«Maze» au hangar. Le hangar, New York, NY.
24 juillet 2019.
Labyrinthe est une première mondiale Shed commission avec des danseurs de The D.R.E.A.M. Ring et le programme FlexNYC de The Shed. Il a été co-réalisé par Reggie «Regg Roc» Gray et Kaneza Schaal et joue au Shed jusqu'au 17 août.
Le style principal représenté est le flexn, une forme de danse de rue aux racines jamaïcaines. La pièce vise, à travers l'utilisation d'un «labyrinthe de lumière», à explorer les énigmes et la poésie de la coexistence humaine et des forces visibles et invisibles présentes dans le monde qui nous entoure.
La pièce commence avec le public dispersé dans le grand théâtre de la boîte noire et d'énormes X de danse lumineuse dans la salle. Après quelques minutes de bavardage, les danseurs commencent à entrer dans l'espace, un par un au début, puis en groupes jusqu'à ce qu'ils soient répartis entre les membres du public. Certaines personnes regardent paralysées au début, tandis que d'autres ressentent immédiatement leur liberté de se promener dans l'espace alors que les danseurs se rassemblent en couples sous chaque X brillant.
«Maze» au Shed.
Certaines choses sont immédiatement frappantes. D'une part, la grande variété de types de corps représentés par les danseurs (quelque chose que j'ai apprécié à la fois esthétiquement et pour le message qu'il a envoyé). En outre, les costumes mettent l'accent sur des marques comme Nike, Supreme et d'autres grandes marques de vêtements de rue (ce qui semblait être un choix très conscient et un commentaire possible). Il y avait une frontière fluide, à la fois physique et métaphysique, entre le public et les interprètes (laissant le public avec un sentiment d'autonomie, que beaucoup exprimaient en sortant leur téléphone pour filmer et prendre des photos, en applaudissant régulièrement et en se déplaçant dans le théâtre) .
La configuration immersive initiale a produit un sentiment de galerie (plus tard pour être remplacé par un arrangement plus traditionnel assis devant le public), et alors que je marchais entre chaque duo, j'avais l'impression de passer de la peinture à la peinture, en regardant jusqu'à ce que je sois satisfait de ma compréhension de ce qui était présenté, puis passer à «l'image» suivante. Bien qu'au début, j'ai trouvé les membres du public sur leurs téléphones distrayants, mon irritation a rapidement évolué vers une appréciation du manque de préciosité et de prétention dans la salle bien qu'elle soit située dans un lieu à la pointe de la technologie avec une valeur de production élevée.
Alors que les tambours en direct commençaient à crescendo, les couples changeaient de place cycliquement les uns avec les autres, aboutissant à un tableau au centre de la scène. J'aimais la façon dont le public formait organiquement un cercle autour du groupe, et j'étais conscient que les interprètes ne savaient probablement pas exactement comment un public réagirait spatialement à l'œuvre étant donné que c'était la soirée d'ouverture. À partir de ce moment centré, les danseurs se décollaient un par un, laissant un homme grand et maigre en pantalon bleu dont le solo de flexn (un moment fort de la soirée) alternait entre staccato et glissant et était la première de nombreuses sections qui provoquaient le halètement.
Le facteur «grossier» des épaules sortant de la douille et des bras se tordant dans des positions impossibles a servi de ligne de passage pour la soirée et a été la colonne vertébrale de certains des moments les plus réussis de la pièce. Les contorsions apparemment impossibles ont transporté le labyrinthe spatial de lumières dans le théâtre (représentatif peut-être du labyrinthe du monde socio-politique) jusqu'à l'individu, suggérant que le corps (et en particulier l'esprit) est également labyrinthique.
valeur nette de prabal gurung
«Maze» au Shed.
D'autres tropes incluaient des tours de chapeau et des mimes, bien qu'aucun des deux n'ait été presque aussi réussi que le lexique flexn déformé. Près de la moitié des tours de chapeau se sont terminés par un chapeau tombé, et une grande partie des mimiques semblaient exagérées et manquaient de ce que le contact réel aurait pu fournir. Il y avait aussi des cas de tutting, qui étaient très forts et attirants. Je me suis retrouvé à vouloir que les phrases tutantes durent plus longtemps et soient emmenées plus loin, surtout lorsque le vocabulaire était utilisé par les danseurs pour manipuler physiquement le corps des uns et des autres.
Un autre point fort a été la puissante musique live accompagnant l'œuvre en juxtaposition avec de la musique rap entrecoupée juste aux bons intervalles. Des chuchotements de «cela n'est-il pas arrivé avant» aux percussions tribales intenses en passant par les mélodies gospel, la partition sonore variée a évolué de manière transparente d'une chanson à l'autre. La chanson finale n'a pas fait exception, un chanteur est sorti dans l'espace et a ceinturé acapella tandis que l'un des interprètes avec le «corps de danseur» le moins stéréotypé se déplaçait avec ferveur autour de la scène. La continuité de la musique a cependant mis en évidence par inadvertance le caractère saccadé de nombreuses transitions de la performance et, à certains moments, l’énergie des danseurs semblait inférieure à celle de la musique.
Labyrinthe a exploré de nombreux éléments de l'expérience des Noirs en Amérique, de la violence armée et de la brutalité policière à la foi inébranlable en un Dieu chrétien, aux activités des gangs et plus encore. Bien qu'il y ait eu des itérations effectivement originales de ces problèmes, de nombreuses scènes semblaient surjouées et évidentes. Un autre facteur contribuant aux lacunes de certaines parties de la pièce était que les danseurs semblaient avoir différents niveaux d'habileté et d'engagement. Les danseurs les plus investis étaient aux yeux écarquillés, effrayants et imprégnés d'intensité animale, tandis que certains des autres avaient le visage vide (une fille souriait même, ce qui était assez déroutant).
Cependant, Labyrinthe est une recontextualisation réussie du hip-hop dans le monde de l’art contemporain, et il me reste à en vouloir plus. Plus de hip-hop dans le monde du «high art», plus d'interaction entre le hip-hop et d'autres styles, et plus d'étiquettes lacérant.
Par Charly Santagado de La danse informe.
Recommandé pour vous
