Molly Hess. Photo gracieuseté de Hess. Créativité - c'est certainement un mot chargé, avec de nombreuses significations possibles. De nombreux secteurs du monde moderne ont commencé à comprendre son rôle essentiel dans l'innovation et la progression d'une mission - s'étendant ainsi au-delà des arts. Dans les arts eux-mêmes, les forces de la concurrence négative et des ressources limitées peuvent entraver la créativité ouverte qui est si nécessaire pour faire avancer l'art.
La danse n’est certainement pas à l’abri, en tant que forme d’art qui est sans doute la moins comprise et soutenue par la culture moderne au sens large. La danse se développe et prospère (ou échoue à le faire) dans les communautés et les cultures des studios de danse, des collectifs, des espaces de spectacle, etc.
Comment créer et maintenir des cultures créatives? Pourquoi est-ce important en premier lieu? Pour sonder ces questions,Dance Informas'est entretenu avec Peter DiMuro (directeur exécutif du Dance Complex, Cambridge, MA, et chorégraphe résident au musée Isabella Stewart Gardner, Boston, MA), Molly Hess (directrice de la programmation et de l'éducation aux Green Street Studios, Cambridge, MA) et Julia Amaral (artiste enseignant au Center Stage Dance Studio, Plymouth, MA).
Peter DiMuro.
Afin d'aider quelque chose à grandir et à prospérer, il est utile d'avoir une compréhension nuancée de ce que c'est. Et alors est la créativité? DiMuro pense que c'est quelque chose qui doit être éclairé, plutôt qu'enseigné. Ce qui l'intéresse le plus, c'est la créativité pour surmonter les contraintes. 'Quand dans la vie n'avez-vous pas de contraintes?' demande-t-il rhétoriquement.
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Hess voit la créativité comme un processus lié à «la curiosité et le jeu… .souvent, en commençant par un« et si », puis en prenant la pensée / la question / l'image, quelle qu'elle soit, et en trouvant un moyen de la manifester en quelque chose de le monde, par n’importe quel moyen. En ce qui concerne plus spécifiquement la danse, pour Amaral, la créativité est «la capacité de prendre des pensées, des idées et des sentiments abstraits / subconscients et de les transformer en mouvements tangibles».
DiMuro croit qu'une culture créative est ouverte à la résolution créative de problèmes. À titre d'exemple, il fait référence à ce qui s'est passé dans le monde de la danse en 2008 - de nombreuses compagnies ont fait faillite, et cela «a forcé [le monde de la danse] à créer de nouveaux modèles». La créativité passe également par le fait de rester à l'écoute des nuances de notre narration - quoi, à qui et quand. «Nous devrions considérer tout cela comme un écosystème», affirme DiMuro.
Dans cet écosystème, nous soutenons et valorisons les contributions d'une variété de créateurs, et pas seulement ceux que nous «mettons traditionnellement sur piédestal», explique-t-il. DiMuro fait référence à des recherches démontrant que l'application des ressources artistiques allouées aux organisations locales et aux artistes individuels peut contribuer au bien-être de l'écosystème artistique au sens large. Il cite Conseil culturel de masse en tant qu'organisation qui fait bien cela.
Molly Hess. Photo gracieuseté de Hess.
Hess pense que les gens «se présentant» autant que possible, «avec un esprit ouvert et une curiosité sincère», contribuent à favoriser les cultures créatives. Elle explique comment, lorsqu'elle regarde des performances ou suit des cours, elle veut que les artistes «réussissent bien, et j'essaie de comprendre d'où ils viennent et d'essayer d'aller». Elle ajoute que 'cela ne veut pas dire que je dois l'aimer, mais je vais pouvoir voir ce qui fonctionne à l'intérieur.' Cela rejoint le point de DiMuro de faire de la place pour une diversité de créateurs, de créations et de façons de créer.
Hess continue avec la façon dont elle admire et respecte les cultures créatives avec lesquelles elle s'est engagée dans lesquelles «on ne s'attendait pas à ce que mes progrès soient linéaires ou à ce que mon travail artistique ait le même aspect que les autres… [là où] ils valorisent la rigueur et jouent presque également, et où nous sommes tous là pour donner ce que nous pouvons donner et recevoir toutes les connaissances que nous pouvons. »
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Dans cet esprit d'accueil, elle cite des programmes qui soutiennent la croissance de la culture créative parce qu'ils «invitent tout le monde à montrer le travail et encouragent le public à aborder le visionnement avec un esprit ouvert». Ils sont également «gratuits ou très bon marché, ils sont donc aussi un bon endroit pour prendre une heure, prendre un risque et voir quelque chose que vous ne verriez peut-être pas autrement», dit-elle.
Amaral croit que «danser d'abord et avant tout pour nous , et pour l'amour pur de celui-ci »contribue à des cultures de danse créatives saines. Travailler dur sur la technique, mais ne pas en faire la «fin-pour-tout-être-tout» fait partie de cet esprit de faire-le-pour-l'amour-de-le-faire. Décrivant le studio où elle a grandi en dansant, qui, selon elle, a cette attitude, elle partage comment «on nous a appris que la danse [est] une question de passion et d'expression de soi et peut être utilisée comme un exutoire pour tout dans la vie. Nos routines de compétition auraient pu facilement être mises dans des spectacles de danse de concert, car nous n'avons jamais essayé de nous assimiler à d'autres studios. La créativité et les concepts ont toujours été prioritaires. »
Tout cela considéré, qu'est-ce qui n'est pas aussi sain pour les cultures créatives? Hess pense qu'être secret, fermé aux autres artistes et se concentrer sur les différences plutôt que sur un terrain d'entente n'est pas bon pour les cultures créatives. DiMuro souligne Le climat sociopolitique actuel des États-Unis aussi étouffant à la créativité. Amaral pense que «le doute et la conscience de soi» étouffent énormément la créativité.
Julia Amaral. Photo par Emily Santangelo.
«Dès que vous doutez de votre travail ou que vous vous inquiétez de la façon dont il sera perçu, la créativité prend du recul, [parce que] vous commencerez instinctivement à chorégraphier des choses sûres que vous savez que les gens acceptent déjà», affirme-t-elle, ajoutant que vous pouvez «ne vous exposez pas si vous doutez de votre travail.» Ceci réfléchi, les artistes enseignants, les administrateurs et les autres personnes en position de pouvoir dans les communautés créatives devraient faire ce qu'ils peuvent pour renforcer la confiance des artistes et leur sens de soi, plutôt que de briser ces choses en eux de quelque manière que ce soit.
Amaral croit que tout cela est vrai dans toutes les formes d'art, et pas seulement dans la danse. «Peu importe le type d'art ou de médium, pour moi, la créativité est vraiment une question de sens aigu de soi. Lorsque vous ne vous souciez vraiment pas de ce que les autres pensent, alors vous pouvez être votre moi le plus authentique et le plus créatif. Et c’est une sensation formidable! » elle déclare.
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Hess pense cependant que c’est un peu plus difficile pour les artistes de la danse.Étant également impliquée dans le monde de la musique rock, elle peut dire que les danseurs et les chorégraphes ont besoin d'espace pour les répétitions et les performances dont les autres artistes n'ont pas nécessairement besoin. De plus, les artistes de danse ne peuvent pas simplement se produire dans un bar comme le peuvent les musiciens de rock. D'une manière générale, les artistes de la danse ont une gamme un peu plus limitée de contextes de performance faciles et rentables.
Il est indéniable que l’écosystème de la danse présente des défis appréciables. Cette approche réfléchie, inventive et ouverte d’esprit - en plus de nourrir la voix créative des acteurs individuels au sein des cultures distinctes de l’écosystème de la danse - peut maintenir la créativité de ces cultures et de l’écosystème dans son ensemble bien vivants. En avant, nous dansons!
Par Kathryn Boland de La danse informe.
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