Boston Ballet dans la «Playlist (EP)» de William Forsythe. Photo par Angela Sterling, gracieuseté du Boston Ballet. Boston Opera House, Boston, Massachusetts.
7 mars 2019.
Que ressentez-vous en regardant la danse? Eh bien, vous pourriez dire, cela dépend du travail. Cette réponse est de se mettre dans l'ambiance, le sentiment qu'une œuvre de danse évoque - que les chorégraphes cherchent le plus souvent à construire, avec succès ou moins. Le Boston Ballet a dansé trois œuvres de William Forsythe en Plein sur Forsythe , chacun avec sa propre humeur. En tant qu'artiste visuel et créateur de costumes et d'éclairage pour ces œuvres, le chorégraphe emblématique William Forsythe a montré son penchant pour créer des ambiances aussi claires dans chaque œuvre. Les performances des danseurs, éléments clés de cette ambiance, étaient tout aussi louables.
Derek Dunn dans «Blake Works I» de William Forsythe. Photo par Angela Sterling, gracieuseté du Boston Ballet.
Acte II offert Blake Works I , une première du Boston Ballet (création mondiale en juillet 2016, avec le Ballet de l'Opéra de Paris). Une partition aérienne et rêveuse a inauguré la première section, «I Need a Forest Fire», avec une chanson de ce titre. Une grande partie de la musique tout au long de l'acte était similaire, avec quelques airs un peu plus jazzy et optimistes. Le mouvement avait une qualité de léchage et de rodage convaincante, avec une douceur suintante. En même temps, il y avait une qualité lugubre - avec le sens de saisir quelque chose que l'on aime, tout en craignant de le perdre.
Cela correspondait au sujet de la plupart des chansons, l'amour et la perte dans les relations amoureuses. Fait intéressant, il y avait des points d'accès à la vie en 2019 et comment cela affecte les relations - par exemple, la deuxième section était «Mettez ça de côté et parlez-moi», ce qui impliquait que «cela» était un téléphone cellulaire. Le mouvement dans cette section avait des qualités de danse urbaine / hip hop, telles que des mouvements de hanche accentués et des formes de port de bras angulaires (plutôt que arrondies classiquement). Cela a semblé honorer la musique comme «Rhythm and Blues», ce qui m'a fait sourire de voir.
Comme cela est caractéristique du style de Forsythe, l'image de la scène changeait et changeait constamment - des trios en duos en septets en sections de groupe plus grandes. Tout a continué à bourdonner d'action. Le phrasé était tout aussi complet, varié et complexe. C'était aussi souvent assez rapide, et je me demandais si davantage de pauses et de changements de tempo pourraient rendre le mouvement rapide et fabuleux plus facile à vraiment apprécier.
Certains des moments les plus réussis de la pièce, sans doute, ont été dans ces moments relativement rares où ces pauses et ces vitesses plus lentes se sont produites.
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Par exemple, dans cette deuxième section, des files de danseurs sont entrés, marchant vers le centre. Sur un rythme fort et répété dans la musique, tous ensemble, ils se tournèrent vers le public, regardèrent pour respirer, puis se tournèrent vers le centre de la scène. C'était parfaitement accessible, mémorable et agréable. «The Colour in Anything», dansé par Chrystyn Mariah Fentroy et Roddy Doble, avait des tempos variés en mouvement et en musique. «I Hope My Life» a suivi, débutant avec une explosion d'énergie et restant rapide et puissant - ce qui était frappant et impressionnant étant donné le tempo et la sensation de la section de ce que nous venions de venir.
Ce qui était indéniablement réussi et plaisant, tout au long, c'était les costumes et l'éclairage. Des coupes simples de simples costumes bleu clair s'harmonisaient facilement avec l'éclairage bleu légèrement plus foncé et violet clair. Forsythe a également conçu des éclairages et des costumes (pour cette pièce et toutes les autres pièces), et - combiné avec le mouvement pulpeux - sa vision esthétique était claire. Cette vision esthétique a aidé à réaliser pleinement une humeur émouvante et profonde. J'étais prêt à m'accrocher à mon cœur au théâtre et à penser à l'amour et à la perte dans ma propre vie. Il me semble que c’est un signe de réussite dans le domaine de l’art - pour que cela amène le public à une auto-réflexion significative.
Lia Cirio et Viktorina Kapitonova dans la «Playlist (EP)» de William Forsythe. Photo par Angela Sterling, gracieuseté du Boston Ballet.
Acte III, la première mondiale EP - Liste de lecture , je me sentais comme un excellent choix pour la série de plus près, car son l'humeur distincte était groovy et amusante. Une vision esthétique claire se faisait également sentir dans cet acte, des costumes bleu foncé et magenta s'harmonisant avec des nuances de bleu et de violet dans l'éclairage. Le mouvement était succulent mais techniquement complexe, avec des signatures de danse sociale qui honoraient l'identité de la musique, tout comme celle de l'Acte II. Pourtant, il y avait une sassitude supplémentaire pour s'adapter à la sensation forte et fière de la musique.
Pour ouvrir, dans la section «Sûrement peu», les danseurs se déplaçaient côte à côte, menés par leurs épaules. Cela s'est développé en bras se levant et en arrière, et en virages itinérants. C'était comme un bâtiment, un cyclone grandissant. J'ai vécu cela comme un effet assez convaincant et agréable. Pourtant, dans l'ensemble, il semblait que des tempos et des moments plus lents auraient pu rendre l'athlétisme frappant de la pièce encore plus frappant, pour rendre l'impact qu'il se sentait capable de produire.
En tant que tel, un duo émouvant et romantique dansé par Fentroy et Doble, 'Location', s'est senti assez satisfaisant dans ses vitesses plus lentes contrastées et ses doux moments de pause. Les hanches frappent des accents musicaux, se déplaçant d'avant en arrière dans l'espace. Je me suis demandé comment cela pouvait fonctionner plus souvent, comme motif. À d'autres moments, il semblait qu'une conversation en mouvement se construisait, comme un appel et une réponse en tournant et un virage de l'autre à suivre, d'avant en arrière en séquence. La fin était douce, le couple s'éloignant avec son bras sur son épaule.
Un autre duo, avec Kathleen Breen Combes et Jon Lam, était à la fois insouciant et émouvant. Leur maîtrise technique semblait être à un endroit où ils pouvaient simplement respirer et être dans le mouvement, sa qualité et sa beauté transparaissant. Toute la société est entrée progressivement, pour offrir une finale inoubliable. D'une manière ou d'une autre, même avec les nombreux danseurs sur scène, les lignes et les formes sont restées claires. Les couleurs suintaient et se mélangeaient, mais les bleus et les magentas étaient en quelque sorte toujours distincts. L'énergie dans le théâtre était palpable, comme tout le monde applaudissait. Tous semblaient partager la joie, le courage et l'âme sur scène.
Lasha Khozashvili, Patrick Yocum et Jessica Burrows dans «Pas / Parts 2018» de William Forsythe. Photo par Angela Sterling, gracieuseté du Boston Ballet.
Le premier acte offert Pas/Parts 2018 , aussi avec sa propre humeur - orageuse et tendue. Les parties atoniques de la musique, le mouvement frappant ses accents et l’action en constante évolution caractéristique de Forsythe ont contribué à créer ce sens. Une rareté des pauses et des moments plus lents était également présente dans cet acte, mais semblait être le plus efficace pour créer son humeur par rapport à cette qualité dans les deux autres actes.
Au total, trois ambiances différentes étaient claires dans trois actes différents pleins de mouvements divers et impressionnants. Les effets techniques, que Forsythe lui-même a conçus, ont contribué à renforcer ces ambiances. Des sentiments spécifiques chez les membres du public peuvent conduire à la réflexion et à la réflexion, et cela en soi peut être une réalisation artistique.
Par Kathryn Boland de La danse informe.
Alice Markova
