Yoo et danseurs. Photo gracieuseté de Yoo and Dancers. 92ndStreet Y, New York, New York.
5 janvier 2019.
Les humains ont toujours voulu voler. Les danseurs, pour leur part, apprennent à sauter, atteindre et battement au mépris de la gravité. Cette idée de vol - et son contraste dans l'échouement - pourrait-elle être un fourrage utile pour l'art? Pour Hee Ra Yoo, cette idée est au moins d'être là pour l'interprétation. En tant qu'AIR (artiste en résidence) 2018-2019, Yoo a montré quatre pièces différentes au 92ndStreet Y dans le cadre du 2019 Conférence APAP , le tout avec un sentiment de fuite et d'ancrage - et des idées croisées sur la mémoire, la dynamique du pouvoir social, la cohésion communautaire et plus encore. Le programme décrit comment Yoo a des crédits internationaux d'interprétation, d'enseignement et de chorégraphie, et a fondé la compagnie de danse moderne basée à New York, Yoo and Dancers.
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Le premier morceau, 9 mouvements , a commencé avec six danseurs en touffe. Avec divers accords dans la musique (Murcof, utopie , édité par Yoo), ils ont commencé à se déplacer sur le côté, à l'avant et à l'arrière - le tout à l'unisson frappant. Cette unité s'est rompue au fur et à mesure qu'ils se dispersaient à différents endroits de la scène, en quelques nouveaux blocs, à différents niveaux. Ces niveaux variés, ainsi que les différences d'expressions faciales et de qualité de mouvement entre les touffes, ont créé un sentiment de dynamique de pouvoir. Le mouvement a également montré des changements de niveau nets dans l'espace, passant d'une fente à un relevé passé, pour répéter cela avec une pirouette. D'autres virages comprenaient des battements, renforçant ce sentiment de défiance levée de la gravité - le tout avec une mise à la terre contre-agissante dans le corps, cependant.
Aussi convaincante était une qualité gestuelle correspondant aux notes staccato de la musique - une qualité petite, subtile et rapide comme celle des mouvements d'un oiseau: dans le regard, dans les isolements, dans la vitesse et la taille du mouvement. C'était peut-être une coïncidence, simplement d'intérêt et dans le style du chorégraphe, mais peut-être était-ce un renforcement de l'idée de vol et d'échouement. Le mouvement a pris de la vitesse, avec la musique, et a commencé à trouver plus de jeu avec l'élan.
Le mouvement est également devenu plus «lesté», plus ancré dans le sol - pourtant ces ascenseurs, au mépris de la gravité, étaient toujours présents. Même dans ce «jeu», certaines images étaient assez claires et précises. L'une d'entre elles était particulièrement mémorable avec des paires de danseurs exécutant des battements dans des directions opposées (devant et derrière), tout en se penchant l'un contre l'autre, créant ainsi de longues lignes droites dans l'espace. Les danseurs ont proposé d'autres phrasés convaincants au fur et à mesure de la progression de la pièce, avec force et conviction.
Yoo et danseurs. Photo gracieuseté de Yoo and Dancers.
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Pourtant, il est intéressant de penser à ce que l'exploration de quelques autres éléments aurait pu apporter à la pièce. On s'aventure plus souvent dans des niveaux entre très bas et très haut. Comme un autre, les danseurs se sont déplacés en cercle vers la fin de la pièce - quelque chose qui pourrait apporter une harmonie agréable et intrigante à d'autres sections de la pièce. Peut-être que cette exploration ne correspondrait pas à la vision de Yoo, peut-être à ce sens du vol et de l’échouement - mais des éléments intéressants à considérer néanmoins.
Le travail s'est terminé avec des danseurs de haut niveau se déplaçant avec puissance et confiance, au-dessus d'un autre danseur plus proche du centre de la scène, à genoux et se recroquevillant sur elle-même - ressuscitant ce sentiment de puissance dynamique. Ce qui semblait prescient ici était l'idée que haut ou bas, discordant ou harmonieux, lorsque les individus se rassemblent, certains tenteront de détenir le pouvoir sur les autres, et certains accepteront.
La troisième pièce, Le solo , a présenté une soliste (Rebecca Walden) et un pianiste en direct (Ben Weintraub). Walden a commencé avec un sens rêveur et passionné dans son mouvement et son comportement général - qui rappelle la photographie de danse de Lois Greenfield. Son justaucorps blanc et son tutu court blanc (dessiné par Yoo), contrastant avec le piano noir brillant, évoquaient le ballet classique avec une touche néoclassique - poli, propre et haut de gamme. Walden a commencé à se lever et à tomber, les coudes et autres articulations se sont initiés. De manière frappante, un sens organique et soyeux de la danse contemporaine se trouvait dans le vocabulaire du mouvement plutôt classique.
Walden a offert tout ce mouvement avec un joli mariage de force et de douceur facile. L'éclairage ambré d'une diagonale élevée, créant de multiples ombres, a ajouté un sentiment de mystère à cette qualité de mouvement. Elle s'est aventurée loin du piano, mais un morceau de son tutu est resté. Alors qu'elle chainé se détournait du piano, le tutu se démêla. Il y avait un sentiment qu'elle perdait quelque chose mais gagnait aussi une sorte de liberté. Pourtant, attachée au piano, elle l'était toujours. Même ainsi, il semblait qu'elle avait trouvé assez tôt le pouvoir et davantage de liberté, grâce à un symbolisme de fuite. Elle enroula les extrémités du tutu autour de ses bras, étendant largement son envergure, décrivant les ailes.
Elle se tenait haut en pointe, fière et assurée - prête pour le vol, c'était comme si. Elle a trouvé un mouvement plus fluide mais classique à des niveaux variés, et s'est finalement terminée dans un espace bas et ancré. Un sentiment de sa force douce, peu importe comment et où elle se tenait dans l'espace, était clair. Pourtant, le désir de trouver la fuite est resté. L'œuvre m'a paru à la fois accomplie esthétiquement et pleine de sens poignant. Un élément qui aurait pu ajouter aux deux considérations est une plus grande plage de vitesse, en particulier des vitesses plus lentes - évoquant la contemplation et ajoutant plus de richesse au mouvement en cours.
Deux autres pièces de la présentation AIR avaient des thèmes similaires. Route de la soie était un trio évoquant la tradition et la mémoire culturelles coréennes de Yoo - avec un sentiment de tension entre rester dans cette tradition et aller au-delà. Musique traditionnelle coréenne (Beyng-Ki Whang's Route de la soie ) et la robe (avec des motifs offrant une esthétique plus moderne, costumée par Yoo) ont contribué à créer ce thème d'une manière très atmosphérique et convaincante.
Plein fermé la nuit, un travail plus long que les autres et avec plus de danseurs. Tout comme avec 9 mouvements , il y avait un sens clair de dynamique sociale mais plus harmonieux. Le mouvement inspiré de l'improvisation de contact et les ascenseurs en partenariat ont permis à la fois la mise à la terre et la résistance à la mise à la terre (vol) - s'alignant avec ce thème général dans la présentation de Yoo.
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Bien que certainement avec des éléments mûrs pour le raffinage et l'exploration plus approfondie, Yoo a réussi à modeler le mouvement et les éléments esthétiques de soutien pour parler avec force de ce concept de mise à la terre et du désir de voler, ainsi que de plusieurs autres idées significatives dans l'existence humaine. La présentation a montré comment la danse peut dépeindre l’humain de manière innée, d’une manière que les mots ne peuvent parfois pas.
Par Kathryn Boland de La danse informe.
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