Commentaires | Avril 2024

Island Moving Company dans «Out of Ruin». Photo de Bill Peresta.

Cardines Field, Newport, RI Blithewold Mansion, Bristol, RI.
2 octobre et 9 octobre 2020.

Une chose spéciale à propos de l'art vivant est la façon dont il rassemble les gens dans l'espace. En danse, cette création de communauté physique rencontre son offre unique d’éphémère du mouvement dans l’espace, un groupe particulier d’individus est réuni dans l’espace pour la première et la dernière fois, pour assister à une performance qui ne sera plus jamais tout à fait la même. De nombreux artistes de la danse ont présenté de beaux films de danse et d'autres offres socialement éloignées ces derniers mois - mais ce n'est pas tout à fait la même chose que de s'asseoir ensemble pour assister à des spectacles en direct. Cette dynamique faisait partie de la raison pour laquelle les deux présentations d'automne de Newport, Island Moving Company (IMC), basée à Newport, étaient si spéciales, en dehors des performances elles-mêmes magnifiquement créées et interprétées.

La première d’entre elles était une projection en plein air du film de danse de la compagnie, Hors de ruine , réalisé par la cinéaste de danse Marta Renzi et chorégraphié par la directrice artistique de l'IMC Miki Ohlsen et la directrice artistique associée Danielle Genest. Ohlsen et Genest ont conceptualisé le film, en s'inspirant d'un poème de Patience Strong. Les membres de l'auditoire se sont réunis pour regarder des chaises de jardin à distance sociale à Cardines Field, la maison historique des Newport Gulls. En regardant les bases et le marbre depuis ma chaise dans le champ extérieur, j'ai ri un peu en pensant que je n'aurais jamais pensé regarder la danse depuis un terrain de baseball - mais, hé, 2020 consiste à faire en sorte que cela fonctionne aussi possible que possible, en et hors du secteur de la danse. Même si la présence de COVID se profilait à travers des choses comme tout le monde portant des masques et des contrôles de température à l'entrée, après six mois, j'étais à nouveau en communauté avec d'autres pour découvrir l'art de la danse. Il n’y a pas de sentiment comme ça.

C'était également merveilleux d'entendre des élus du Rhode Island des niveaux fédéral, étatique et local. Chacun s'exprimant pendant quelques minutes, ils ont discuté de l'importance des arts pour la qualité de vie, l'économie et bien plus encore - ainsi que de ce qu'ils font pour obtenir une aide cruciale au secteur des arts en cette période difficile. Avec le coucher de soleil enfin sous l'horizon, puis est venu un court film de «making of» avant la présentation du long métrage, Hors de ruine . Il offrait des pépites d'informations intrigantes sur le processus de création derrière le film sans prescrire de sens ni en donner trop avant la projection du film - un équilibre délicat à trouver.

Puis Hors de ruine a débuté. Les premiers plans sont des danseurs qui jettent un coup d'œil à leur tête - puis à leurs membres - derrière des murs peints par des graffitis. Ils regardent autour d'eux comme s'ils cherchaient, cherchant à en savoir plus sur ce qui existe. Il y a une simplicité mais aussi un poids émotionnel à leur présence, ainsi que des éléments esthétiques de soutien, une qualité qui perdurera dans le reste du film. La partition est un élément clé soutenant ce sentiment, avec une légèreté mais aussi en quelque sorte une profondeur. À certains moments, lorsque la partition est silencieuse, le grattage des chaussures des danseurs à travers les chemins de terre et à travers le béton est également émotionnellement et esthétiquement résonnant.

Leurs corps semblent très ancrés, leur centre de gravité maintenu quelque peu bas et une connexion avec le sol évidente. Pourtant, les danseurs atteignent aussi comme s'ils aspiraient à voir au-delà de là où ils sont. Leurs trajectoires dans l'espace sont circulaires, véhiculant une continuité. L'ambiance change lorsque nous nous déplaçons à l'intérieur d'une structure, retenant des ombres profondes et sombres, mais aussi de la lumière provenant de fenêtres cintrées. Une nouvelle frénésie est dans l'air car ils se déplacent plus vite et la partition devient plus énergique. Ils se déplacent toujours dans des chemins circulaires, utilisant pleinement l'expansion de l'espace. Le vocabulaire du mouvement a une base ballétique, comme de longues lignes et des rotations externes fréquentes, mais dans la mise en forme et la fluidité, il est assez unique et frais.

Les danseurs se déplacent ensuite dans un décor moins affecté par les outils et les machines artificiels, dans la clairière d’une forêt. Le ténor de la partition en vient également à se sentir plus plein d'espoir. Ils ont plus d'espace pour se déplacer, tout le chemin vers le ciel, et certains danseurs en soulèvent d'autres vers les nuages. La façon dont leurs corps se croisent à travers les lignes et les autres formes du mouvement est à la fois fascinante et étonnante. L'image visuelle est douce et nette à la fois. Alors qu'une nouvelle sensation de piqué entre dans leur mouvement circulaire, je ressens une nouvelle harmonie et un sentiment de possibilité élargie.

Une dernière scène les fait danser dans un grand champ au bord de la mer. Encore plus d'harmonie et de possibilité se sentent à portée de main alors qu'ils se déplacent dans tout l'espace dans lequel on pourrait vouloir se déplacer. Les couleurs du ciel avant le coucher du soleil ne sont rien de moins que magiques. La partition s'améliore progressivement, une partition de piano retentit - évoquant une contemplation et une introspection, un sens auquel nous pouvons nous rapporter en ces temps. L'espoir, la résilience et la persistance de la beauté brillent alors même que l'écran s'estompe au générique puis au noir avec la fin du film. Les danseurs du film sont sortis de la ruine, et nous le pouvons aussi - nous le ferons.

La société a effectué leur Émerger programme le week-end suivant, quelques villes à Blithewold Mansion. Une scène extérieure a été aménagée sur la pelouse incroyablement grande devant le manoir, surplombant l'eau. Le coucher de soleil était spectaculaire alors que les membres du public (tous masqués et soumis à un contrôle de température) s'installaient sur des couvertures et des chaises. Le programme a commencé avec Permettez-moi de vous présenter , une première en 2020 chorégraphiée par Colin Connor. Le programme explique comment la capacité des danseurs à danser ensemble et à partager à nouveau l'espace, l'air et «l'esprit sensuel de la musique» a inspiré l'œuvre. Katie Moorhead a dansé un solo comme début de l’œuvre, éclairé par un arc-en-ciel de lumière et accompagné d’une partition jazzy (tirée de Gershwin Trois préludes ).

Moorhead, toujours expressif, dansait avec des lignes qui rongeaient l'espace ainsi qu'une colonne vertébrale qui ondulait de nuances musicales et s'abandonnait magnifiquement à la gravité. Emily Baker et Gregory Tyndall ont dansé ensuite, leur mouvement équilibrant et mélangeant angularité, circularité, partage de poids et ancrage dans leur centre de gravité personnel. Le malaise entre les personnages dans les airs se combine parfois avec ces éléments pour créer un sentiment de tensions entre les contraires, voyageant à travers différents spectres - en tant qu'individus et avec les autres. Dans le climat social d’incertitude et de polarisation d’aujourd’hui, ces thèmes semblent particulièrement pertinents. Pourtant, aussi, la magie de se déplacer ensemble dans l'espace - en communion avec la musique - a aussi vraiment résonné.

Suite à cela, Rhea Keller a dansé Évoqué , chorégraphié par Genest. Grâce à différents niveaux et formes - angulaires, circulaires et curvilignes de qualité - la grâce et la force ancrée de Keller sont merveilleuses à expérimenter. Sa présence, jusqu'à l'élément fondamental de son corps se déplaçant dans l'espace lui-même, évoquait beaucoup: le désir, la force, la vulnérabilité et plus encore.

Genest Espace négatif est venu deux morceaux plus tard, dansé par Raum Aron Gens-Ostrowski, Deanna Gerde, Tara Gragg, Keller et Jose Lodada. «Dans l'art, l'espace autour et entre le (s) sujet (s) d'une image. En définissant nos frontières, l'espace négatif devient la distance entre nous », a expliqué le programme.

Genest a façonné cette idée dans la chorégraphie à travers un vocabulaire de mouvement vraiment convaincant et des relations spatiales entre les danseurs. Les pieds écartés face à un autre danseur, ancrés et résolus, les danseurs ont ouvert les bras comme la mâchoire d'un requin, puis les ont fermés - s'ouvrant sur un autre mais établissant une frontière claire. Ils se sont encerclés et ont formé des lignes claires, séparées dans l’espace et restant dans l’espace négatif de l’autre. Les carillons dans la partition offraient également des limites rythmiques claires, avec lesquelles les danseurs avaient un timing précis mais pas rigide (pas toujours une qualité facile à trouver!). En cette période de distance physique et beaucoup d’entre nous réfléchissant à ce qui est vraiment le plus important pour nous, ces idées de frontières et la distance que nous maintenons entre nous et les autres sont une matière à réflexion significative.

Le programme s'est terminé sur une note plus légère, avec le plaisir contagieux et mémorable Déconstruire Cole Porter . Chorégraphié par Ohlsen et dansé par Brooke DiFrancesco, Lauren Difede, Timur Kan, Moorhead et Tyndall, il incarne les airs classiques de Cole Porter. Le vocabulaire du ballet est parsemé de jazz et de pas de salle de bal, qui, comme la danse cinématographique emblématique de l'âge d'or d'Hollywood, ressemble tout simplement à un bal à danser. C’est aussi un bal à regarder. Amusement, réflexion et tout simplement la magie des personnes se déplaçant ensemble dans l'espace - Émerger tout offert, après des mois sans que de tels trésors ne nous soient disponibles. J'ai quitté le programme ce soir-là reconnaissant, touché et inspiré.

Par Kathryn Boland de La danse informe.