - un homme libre noir jouant dans le ménestrel montre que les Noirs insultés comme des gens sombres, paresseux et trop joyeux - était en fait un exploit pour un homme noir de son temps. Dans l'ère d'avant-guerre où les noirs n'étaient pas autorisés à jouer avec les blancs, Maître Juba a été le premier à atteindre l'acceptation et la notoriété en tant qu'artiste. Au cours de sa carrière, il a joué avec quatre compagnies de ménestrels bien connues et est devenu plus tard le premier danseur noir expatrié, s'installant en Europe et ne revenant jamais aux États-Unis - un énorme accomplissement.
Bill Bojangles Robinson. Photo de James Kriegsmann.
Pourtant, peut-être plus important encore, Maître Juba (qui s'appelait légalement William Henry Lane) a été le premier danseur connu à combiner un jeu de jambes rapide avec des rythmes africains traditionnels, conduisant à la création de claquettes et même d'éléments de step dancing.
Bill «Bojangles» Robinson (1878-1949)
Alors que beaucoup étaient probablement nouveaux pour Maître Juba, je suis à peu près certain que la plupart ont entendu parler de Bill «Bojangles» Robinson. Connu comme le père de la claquette, Robinson est surtout connu pour son apparition dans les films très populaires mettant en vedette la jeune actrice Shirley Temple. Au cours de sa carrière, Robinson est apparu dans un total de 14 films et six émissions de Broadway, parfois dans des rôles de premier plan - un énorme triomphe pour un acteur noir à son époque.
De plus, Robinson a été le premier artiste solo noir à jouer sur les circuits de vaudeville blanc, où il a été la tête d'affiche pendant quatre décennies.
Robinson était connu pour ses mouvements doux et intentionnels combinés à une musicalité austère.
Asadata Dafora (1890-1965)
Asadata Dafora a été une pionnière de la danse en apportant une authentique culture ouest-africaine au public aux États-Unis. Forme de danse pratiquement inconnue à l'époque, la danse africaine a ouvert la porte à une nouvelle étude de la danse et de la performance culturelles.
Originaire de la Sierra Leone, Dafora est arrivé pour la première fois aux États en 1929. Peu de temps après, il a formé Shogola Oloba, une troupe de danse et de chanteurs, pour présenter des drames basés sur le mouvement basés sur les mythes et les traditions de l'Afrique de l'Ouest. Dafora a été le premier artiste connu qui s'est efforcé de présenter des formes africaines authentiques en dehors d'un cadre tribal. Il a influencé des artistes comme Pearl Primus qui ont ensuite incorporé des éléments africains dans sa chorégraphie.
John Bubbles, intronisé en 2002 au Temple de la renommée de la danse à claquettes de l'American Tap Dance Foundation. Photo gracieuseté de ATDF.
John W. Bulles (1902-1986)
Comme Robinson, le chanteur et danseur John W. Bubbles a fait des progrès significatifs dans la progression et la commercialisation des claquettes. Débutant sa carrière à 10 ans, Bubbles a rejoint le danseur de six ans «Buck» Washington pour créer un numéro de chant-danse-comédie. Avec Buck, Bubbles est devenu très populaire. Les deux ont accompli un acte dans le Ziegfeld Follies de 1931 et est devenu le premier artiste noir à se produire au célèbre Radio City Music Hall de New York.
Bubbles, qui est peut-être mieux connu pour avoir joué le rôle de Sportin ’Life dans la production de George Gershwin en 1935 Porgy et Bess , a ensuite joué dans le célèbre Hoofers Club de Harlem, ce qui a conduit à des concerts à Broadway, qui ont ouvert des opportunités à Hollywood.
On dit que Bubbles est le premier danseur à fusionner la danse jazz avec les claquettes, un favori pour de nombreuses compagnies de claquettes de jazz qui existent aujourd'hui. Il a créé des rythmes décalés et, à son tour, a modifié les accents, le phrasé et le timing.
Joséphine Baker (1906-1975)
L’héritage de Joséphine Baker, l’une des premières femmes noires à laisser sa marque dans le monde de la danse, est synonyme de sensualité, de bravoure et de passion décomplexée. Née à St. Louis, Missouri, Baker a grandi avec peu et a rapidement développé un esprit indépendant, apprenant à subvenir à ses besoins et à faire son propre chemin. Ce comportement libre et audacieux l'a amenée à se produire à travers le pays avec The Jones Family Band et The Dixie Steppers en 1919. Au moment où elle a sashayed sur une scène parisienne dans les années 1920, elle avait confiance en ses capacités et a joué avec une bande dessinée, mais appel sensuel qui a pris l’Europe d’assaut.
Célèbre pour ses robes à peine là et son mouvement modernisé, Baker a continué à se produire et à chorégraphier pendant 50 ans en Europe. Bien que le racisme aux États-Unis l'empêche souvent d'acquérir la même renommée chez elle qu'à l'étranger, Baker a combattu la ségrégation par le biais d'organisations comme l'Association nationale pour l'avancement des personnes de couleur (NAACP). L'organisation a en fait nommé le 20 mai «Josephine Baker Day» en l'honneur de ses efforts.
Joséphine Baker. Photo gracieuseté de Josephine Baker Estate.
Au cours de sa vie, on dit qu'elle a reçu environ 1 500 propositions de mariage et d'innombrables cadeaux d'admirateurs, y compris des voitures de luxe. Le jour de ses funérailles, plus de 20 000 personnes se sont rassemblées dans les rues de Paris pour assister à la procession en route vers l'église. Baker a été la première femme américaine enterrée en France avec les honneurs militaires.
Katherine Dunham (1909-2006)
Certains historiens de la danse ont nommé Katherine Dunham la femme la plus importante de la danse afro-américaine. Dunham a été l'une des premières pionnières de la danse moderne à part entière, combinant des mouvements de danse culturels et ancrés avec des éléments de ballet.
Dunham, qui est née dans l'Illinois, a commencé ses études formelles de danse à Chicago où elle s'est formée avec des pionniers du ballet moderne et contemporain tout en étudiant simultanément l'anthropologie. Dans les années 1930, elle a terminé une enquête de 10 mois sur les cultures de la danse des Caraïbes. Elle a ramené ce qu'elle avait appris en Amérique, développant une nouvelle esthétique révolutionnaire qui fusionnait les rythmes des danses culturelles avec certaines composantes du ballet.
Pendant deux décennies, des années 1940 aux années 1960, la compagnie de danse de Dunham a fait le tour du monde - des États-Unis à l’Europe en passant par l’Amérique latine, l’Asie et l’Australie. Elle a également fondé une école pour enseigner sa technique à New York.
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Honi Coles (1911-1992) et Charles «Cholly» Atkins (1913-2003)
Les interprètes Honi Coles et Charles «Cholly» Atkins sont jumelés en raison de leur contribution à la danse en tant que partenaires de claquettes de longue date. Après avoir servi pendant la Seconde Guerre mondiale, Cholly, qui avait déjà une expérience significative en tant que danseur de claquettes, a formé son partenariat le plus célèbre à ce jour avec le danseur de claquettes rythmique ultra-rapide et autodidacte, Charles «Honi» Coles.
En équipe, le duo a considérablement avancé et promu l'art des claquettes rythmiques. Ils ont tourné avec les grands groupes de Duke Ellington, Count Basie et Cab Calloway, ainsi que des courts métrages pour la télévision. La paire était bien connue pour sa routine lente de chaussures souples Prendre une chance sur l'amour . En 1965, ils ont même été présentés dans un programme CBS-TV Camera Three.
The Nicholas Brothers, intronisés au Temple de la renommée de la danse à claquettes de l'American Tap Dance Foundation. Photo gracieuseté de ATDF.
De cette notoriété, Cholly est finalement devenu chorégraphe pour Motown Records de 1965 à 1971. Il a créé un nouveau genre de danse, la chorégraphie vocale, qui lui a finalement valu la reconnaissance du National Endowment for the Arts en 1993. D'autre part, Coles a fait les choses en grand à Broadway, remportant un Tony Award en 1983 pour son rôle dans Mon seul et unique et plus tard, une médaille nationale des arts pour sa contribution à la danse.
Fayard Nicholas (1914-2006) et Harold Nicholas (1921-2000)
Mieux connus sous le nom de «The Nicholas Brothers», Fayard et Harold Nicholas ont tous deux eu des carrières uniques en tant que danseurs de claquettes et de «flash». Ils ont eu leur premier grand concert au Cotton Club en 1932, avec Fayard à 18 ans et Harold à seulement 11 ans. Après des apparitions avec de grands groupes, ils ont connu un grand succès à Hollywood.
Les Nicholas Brothers éclairent l'écran dans des films comme Millions d'enfants (1934), Descendre la voie argentine (1940), Temps orageux (1943), et Femme de Saint-Louis (1946). Ils ont même joué dans le Ziegfeld Follies de 1936 et Babes in Arms.
Avant leur retraite, Fayard a contribué à la chorégraphie de la production de 1989 de Noir et bleu et Harold a joué dans le cadre du 1982 Dames sophistiquées tournée nationale et en L'enfant de claquettes à Broadway en 1986.
Les frères ont reçu les honneurs du Kennedy Center et ont eu le documentaire The Nicholas Brothers: Nous dansons et chantons fait en leur honneur.
Une biographie sur la vie de Janet Collins a été publiée il y a quelques années par l'historienne de la danse Yael Tamar Lewin. Image reproduite avec l'aimable autorisation de la bibliothèque publique de New York.
Janet Collins (1917-2003)
Janet Collins, décédée il y a quelques années à Fort Worth, au Texas, était une précurseur des danseuses de ballet noires. Elle était l'une des très rares femmes noires à devenir un acteur majeur du ballet classique américain dans les années 1950, inspirant une génération et donnant l'espoir d'une société plus égalitaire.
Collins a commencé à danser à Los Angeles et a finalement déménagé à New York. Elle a fait ses débuts avec sa propre chorégraphie en 1949 sur un programme partagé au 92nd Street Y. Elle a été bien accueillie, louée pour sa précision technique et pointue. Après avoir joué à Broadway dans la comédie musicale Cole Porter Hors de ce monde , elle a été embauchée comme danseuse principale au Metropolitan Opera House au début des années 1950.
Tout au long de sa carrière, Collins a également dansé aux côtés de Katherine Dunham et a joué avec la compagnie Dunham dans le film musical de 1943. Temps orageux .
Elle a dansé un solo chorégraphié par Jack Cole dans le film de 1946 Le frisson du Brésil , et a même tourné avec Talley Beatty dans un numéro de boîte de nuit.
En reconnaissance de l'excellent travail de Collins, sa célèbre cousine Carmen De Lavallade a lancé la bourse Janet Collins.
Perle d'abord (1919-1994)
Si quelqu'un pouvait contester le titre de Dunham de «grande dame de la danse afro-américaine», ce serait la danseuse, chorégraphe, metteur en scène et activiste Pearl Primus. Primus est tout aussi importante, car elle est connue pour avoir facilité une appréciation et une compréhension plus profondes de la danse traditionnelle africaine.
Avec l'aide d'une subvention, Primus a passé plus d'un an en Afrique en 1948, rassemblant des matériaux et détaillant des danses tribales qui glissaient rapidement dans l'obscurité. Elle est retournée aux États-Unis et a fondé la Pearl Primus School of Primal Dance. Par son enseignement et ses performances, elle a non seulement contribué à promouvoir la danse africaine en tant que forme d'art digne d'étude et de performance, mais aussi à réfuter les mythes de la sauvagerie.
Pearl Primus. Photo gracieuseté des archives de Barbara Morgan.
En plus de nombreuses autres réalisations, elle devient directrice du Centre africain des arts du spectacle au Libéria en 1961, la première organisation du genre sur le continent africain.
Alvin Ailey (1931-1989) / Théâtre de danse américain Alvin Ailey (1958-maintenant)
Alvin Ailey a d'abord été initié à la danse à Los Angeles par des performances du Ballet Russe de Monte Carlo et de la Katherine Dunham Dance Company. Il a commencé sa formation de danse formelle par une introduction aux cours de Lester Horton. Horton, le fondateur de l'une des premières compagnies de danse à intégration raciale du pays, est devenu un mentor pour Ailey alors qu'il entamait sa carrière professionnelle.
Après la mort de Horton en 1953, Ailey est devenu directeur du Lester Horton Dance Theatre et a commencé à chorégraphier ses propres œuvres.
En 1958, il fonde Alvin Ailey American Dance Theatre, maintenant une compagnie de danse de renommée internationale et de classe mondiale. Il a fondé le Alvin Ailey American Dance Center (maintenant The Ailey School) en 1969 et a formé le Alvin Ailey Repertory Ensemble (maintenant Ailey II) en 1974.
En plus de son énorme contribution à l'avancement de la danse moderne, Ailey a été un pionnier des programmes de promotion des arts dans l'éducation, en particulier ceux qui profitent aux communautés mal desservies.
Théâtre de danse des danseurs de Harlem Virginia Johnson et Roman Brooks dans «Rhythmetron» d'Arthur Mitchell. Photo de Martha Swope, gracieuseté de Dance Theatre of Harlem Archives.
Théâtre de danse de Harlem (1969-maintenant)
Fondé en 1969 peu de temps après l'assassinat de Martin Luther King, Jr., le Dance Theatre de Harlem a été dirigé par le premier danseur noir du New York City Ballet, l'ancien principal Arthur Mitchell. Le Dance Theatre de Harlem, connu comme la plus ancienne compagnie classique noire en existence continue, a permis et encouragé plus de danseurs de ballet noirs à danser professionnellement.
À l'origine, le répertoire était d'orientation néoclassique avec plusieurs ballets de George Balanchine. Dans les années 1980, des œuvres plus contemporaines et des classiques ont été ajoutés. La compagnie a également présenté diverses œuvres de chorégraphes noirs, dont Geoffrey Holder, Louis Johnson, Alvin Ailey, Alonzo King, Robert Garland, ainsi que Mitchell lui-même.
terry beeman
Avec beaucoup de ses danseurs qui se produisent avec de plus grandes compagnies nationales, le Dance Theatre de Harlem a joué un rôle déterminant dans l'abaissement de la barre de couleur dans le ballet. L’école de la société, que Mitchell dirigeait initialement avec Shook, est devenue une force internationale ainsi qu’une institution majeure de Harlem.
* Veuillez noter: il existe de nombreux autres danseurs et compagnies noirs remarquables et historiques qui ont eu un impact sur la danse américaine. Ceci n'est qu'une liste partielle.
Photo (en haut): Alvin Ailey. Photo de David Moore.
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Sources:
Coalition du patrimoine de la danse. «Les trésors irremplaçables de la danse aux États-Unis.» www.danceheritage.org/treasures.html.
American Tap Dance Foundation. «Tap Dance Hall of Fame - Bill‘ Bojangles ’Robinson.» atdf.org/awards/bojangles.html
Site officiel de Joséphine Baker. 'Biographie.' www.cmgww.com.
'Janet Collins, 86 Ballerina était la première artiste noire au Met Opera.' Dunning, Jennifer. New York Times. 31 mai 2003. www.nytimes.com.
Théâtre de danse américain Alvin Ailey. «L'héritage Ailey.» www.alvinailey.org.
Théâtre de danse de Harlem. 'Qui nous sommes.' www.dancetheatreofharlem.org.
