L'Attente d'Amy Foley. Photo de Mickey West Photography. Théâtre de danse de l'Université de Boston, Boston, Massachusetts.
25 janvier 2020.
Concept - il peut distinguer l'art de la danse du mouvement, le rendre pertinent et le rendre vraiment «frappé» par les membres du public. Onstage Dance Company de Malden, MA, une maison accueillante pour les professionnels occupés qui veulent continuer à danser après leurs journées de danse en studio et à l'université, présente toujours des spectacles bien faits et amusants. Pourtant, dans la performance de la saison 18 de la compagnie, la présence de concepts particulièrement poignants et mémorables m’a marqué. Cela m'a rappelé à quel point un concept inventif ou significatif, développé avec dévouement et soin, peut vraiment être puissant.
La toute première pièce, Michelle Block's À l'envers , a commencé cette tendance de concepts sophistiqués et agréables. Les danseurs ont commencé en silhouette, éclairés par derrière, en deux lignes. Les lumières sont apparues pour révéler beaucoup plus de couleurs, de robes vertes et violettes avec une palette de couleurs d'éclairage assortie.
Block a appelé à avoir ces deux groupes de couleurs de manière esthétiquement fascinante, comme l'association d'un danseur portant une couleur et d'un autre danseur portant l'autre, entrelacement et alternance de danseurs portant les deux couleurs et les divisant sur les côtés de la scène. C'était un concept sans nom, mais clairement visible dans l'œuvre. Un autre a en fait été nommé, dans le titre, les danseurs se sont physiquement inversés et les uns les autres en partenariat. Ces deux concepts jouaient de manière convaincante sur la dualité - vers le haut ou vers le bas, d'une couleur ou d'une autre.
Bien que ces binaires soient clairs, ce qui a également piqué mon intérêt, ce sont les espaces et les moments dans lesquels nous avons vu des nuances de gris entre les deux extrémités du spectre - à mi-chemin à l'envers, le corps parallèle au sol, ou lorsque les couleurs étaient mélangées à l'intérieur. un groupe. Les danseurs ont tout exécuté avec engagement et maîtrise technique. Visuellement et mentalement, il y avait tellement de choses à mâcher. À part ça, c'était juste agréable à prendre.
Teresa Fardella Disparu en mer est venu ensuite. Cela apportait une sensation différente - plus sombre, plus mystérieuse, plus réfléchissante. Une partition de piano avec des voix séduisantes a commencé à instiller cette atmosphère, et des robes blanc cassé - offrant la sensation d'un état vide - l'ont encore renforcée. L'éclairage était faible mais est devenu plus brillant au fur et à mesure que la pièce progressait. De même, le mouvement s'est un peu accéléré et est devenu plus léger en énergie au fur et à mesure que la pièce avançait. De petits sauts et de plus grands sauts ont ajouté une sensation de vol à cette augmentation d'énergie.
Un autre développement a été que les danseurs sont entrés dans des robes noires - apportant un contraste de deux groupes distincts, comme la pièce de Block. Dans cette pièce, ce choix a servi à renforcer un sentiment de recherche, de recherche d'un contraire, de quelque chose d'extérieur au connu. En plus de cela, il y avait de fréquents déplacements vers d'autres niveaux de l'espace et des lieux dans l'espace (l'espace scénique qui est). De la façon dont les danseurs racontaient - tournoyant, esquivant, venant vers mais assurément loin - j'ai pensé à ce «perdu en mer» comme une séparation de la vraie connexion humaine, perdue dans la mer turbulente de la vie.
Il faudrait de la clarté et de l'intention dans le mouvement pour que le mouvement stimule une telle interprétation, et les interprètes la livrent. Un style ballétique / lyrique a ajouté une grâce et un formalisme qui ont adouci le bord de tout cela. Pour terminer, les danseurs se sont arrêtés et ont semblé, pour la première fois, se voir vraiment. Ont-ils été retrouvés? Ce serait aux membres du public de décider eux-mêmes. C'est une chose merveilleuse pour laquelle l'art peut contenir de l'espace.
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La clôture de l’acte était celle de Jennifer Kuhnberg Ange par les ailes . Chaque partie de celui-ci a fait avancer le concept de guider les anges dans nos vies. Pour commencer, la scène était rétro-éclairée pour créer un effet de silhouette. Les cordes à linge drapées de vêtements blancs créaient l'image d'ailes d'ange, et les danseurs avaient formé un tableau juste en dessous. Des lumières se sont levées pour révéler les danseurs entièrement éclairés, dans des costumes gracieusement fluides et blancs. L'éclairage a créé des ombres éthérées. Au fur et à mesure de la progression de la pièce, un sentiment d'harmonie est devenu clair - même à travers diverses formations et manières de danseurs en relation les uns avec les autres (à canon, à l'unisson, dans leur propre mouvement).
Le partenariat, dans une qualité contemporaine adoucie et libérée, a apporté un sentiment de soutien. Les danseurs ont roulé sur la hanche d'un partenaire pour atterrir dans des fentes profondes et ancrées ou pour changer leur élan en virage. Il y avait beaucoup d'activités sur scène, mais tout était très organisé visuellement - pour être accessible, convaincant et agréable. Ces qualités ont continué jusqu'à la fin - les danseurs créant un tableau de niveaux et de formes variés, une forme d'aile éclairée derrière eux. Il y avait certainement quelque chose d'un autre monde et de majestueux dans tout cela, quelque chose qui m'a fait me sentir plus apaisé et paisible rien qu'en en faisant l'expérience.
Willow Gertz La rose finale a ouvert le deuxième acte. Des images curvilignes reliées aux fleurs et une palette de couleurs rouge / rose rendaient tout cela plus clair. Un mouvement fort avec une grâce claire imitait la beauté d'une rose qui a néanmoins des éléments d'épines protectrices comme un motif d'un bras en cercle a apporté la douceur, et des formations fortement géométriques ont apporté la force. Les danseurs se sont connectés en forme de chaîne, serpentant à travers la scène, mais se sont ensuite déplacés en diagonale. Ils se tenaient les mains dans le dos, marchant dans une qualité liée, jusqu'à ce qu'ils se déplacent dans une qualité fondante. Les danseurs ont fait ressortir ces qualités de manière claire et convaincante. Ce contraste de force et de douceur, emblématique d'une rose - dans le vocabulaire du mouvement, la qualité du mouvement et les formations - a donné vie à un concept intrigant et à une pépite tout simplement agréable de l'art de la danse.
Plus tard dans la loi est venu un autre travail de Kuhnberg, Jeu de survie . Une atmosphère de nature sauvage, et toute la nervosité dangereuse qui s'y trouvait, était claire et intrigante dès le début de la pièce. Les danseurs ont formé des lignes et ont ensuite dansé dedans, de grands bâtons ajoutant un élément d'ancrage ainsi qu'une ancre auditive (ils ont cogné les accessoires sur la scène à l'unisson, attirant l'attention et contribuant à l'atmosphère). La nature sauvage était claire dans l'éclairage vert et jaune, les coupes déchiquetées de costumes de couleurs similaires et le mouvement accidenté.
Les paroles «le jeu de la survie» ont sonné à travers le théâtre, et tout s'est réuni pour moi. Différents groupes d'entre eux se déplaçaient de manière à me demander qui était chasseur et qui était la proie - tournoyant, se précipitant, plongeant au-dessus et au-dessous. Le vocabulaire des mouvements de Kuhnberg est devenu aussi audacieux et tenace que la nature sauvage qu’elle représentait, les danseurs glissaient sur une hanche, roulaient sur les épaules d’autres danseurs et sautaient par-dessus d’autres danseurs allongés sur la scène.
La fin m'a surtout captivé, mais les danseurs ont frappé les bâtons à l'unisson parfait et les lumières se sont éteintes - un appel alléchant pour se demander ce qui pourrait venir ensuite, au-delà des limites de la pièce dans le monde imaginaire qu'elle avait construit, et simplement un vrai attirer les sens. Construire intelligemment un concept à travers une œuvre d'art de la danse peut avoir un tel effet, et Onstage Dance Company a fait l'éloge de sa performance de la saison 18.
Par Kathryn Boland de La danse informe.
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