18 Spectacles sur 3 semaines des artistes les plus incroyables de LA.
Par Alex Little.
C'est au printemps dernier que Dee Caspary a publié un événement intitulé «The Nvitational» sur son mur Facebook. Je savais qu’un événement créé par Dee Caspary mériterait d’être examiné, car si je sais une chose à propos de cet homme, c’est qu’il ne publie pas grand-chose.
OK, à vrai dire, ce que je sais de Dee, c'est qu'il est un artiste incroyable, visionnaire, preneur de risques et bien sûr, chorégraphe. Quand je lui ai parlé il y a quelques mois, il était excité par le Nvitational, c'est le moins qu'on puisse dire. L'opportunité de réunir divers grands chorégraphes, danseurs et musiciens dans un festival de spectacles à North Hollywood était la première du genre à Los Angeles, et il devait y avoir trois semaines de spectacles! Comme l'a dit Dee, «il n'y a pas de place pour les chorégraphes pour présenter leur travail, en dehors du Carnaval, à moins qu'ils ne produisent leur propre spectacle». Au lieu de cela, le théâtre El Portal, la ville de North Hollywood et Dee Caspary ont produit les spectacles pour eux.
Voici quelques critiques des temps forts du festival:
Qui nous sommes - Jennifer Hamilton
Par Alex Little
J’ai été ravi d’avoir l’opportunité de voir la présentation de Jennifer Hamilton de «Qui nous sommes». Le public bourdonnait d'excitation, et en jetant un coup d'œil autour de moi, j'ai croisé les yeux de nombreux grands noms de l'industrie. Nous étions tous là pour ce que nous savions être sensationnel. 'Who We Are' n'a pas déçu, en fait sensationnel ne le coupe même pas. Si vous connaissez Jennifer, ou connaissez l'un de ses travaux, vous savez qu'elle est la vraie affaire. Elle est l'une des artistes les plus enracinées, les plus authentiques et les plus talentueuses de notre communauté, et son travail reflète toujours ces attributs.
Commençant par une projection d'oiseaux volant à travers le ciel du matin, la scène s'est lentement remplie de son casting complet, habillé de façon colorée, marchant et se déplaçant selon différents modèles, se rencontrant lentement, couple par couple. L'ambiance était optimiste pour les deux premières pièces et il y avait un sentiment de pure joie et de bonheur sur scène. La pièce entièrement masculine était funky et presque 'Movin 'Out' dans la sensation, avec un mouvement masculin fort. La camaraderie ressentie sur scène imprégnait le public, alors que nous nous retrouvions à groover avec les danseurs. Les transitions fluides d'une pièce à l'autre ont gardé la ligne de pensée de la série claire, tout cela à travers le mouvement distinct de Hamilton. Le répertoire de Hamilton est assez accessible à tous les publics et j'ai pu voir son travail réussir sur toutes les scènes, à Broadway, à la télévision ou au cinéma. Elle a de la portée.
Le spectacle s'est poursuivi avec plus de projections du ciel, comme si un jour passait. C'était comme si Hamilton mettait en parallèle le cycle d'une journée avec le cycle des relations. Ma danse préférée était la troisième pièce intitulée «Cold Water». C'était l'histoire de deux couples en détresse et d'un troisième, dans un triangle amoureux. La mise en scène de Hamilton dans cette pièce était plus étonnante que la chorégraphie, qui, je crois, est la marque d’un créateur brillant. Entre Hamilton et la caractérisation des danseurs, j’étais fasciné. C'était comme si nous regardions un film, ne sachant pas comment cela se terminerait. L'histoire semblait relatable. Je ne peux pas imaginer que nous n’ayons pas tous été l’un des sept personnages à un moment de notre vie. Colleen Craig et KC Monnie se sont démarqués dans cette pièce et tout au long du spectacle. Kelly Allen était également une artiste remarquable.
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Le spectacle s'est terminé par une pièce réservée aux filles, où Hamilton a montré ses racines jazz, demandant force, sensualité et technique forte. Garçon, est-ce que ces dames vous l'ont donné! La finale était un beau duo affectueux interprété par l'incroyable Genise Rudiaz et KC Monnie, puis rejoints par l'ensemble du casting pour «Crash» de Dave Matthews. C'était un morceau de musique, une phrase chorégraphique et une performance si appropriés pour conclure l'histoire de «Who We Are», car la projection sur le cyc était un coucher de soleil glorieux. Merci, Jennifer Hamilton. Votre vision a pris vie et m'a profondément ému. Je pense qu'il est prudent de dire que le métier de Hamilton est sans précédent et que son travail sera bientôt vu sur de plus grandes scènes.
Amour
Par Alex Little
Kersten Todey, Jessica Lee Keller et Ben Susak étaient l'équipe créative derrière «Amor», une performance combinant musique live, création parlée et danse. En plus de cela, l'éclairage était également un élément majeur de cette histoire d'amour, car les danseurs se sont éclairés par des projecteurs avec 4 lumières en forme de boîte, manipulées par les danseurs, créant l'ambiance de chaque pièce et dirigeant le regard du public. C'était l'un de mes éléments préférés du travail.
Le spectacle a commencé avec les danseurs Natalie Reid et Ben Susak, chacun interprétant des solos sur les paroles de Jessica Lee Keller et Robert Earl Sinclair. Le théâtre forum intime était le cadre idéal pour de tels choix artistiques, et on pouvait entendre une épingle tomber dans le public alors que les danseurs bougeaient à chaque mot et à chaque respiration, dans et hors des projecteurs. Lors de ses récitations, Sinclair était sur scène avec les danseurs. C'était un si beau choix de réalisateur, car il donnait l'impression que Ben Susak, et plus tard Chaz Buzan, littéralement ont été sa voix. D'autres danseurs ont fini par rejoindre la scène dans «Lullaby», chantée par la belle Debra G, accompagnée musicalement de Joe Gilette et Cameron Dean.
L'éclairage du spectacle a maintenu la continuité extrêmement engageante, tout comme le rythme en constante évolution entre la musique, les mots, le silence, les solos, les duos et les morceaux de groupe. Je lève mon chapeau aux chorégraphes pour leur arrangement des éléments dans «Amor». La chorégraphie de Kersten Todey a brillé dans «9 Crimes» en arrangeant son mouvement «en rond», tout comme le théâtre a été construit. Non seulement la chorégraphie complexe de Kersten a clairement défini sa vision, mais elle a mis en évidence l'histoire déchirante entre le couple principal, interprétée par Keller dans une robe rouge brillante, et Mason Cutler.
La chorégraphie de Keller dans «Burnin Up», un quatuor de quatre femmes Katherine Wolanske, Mandy Korpinen, Ashley Glavan et Elizabeth Petrin, a été l’une de mes préférées de la soirée. Le mélange de l’intention de Keller et de son travail avec la chanteuse Debra G s’est manifesté par son mouvement et sa mise en scène élégants. Parfois ça fait du bien de respirer avec un morceau, et c'était juste ça pour moi. Le point culminant de la chorégraphie de Susak était le «Live Forever» optimiste et énergique mettant en vedette toute la distribution. Cette pièce ressemblait à un travail incroyablement difficile à exécuter, mais les danseurs l'ont exécutée avec un sentiment d'aisance, de puissance et le cœur en feu! J'ai adoré son utilisation de la course circulaire et les manières aventureuses dont il a utilisé les projecteurs.
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Je félicite Todey, Keller et Susak pour l'exécution de leur vision «Amor». Avec un casting de danseurs, musiciens, chanteurs et conférenciers incroyables, l'art a pris vie, tout à la fois.
Chorégraphe Mandy Moore
Une nuit au piano
Par Alex Little
Je suis tellement heureux d'avoir assisté à ce spectacle en particulier! Il a duré environ 40 minutes, et voici le principe: demandez à Dana Wilson, Mandy Moore, Amanda Leise, Tony Testa, Matt Cady et Dee Caspary à chaque chorégraphie une pièce sur une chanson qui serait jouée en direct par le pianiste Kevin Su Fukagawa. C’est tout - un avant-goût de certains des meilleurs chorégraphes de Los Angeles en une seule séance. Le cadre intime du Théâtre Forum était parfait pour ce spectacle. Tout a commencé avec Dana Wilson, qui a dansé un solo brillant, vêtue de noir et blanc avec un visage peint en forme de mime et des gants de satin blancs. La chorégraphie de Wilson était une fusion entre le contemporain gestuel et la pantomime, pour raconter une triste histoire de ce qui semblait être une femme demandant l'amour ou l'acceptation. C'était l'un de mes préférés. Wilson était impeccable.
Wilson a été suivi par Dana Fukigawa et Will Loftis dansant sur «Rolling in the Deep» d’Adele. La vision claire de Mandy Moore a été exécutée par son style technique authentiquement fort et ancré qui, lorsqu'il est interprété par sa les danseurs, en particulier, vous épateront. Son travail me fait toujours ça. Et ces ascenseurs créatifs! WOW!
Matt Cady est venu ensuite avec un trio merveilleusement intelligent entre lui et deux dames toutes vêtues de robes. Cette pièce de personnage était hystérique et a fait rire le public à de nombreuses reprises. Le trio était aussi de grands acteurs. La pièce les a trouvés se moquant de la grande vie, les uns des autres et même de la danse.
Le morceau de claquettes d'Amanda Leise était le suivant et cette performance a vraiment recueilli le plus d'applaudissements de la soirée. Elle a été rejointe par deux hommes et une dame, et ce quatuor a joué avec brio. La difficulté et les subtilités du travail de Leise ont été rencontrées avec facilité et confiance entre les interprètes. Ils organisaient une grande fête et nous étions tous invités!
Tony Testa a suivi avec une pièce émouvante qui parlait de grandir, mais de garder en vie votre nature juvénile, quel que soit l'âge. Cette pièce a été dansée par un jeune enfant, Tony lui-même et un homme âgé, représentant tous la même personne au fil des ans. Testa a raconté une histoire magnifiquement théâtrale en utilisant un thème de l'armée. Le monsieur le plus âgé était incroyablement inspirant.
Enfin, Dee Caspary a présenté un trio dansé par Chaz Buzan, Channing Cooke et Ashley Galvan. Le travail de Caspary me fascine. La façon dont son mouvement unique se déroule parfaitement avec sa mise en scène est assez brillante et ne cesse d'étonner. Cette pièce a eu un joli souffle de simplicité et a donné vie au piano.
Peter Chu présente The ChuThis Group - Nothing Sticks
Par Alex Little
Où est-ce que je commence? Quels mots peuvent décrire l'expérience avec précision? Je ferai de mon mieux pour récapituler la soirée que j'ai passée à assister au phénoménal «Nothing Sticks». Peter Chu est un homme brillant, danseur, visionnaire, metteur en scène, chorégraphe, artiste et enseignant. Mais beaucoup d'entre vous le savent déjà. Il a conçu un spectacle qui a réuni tous les éléments du théâtre sur une seule scène.
En 90 minutes, nous avons été amenés à travers une histoire de résistance et de changement. Chu a conçu un spectacle avec une compagnie de sept danseurs sur ce qui ressemblait à un décor de style ancien film, utilisant des projections en direct de diverses figures de bâton tout au long de la soirée, et à un moment donné une projection de lui-même dansant (qu'il accompagnait danser en direct, créant un duo ). Il a incorporé deux énormes lumières de décor de cinéma sur la scène, manipulées par les danseurs, ainsi qu'un tableau noir utilisé à un moment donné pour jouer au pendu avec le public. Chu, le narrateur de l'histoire, portait un chapeau haut de forme et portait son parapluie, comme une canne, qui a ensuite été vue sous une forme géante, car les danseurs l'utilisaient pour créer un effet de crochet pour se tirer les uns les autres hors de la scène. De superbes graphismes!
La pléthore de styles de mouvement introduits dans «Nothing Sticks» était remarquable. Des pièces contemporaines magnifiquement construites avec le mouvement Chu signature ont été tissées dans l'histoire par le biais de solos, duos, trios et travail de groupe harmonieux de mouvements complexes et techniques, de gestes, d'expression, de partenariats imaginatifs, de travail au sol innovant et de pantomiming sublime. Les danseurs étaient des athlètes élégants car ils contournaient l'espace avec une grâce, une technique et des performances raffinées. La chorégraphie de Chu est esthétique, mais indéniablement de nature difficile.
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Chu a mélangé son style contemporain avec des pièces d'inspiration vaudevillienne et de Broadway, des transitions et même des parties d'acteur et de discours, où le 4ème mur a été brisé pour inclure des pauses comiques dans le spectacle, comme le jeu du pendu susmentionné joué avec le public! Un tel amusement et un tel rire s'ensuivirent. Cela a conduit à un magnifique duo contre le tableau interprété par Rebecca Niziol et Matthew Peacock, où les lignes ont été effacées par Niziol et redessinées par Peacock.
D'autres performances notables ont été le solo de Steven Hernandez pour 'Dream a Little Dream' et le duo de Chu et Hernandez, qui était probablement ma pièce préférée de la soirée. Matthew Peacock était incroyable en ouvrant le spectacle avec un solo qui nous a amenés directement dans le monde de Chu. Les interactions de Jillian Chu avec Peter Chu en expliquant qu'il est «OK d'effacer et de recommencer» ont fait fondre mon cœur. Car comme le raconte l'histoire, le changement est inévitable. Je ne peux qu'espérer que cette émission continuera à se dérouler pour que tout le monde puisse avoir une chance d'être dans le public.
Terry Beeham présente Mental Head Circus
Par Deborah Searle
Nous sommes entrés dans le sombre Forum Theatre où nous avons été immédiatement accueillis par des artistes suspendus au plafond se déplaçant étrangement, mais magnifiquement dans les airs. En quelques secondes, il était clair que Mental Head Circus est une troupe aérienne talentueuse, qui sont autant des athlètes que des artistes.
Nous avons apprécié juste un extrait de ce que l'entreprise peut vraiment faire, et je voulais en voir plus. Une belle pièce de corde aérienne avait un danseur créant des lignes exquises au fond de la scène avec des gouttes défiant la mort du plafond. Le mouvement créé par la danseuse et sa robe rouge vif a mémorisé le public.
Les danseurs ont fait preuve à la fois de grâce et de flexibilité enviable tout au long de la présentation. Ils sont vraiment doués et incroyablement forts! Leur représentation des personnages et leur technique de performance nous attirent et nous gardent à l'affût.
Terry Beeman nous a stupéfiés avec une danse théâtrale autour et à l'intérieur d'un cube. Ses contorsions et ses équilibres étaient stupéfiants. J'ai été choqué de découvrir après la performance qu'il a en fait la quarantaine, car sur scène, il montre l'agilité et l'athlétisme d'un adolescent. Il défie vraiment la nature!
Battements par minute
Par Deborah Searle
nathan fou
Quelle performance amusante! Beats Per Minute nous a tous fait taper sur nos sièges. Créé par Glyn Gray et Nathan Sheens, Beats Per Minute est une performance de claquettes et de musique, où les tappers donnent le rythme et deviennent des instruments, jouant avec un groupe live.
Trois talentueux tappers Glyn Gray, Brin Hamblin et Chris Rutledge, ont créé un spectacle léger et divertissant, accompagné d'un guitariste, bassiste, batteur et chanteur. Gray est un interprète accompli et un plaisir incontestable pour la foule. Son concept pour Beats Per Minute, était simple, mais brillant - créer de la musique avec les pieds ainsi que le groupe.
La chanteuse Lindsay Hough avait une voix forte et parfumée au jazz qui était appréciée de tous. Elle a chanté une chanson thème pour 'Beats Per Minute' qui aurait pu paraître ringard, mais qui était en fait assez entraînante et amusante. C'est une artiste talentueuse.
Chris Rutledge était un tapper très compétent et j’ai aimé le regarder «casser ses mouvements» et jouer avec les deux autres interprètes et musiciens.
Beats Per Minute pourrait divertir même un public non-dance. Le spectacle était décontracté et a créé une atmosphère décontractée dans le théâtre. Je peux voir ce spectacle être un succès sur scène, ainsi que dans les rues. Cela attirerait une foule énorme et excitée d'amateurs de danse et de musique.
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