danse mignolo. Photo par Andrew J. Mauney. Dixon Place, New York, État de New York.
23 août 2019.
Une portée véhiculant le désir et la perte, une chute au sol véhiculant le désespoir et le désespoir, la danse peut montrer un sens comme aucune autre forme d'art ne le peut. C'est-à-dire, directement à travers un ou plusieurs corps en mouvement dans l'espace. Démontrer clairement le contenu à travers le corps seul n'est pas une mince affaire. En fait, cela peut prendre des années à apprendre par essais et erreurs, à connaître la nature de sa voix créative authentique et à faire appel à un système d’assistance fiable.
La projection, le texte, la musique et d'autres éléments créatifs peuvent soutenir cette transmission de sens à travers le corps. Ces intersections du mouvement et d'autres médias artistiques peuvent être fascinantes et agréables en elles-mêmes. Pourtant, le sens qui ne vient que du corps est quelque chose qui lui est entièrement propre. En conversation avec des amis et des chorégraphes après le récent projet de loi divisé présenté par le projet de danse inclinée de Kristen Klein, ENQUÊTE , J'ai profondément réfléchi à ces questions. Un spectacle comme celui-ci pourrait y arriver.
kamrDance's Tout est pris en charge, chorégraphié par Alexis Robbins, a ouvert le spectacle. L'œuvre, dansée par Robbins et avec des paroles de Sarah Robbins, était un mélange frappant de discours et de mouvement. Avant que les lumières ne s’allument, nous avons entendu une femme dans le public parler de la fin de la vie d’une autre femme. Alors que les lumières s'allumaient sur elle, ils montèrent également sur une danseuse sur scène, marchant lentement en arrière. Alors que la voix de l'orateur commençait à monter, le danseur se tourna vers l'avant, glissa un bras et se leva en relevé - un changement qui attirait l'attention. Au fur et à mesure que l’intensité du contenu parlé augmentait et que la qualité de la voix de l’orateur augmentait, la danse augmenta également. Sarah a parlé poétiquement de l'épuisement auquel les femmes sont confrontées, quelque chose qui les conduit même à une mort antérieure.
kamrDance. Photo par Andrew J. Mauney.
Alexis a trouvé des rythmes et des intensités différents dans sa danse, continuant à apporter quelque chose de frais et d'inattendu. Sarah a continué à approfondir l'idée des exigences de toute une vie liées au fait d'être une femme, qu'Alexis a continué à faire avancer avec puissance mais aussi une grâce douce. Parfois, la synchronisation du mouvement et de la parole s'alignait, et parfois non. Cet écart a apporté plus d'inattendus qui m'ont obligé. Vers la fin des travaux, Alexis est monté sur un échafaudage et - pour la première fois - a également pris la parole. La scène était nue. C'était comme un espace ouvert pour nous, les membres du public, pour réfléchir au contenu et à la signification plus large de ce que nous venions de voir et d'entendre. Réfléchissez à ce que mon esprit a couru. Mon corps s'est senti touché et capturé par la puissance de ce que je venais de voir.
Vint ensuite les principes de: partie 6 , une œuvre mémorable de Lauren Beirne Dance Works et chorégraphiée par Lauren Beirne. Le mouvement brut, les costumes évocateurs et la voix off poignante ont démontré le pouvoir des femmes d'être vulnérables et de se dévoiler. La voix off a décrit pour la première fois le fait de se maquiller, une petite amie peu sûre d'elle demandant à un autre significatif: «Pensez-vous que je suis jolie?», Et d'autres illustrations évocatrices de pressions pour se conformer aux normes de beauté de la société. Parallèlement à cette voix off, les danseurs ont parfois dansé seuls et parfois liés - contentieux, en soutien ou en harmonie à l'unisson. Cela semblait englober la façon dont les femmes interagissent généralement entre elles.
Lauren Beirne Dance. Photo par Andrew J. Mauney.
Pour terminer, tous les danseurs se tenaient en diagonale, faisant face aux coulisses à droite et se tenant la main pendant qu'une danseuse éclatait en solo - féroce, indépendante, mais aussi émouvante comme quelque chose d'autre la bougeait. Elle a rejoint le groupe et les lumières se sont éteintes sur tout le groupe. J'ai vécu cette fin comme une illustration percutante du pouvoir des femmes unies.
Êtes-vous ou êtes-vous? , chorégraphié par Alexis Robbins en collaboration avec Luiza Karnas, est venu avant l'entracte. C'était un autre mélange intrigant de discours et de mouvement - dans ce travail, des claquettes, de la danse contemporaine et un peu de théâtre physique. Des lumières se sont allumées sur un ensemble de boîtes, empilées deux par deux. Deux paires de doigts ont commencé à ramper comme des araignées sur la boîte. Les mains ont alors commencé à faire des battements, suivis de claquettes (contrôlées par les mêmes mains) faisant la même chose. Le timing et la qualité de ces actions étaient assez comiques et le public a ri.
Des lumières se sont allumées sur la scène et nous avons finalement vu deux danseurs complets, qui se sont déplacés vers les planches à claquettes. Ils ont exploité le vocabulaire classique des claquettes, mais aussi la libération et la pondération de la danse moderne. Ils ont prononcé des phrases significatives sur l'identité telles que «Suis-je un danseur de claquettes ou est-ce que je danse des claquettes?», «La lourdeur de savoir qui vous êtes» et «Le fait de ne pas savoir vous pèse-t-il?».
Bien que je n’ai pas vu le lien entre ce thème et le mouvement (à part cette qualité pondérée dans le mouvement relative à cette idée de lourdeur et d’alourdissement), les deux étaient individuellement satisfaisants de différentes manières. La fin a frappé un peu plus une corde avec moi un danseur a dit: «C'est vrai», répondant à la question «Ne pas savoir vous alourdit?». Quelque chose dans la façon dont elle a dit cela a laissé une marge de réflexion et de croissance. Le travail m'a laissé matière à réflexion et l'amateur de mouvement en moi s'est épanoui.
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danse mignolo. Photo par Andrew J. Mauney.
Les sœurs Santagado de la danse mignolo, deux des quatre chorégraphes présentées au programme, ont également offert un travail mémorable. Charly Santagado Le paradoxe de la traductibilité était une autre œuvre de mouvement mise en texte. Le mouvement en lui-même était inventif et plaisant. Mots poignants, mouvement frappant - j'étais globalement satisfait. Eriel Santagado Etude de traduction n ° 3 avait la danse contemporaine sur la partition du titre. C'était une interprétation esthétiquement frappante de la musique en mouvement que l'on ne lui associerait normalement pas. Sa facilité, de la souplesse de la colonne vertébrale à la ligne de ses extensions, m'a attiré et m'a impressionné.
Projet de danse inclinée pensée de groupe était un travail de clôture stellaire, une vedette dans le spectacle. Il a réussi à transmettre du sens principalement à travers le mouvement lui-même, ce qui n’est pas une mince affaire. Passage entre les solos à la chorégraphie en partenariat et au travail de groupe pensé de manière réfléchie, vers la transmission de la description du travail par le programme - «lorsque le conflit, la prise de décision, la conformité et la dynamique de groupe affectent la créativité individuelle et la pensée indépendante.»
La structure du groupe, en accord et en opposition avec le mouvement d'un danseur solo, a renforcé cette idée. Par exemple, un groupe dansait à l'unisson, réparti sur la scène, tandis qu'un soliste se déplaçait parmi eux dansant un vocabulaire différent. Bientôt, elle rejoint le groupe, cependant, il se rapproche et elle n'a plus de place pour bouger de manière indépendante. La même chose s'est reproduite avec un autre danseur. C'était plus qu'un simple événement. Il se produisait également à certains moments un effet «en groupe, hors groupe» de différents groupes formant et dansant certaines phrases de mouvement tandis que d'autres groupes dansaient d'autres. Ces événements illustrent comment, qu'ils soient nés de l'inclusion ou de l'exclusion, des groupes de personnes se formeront au sein de groupes plus larges de personnes.
Projet de danse inclinée. Photo par Andrew J. Mauney.
Les costumes et l'éclairage étaient simples, mais visuellement attrayants. Ils ont permis de se concentrer sur le vocabulaire du mouvement habilement construit et la structuration de l'image de la scène (comme dans les formations et comment elles sont passées de l'une à l'autre). Il y avait un chaos organisé dans tout cela, tout comme dans une communauté - pleine d'individus autonomes qui doivent néanmoins se conformer à un certain niveau.
Des mouvements tels que des plis profonds avec les genoux sur le côté (grand plié à la seconde dans le discours de ballet), de longs fentes et des avant-bras parallèles faisant saillie vers l'avant du torse transmettaient force, assertivité et conviction chez chacun de ces individus - vivant malgré les pressions du plus grand grouper. Ou peut-être que ces choses sont restées vivantes à cause de ces pressions? Qu'il s'agisse de poulet ou d'œuf, c'est une matière à réflexion convaincante.
Klein et son entreprise ont réalisé la traduction de ce thème de la conformité et de la non-conformité, le groupe et l'individu - le tout sans voix off, paroles, paroles ou quoi que ce soit de semblable. Les œuvres antérieures dans la pièce l'ont fait avec des degrés divers d'efficacité et d'originalité, mais dans l'ensemble de manière louable. Uniquement par le mouvement, cependant, c’est un tout autre jeu de balle. Dans un monde qui sous-estime et sous-utilise constamment la puissance du mouvement du corps humain, c’est vraiment une chose spéciale.
Par Kathryn Boland de La danse informe.
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