Commentaires | Avril 2024

Sara Mearns de NYCB dans Justin Peck's 'Thank You, New York'. Photo par Erin Baiano.

27-31 octobre 2020.
Streaming en ligne, filmé au Lincoln Center Plaza et sur d'autres sites de New York.

Lincoln Center: il y a une magie qui plane dans l'air, au-dessus des fontaines qui coulent et des piscines reflétant les bâtiments somptueux et somptueux derrière eux. En tant qu'amateur passionné de danse, j'aime à penser que les spectacles qui se déroulent dans ces bâtiments - sans doute, l'apogée de la danse et d'autres arts de la scène dans le pays, et peut-être même dans le monde - remuent et font circuler cette magie. Zoom arrière du Columbus Circle de Manhattan pendant un moment: à l'exception de la danse spécifique au site, la forme d'art ne concerne pas autant l'espace dans lequel elle est dansée que le mouvement, d'autres éléments esthétiques (costume, éclairage et musique) et comment ces médias se réunissent.

Pourtant, il y a une magie dans un espace de théâtre à l'intérieur et à l'extérieur du bâtiment, on peut ressentir un bourdonnement énergétique des performances passées et futures. Le New York City Ballet (NYCB) ne peut actuellement pas danser au Lincoln Center en raison du COVID-19. Cependant, à travers le New Works Festival de la saison numérique automne 2020, la société a exploré et honoré la magie de cet espace - et au-delà, de la ville de New York dans son ensemble.

Mira Nadon de NYCB dans «Pixelation in a wave (Within Wires)» de Sidra Bell. Photo par Erin Baiano.

Cidre Bell S pixellisation dans une vague (dans les fils) avait un mouvement hautement architectural: des formes parfois anguleuses, parfois multi-linéaires en pause, en rythme staccato. Ces formes posturales étaient claires et résonnantes. Les danseurs ont réussi à les traverser, plutôt que de laisser leur mouvement devenir statique dans les formes - de manière impressionnante. La musique, composée par le père de Bell, Dennis Bell, avait une suspension dans les notes qui soutenaient ces qualités de mouvement. Les costumes en noir et blanc avaient des coupes et des formes intrigantes, offrant une intrigue esthétique et soutenant également ces qualités de mouvement.

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En réfléchissant à cette qualité, j'ai pensé au titre très poétique «pixellisation en vague», une vague coule, mais comme un pixel dans une image numérique, ses gouttes d'eau individuelles sont distinctes. Les corps des danseurs semblaient refléter l'architecture du Lincoln Center Plaza tout autour d'eux, incarnant l'inanimé pour le rendre animé. Cela m'a amené à me demander, sans les gens, que reste-t-il d'une ville? Alors que les gens restent à l'intérieur grâce à COVID, que reste-t-il pour le dynamiser et le caractériser?

Dans ce ton, la partition avait une qualité lugubre, comme dans sa suspension de notes. Alors que les danseurs s'éloignaient dans l'espace (à part une paire de partenaires, que je supposais être sans danger pour le COVID grâce à ces danseurs vivant déjà ensemble ou à des tests rapides), j'ai pensé à passer devant de grands bâtiments où des événements grandioses se sont produits, et à ressentir une tristesse Ce faisant. Danser à l'extérieur du bâtiment semblait symboliser cette condition à sa manière, mais en même temps une résilience si nous ne pouvons pas danser sur scène devant un public, tous dans l'espace ensemble, alors nous danserons toujours à l'extérieur. Rien ne peut nous empêcher de bouger.

Russell Janzen de NYCB dans «Solo for Russell / Sites 1-5» de Pam Tanowitz. Photo de Jon Chema.

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Pam Tanowitz a chorégraphié un solo pour le principal de NYCB Russell Janzen pour le New Works Festival, Solo pour Russell - Sites 1-5 . Il dansait parfois dans un costume blanc avec une banderole bleue et jaune, et parfois avec des échauffements par-dessus - un design abstrait et très architectural, tout comme une grande partie du mouvement. Lorsqu'elles n'étaient pas abstraites et architecturales, elles étaient en grande partie piétonnières: de simples pas, des gestes et des regards. À ces moments-là, je pensais à un seul humain dans un grand espace, des structures hautes et expansives qui le dominaient.

J'ai pensé à la petitesse des humains dans la grandeur de l'univers, même avec tout le potentiel et la portée mentaux et émotionnels que nous contenons. Les éléments pratiques et humains bruts se sont également manifestés dans la façon dont Janzen a amené Marley dans l'espace avec lui - la vue des «coulisses», pour ainsi dire. Cette qualité très humaine était également présente lorsqu'il étendait une jambe en arrière en arabesque ou la repliait en s'allongeant vers l'avant - mais quand il dansait quelque chose de plus technique, la présence du danseur incarnant son métier prenait une énergie nouvelle.

Voir Janzen en échauffement puis en costume complet, dans des cadres différents et délibérément édité pour se sentir délimité (c'était comme si), ressemblait à une séparation philosophique du danseur et de la danse, de l'art et de l'artiste. Mon esprit pourrait le mâcher pendant des siècles! Des plans rapprochés des pieds, des jambes et des expressions faciales de Janzen ont ajouté une intrigue visuelle à cet intérêt intellectuel.

New York City Ballet dans la «nouvelle chanson» d’Andrea Miller. Photo de Jon Chema.

Andrea Miller nouvelle chanson a été la plus agréable à vivre pour moi en tant que spectateur jusqu'à présent dans le festival. Le mouvement avait une virtuosité, une arabesque en plein essor comme l’aile d’un oiseau qui se brisait en arrière, se courbait et tournait sans le moindre moment d’instabilité ou de tension, ma mâchoire tombait véritablement. Pourtant, il y avait aussi une souplesse et une facilité, une liberté de mouvement dans la colonne vertébrale et les hanches, s'alignant magnifiquement avec la musique latine et les inflexions des costumes - comme les rouges et les noirs, les cols hauts, les coupes longues et moulantes. L'architecture de l'espace avait également un joli parallèle avec le mouvement - l'architecture du corps dans la technique solide comme le roc et virtuose ainsi que dans les formations de formes de diamant, de rectangles et de cercles. Dans ce cas, le besoin de sécurité de rester éloigné a peut-être contribué à une architecture étonnante et mémorable des humains dans l'espace.

Des sections de danseurs se déplaçant dans l'eau étaient également prémonitoires - capables de se rincer et de pourvoir à toute vie sur terre. Combiné au sens nostalgique et résilient de la partition, le travail de Miller est arrivé à quelque chose d’élémental sur le fait d’être humain. Même lorsque nous ne sommes pas en contact physique, nous sommes ensemble dans une architecture d'espace et d'énergie. En dehors de cela, le travail était esthétiquement captivant. Cela m'a attiré tout le corps, l'esprit, le cœur et l'esprit.

Victor Abreu de NYCB dans «Water Rite» de Jamar Roberts. Photo par Erin Baiano.

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In Jamar Roberts » Rite de l'eau Le danseur du Corps de Ballet de la NYCB Victor Abreu a évolué dans un plan d’eau, comme dans l’œuvre de Miller (créée la veille). La musique était staccato avec une force motrice dramatique, et le mouvement d’Abreu a emboîté le pas - anguleux, staccato et rapide.

La qualité de mouvement d’Abreu, avec un sens agréable de la ligne et de la portance, mais aussi une liberté contemporaine à travers les articulations et une facilité à se déplacer à travers une variété de gestes et de formes, m’a captivé. La liberté et la qualité élémentaire humaine de la danse dans l'eau, les ondulations et les mouvements après et autour d'Abreu, m'ont également emmené directement. Il a tendu un bras de haut en bas en marchant dans l'eau, l'a plongé dans et après un battement a frappé ce bras en arrière faire sensation. Quelques chefs d'accusation plus tard, il se retournait, se précipitait puis se roulait dans sa colonne vertébrale. J'étais complètement absorbé par tout cela.

Peut-être la partie la plus fascinante de l'œuvre était la caméra panoramique à la fin et le plan avec les musiciens, avec leurs instruments, directement dans l'eau. C'était frappant de se rendre compte qu'ils étaient là depuis le début, et cela a ouvert un élément de création de l'œuvre en nous montrant les personnes qui ont créé cet élément. On peut soutenir que plus nous voyons et apprenons comment une œuvre est créée, plus nous pouvons la comprendre et l'apprécier.

Taylor Stanley de NYCB dans «Thank You, New York» de Justin Peck. Photo de Jody Lee Lipes.

La dernière œuvre du festival était celle de Justin Peck Merci, New York . Cela a commencé avec des danseurs regardant des scènes de la ville, partageant ce que cela signifie pour eux. Leurs vêtements étaient des piétons, et j’avais l’impression d’être en contact avec l’humanité brute de ces danseurs - du moins une partie de celle-ci. Puis ils ont dansé - dans un parc, dans un entrepôt, dans une ruelle, sur un toit, chacun en solo dans son propre espace. Ils se sont déplacés rapidement, donnant un nouveau sens à l'allegro.

La vitesse véhiculait une passion profonde - la passion profonde de ces danseurs pour la ville et le travail de danse qu’ils y font. Il avait la qualité de danser seul dans une chambre (comme beaucoup d'entre nous le faisaient à l'adolescence), mais ceux qui dansaient étaient le summum de la virtuosité et de l'art du ballet. Les lieux offraient également une grande partie de la beauté unique de New York - des couchers de soleil infiniment vastes aux ruelles et entrepôts colorés et graveleux.

«Merci, New York, puis-je avoir une autre danse avec toi», a chanté le chanteur de la partition pop. C'était comme si ces mots venaient directement du cœur de ces danseurs. Merci, NYCB, d'avoir changé de cap afin que le public puisse découvrir de nouvelles œuvres d'artistes de danse de premier ordre. Merci d'avoir rencontré le moment, d'avoir permis à cette forme d'art d'être vraiment en constante évolution. Merci aux espaces dans lesquels nous dansons, pour nous retenir et pour notre énergie. Nous ne pourrions pas le faire sans vous.

Par Kathryn Boland de La danse informe.