Island Moving Company dans la «Kindred» de Miki Ohlsen. Photo de Bill Peresta. Newport, la première compagnie de ballet contemporain du Rhode Island, Island Moving Company (IMC), a toujours été inventive et ingénieuse sans un théâtre «de base» cohérent que la compagnie a joué dans des espaces allant des anciens forts militaires aux navires pirates en passant par les anciennes maisons de réunion Quaker. Le monde de la danse étant confronté à la dure nécessité d'annuler ou de reporter les répétitions et les performances, IMC a décidé de rendre certaines performances passées accessibles à tous en ligne gratuitement. Au cours des trois premières semaines d'avril, la société a proposé un ensemble de performances organisées sur son site Web.
Le nom Grande danse dans de grands endroits est quelque peu évident, mais fait également allusion au festival d'été de longue date de la compagnie Great Friends Dance (maintenant le Newport Dance Festival). Le festival avait pour objectif de mettre en relation des artistes et des passionnés de danse du Nord-Est, du pays et du monde entier - pour la collaboration, le soutien et plus encore. Ce festival en ligne actuel peut accomplir certaines des mêmes fins significatives à l'ère de la distanciation physique obligatoire. Un week-end du festival en ligne présente des performances du Great Friends Festival, tandis que d’autres week-ends présentent des performances de Providence, de l’auditorium des Vets du RI et de Pittsburgh, le New Hazlett Theatre de l’Autorité palestinienne.
Directeur artistique IMC Miki Ohlsen’s Parenté a débuté le premier week-end (vidéographie d’Arvid Tomako), dansé au New Hazlett Theatre de Pittsburgh. Deux projecteurs se sont levés sur deux danseurs différents, Katie Moorhead et Gregory Tyndall. Ils ont commencé à bouger avec un geste, une forme et une ligne clairs - mettant l'accent sur la tension, puis se relâchant avec le souffle. On ne savait pas s'ils se voyaient ou non. Selon le spectateur, l'ambiguïté aurait pu être séduisante ou frustrante. Alors que les projecteurs s’éteignaient et que toute la scène s’allumait, les regards des danseurs indiquaient alors qu’ils pouvaient se voir. Tyndall a dansé vers Moorhead alors qu'elle restait au sol, faisant des gestes vers elle et s'éloignant d'elle. Il y avait une sensation magique de conte de fées à tout cela.
Moorhead se recroquevilla sur elle-même, comme si elle se protégeait d'elle-même, puis atteignit son corps pendant qu'il se détournait. J'ai pensé aux connexions manquées entre les gens. Ce choix renforçait un effet du début de la pièce qui commençait ce thème des connexions manquées, les faisant face dans des directions différentes et semblant manquer les regards de l'autre alors qu'ils regardaient en haut ou en bas de la scène. Pourtant, elle se leva bientôt et sauta dans ses bras, et ils partagèrent une tendre étreinte. En même temps, une tension dans la musique impliquait que quelque chose menaçait leur connexion. Le vocabulaire du mouvement dans l'œuvre a contribué à créer ce sentiment de tension entre la connexion et quelque chose qui pourrait la menacer.
Comme avec Moorhead allongeant les jambes longues puis les enroulant dans une forme à double attitude (les deux genoux pliés), des formes expansives et libres se sont transformées en quelque chose de plus formé et gestuel. Les arabesques et les bras se balançant d'un côté à l'autre évoquaient le désir et la recherche de ces connexions qu'ils manquaient. À un moment donné, leur unisson était désactivé lors d'un saut, mais ensemble lors d'un tour suivant, rendant l'unisson quand ils l'ont obtenu plus puissant. Un moment mémorable avait Tyndall dans les bras de Moorhead, comme s'il le berçait, une image de compassion parentale ou tout simplement très humaine. Les deux danseurs, leur relation platonique ou romantique ou entre frères et sœurs ou entre parent et enfant, incarnaient un lien qui peut durer entre deux personnes même lorsqu'ils n'ont pas de lien l'un avec l'autre dans l'espace littéral - une représentation puissante et presciente en effet. Ils étaient apparentés.
Directrice artistique associée IMC Danielle Genest’s Transport , la deuxième pièce du premier week-end de performances organisées, était une œuvre qui pouvait de la même manière parler subtilement aux humains dans la communauté - tension et harmonie en opposition pour finalement apporter un équilibre. La tension et l'harmonie variables entre les qualités de la musique et celles du mouvement sont également remarquables. Le travail a commencé avec des danseurs marchant vers une formation, un bloc, et faisant face au public - la confrontation. L'éclairage bas, la musique commençait également sous-estimée - ils atteignaient bas avec les jambes et étaient légèrement décalés dans l'espace. La musique (d'Olafur Arnalds) construite en volume et en intensité, augmentant le drame et le mystère, le mouvement des danseurs était encore petit, toujours dans les kinésphères des danseurs.
Les danseurs se sont rapidement déplacés vers une ligne diagonale serrée et ont commencé à se débattre sauvagement et de manière expansive. La déconnexion et l’isolement inhérents à ce mouvement contrastaient avec l’unité de la proximité des danseurs dans l’espace. Avec une explosion dans la musique, les danseurs ont à leur tour explosé à travers la scène. Le mouvement était athlétique et expansif, avec un geste poivré pour créer quelque chose de pas tout à fait définissable mais beau. Il y avait une tension claire entre l'action qui est le chaos organisé et la connexion à portée de main, comme les danseurs lorsque les danseurs réorganisaient les formations pour se déplacer ensemble par paires. Dans ces paires, le travail de partenariat était frappant - comme des danseurs derrière leurs partenaires s'enroulant autour des bras étendus sur le côté, offrant un sentiment de soutien structuré.
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Leurs costumes de tuniques simples ont permis à leur mouvement de prendre le devant de la scène. Des bandes de lumière à travers la scène ont ajouté à la merveille esthétique, les danseurs se déplaçant à travers cette lumière et cette ombre. Des duos et des solos simultanés ont créé un certain nombre d'histoires différentes sur scène - offrant des possibilités narratives infinies, contenant une multitude de contes humains. Dans l'un des quelques changements énergétiques clairs, un autre changement énergique avait accentué le geste déplaçant les danseurs dans une section de groupe. C'était comme si une communauté avait été trouvée. Pour terminer le travail, ils sont revenus à une ligne, se faisant signe l'un à l'autre, puis se sont tournés vers le public pour nous faire un geste. Ce choix nous a semblé un appel, à nous interroger sur la manière dont nos propres histoires se dérouleront.
La programmation organisée du deuxième week-end comprenait Ohlsen La terre tourne. Le titre se traduit de l'espagnol par «la terre tourne». En tant que tel, il y avait un sentiment de spirale tout au long de l'œuvre - à commencer par le début de l'œuvre d'un grand ensemble tournant dans et hors de la formation. Une image mémorable ici était des bras d'un cercle intérieur se déplaçant au-delà d'un cercle extérieur, comme une fleur. Les costumes (d'Eileen Stoops) étaient dans une palette de couleurs bleu foncé et noir, dans des coupes simples et nettes qui complétaient le mouvement en cours. Avant trop longtemps, la majeure partie de l'ensemble a dégagé la scène et une paire est restée.
S'ensuit un duo avec un haut niveau de passion, avec une force mais un pliage à la qualité du mouvement. Une souplesse était à portée de main. Les formes ont vraiment atteint leurs limites, avec une attitude élevée et un backbend profond comme motifs. Des mouvements innovants tels qu'une jambe passant par l'autre jambe pour se terminer en arabesque, bien que soutenus par un partenaire, étaient accrocheurs et véhiculaient une complexité.Je pensais devoir danser une ligne fine entre des résultats imparfaits. Deux autres danseurs sont entrés, permettant de nombreuses possibilités visuelles et énergétiques et ouvrant l'expérience dépeinte au-delà d'un couple. Une image notable ici était les ballerines tournant bas avec les deux jambes pliées dans l'attitude, les paires avaient la physique complexe élaborée de telle sorte que cette séquence de mouvements se déroulait de manière transparente.
Une section de fin a remis l'ensemble en marche, des variations dansantes sur une phrase convaincante comprenant un saut avec les genoux pliés progressant dans un virage avec une jambe allongée longue et basse, des lignes et des spirales se mélangeant agréablement mais étonnamment distinctes. Tout au long, la partition (de Kevin Keller) a ajouté un drame supplémentaire au sens de la spirale de l'œuvre et à l'atmosphère émotionnelle des sections ensemble, duo et quatuor. Ce drame au début ne m’a pas attrapé, je n’en ai pas bien compris les enjeux. Pourtant, vers la fin, j'ai soudainement compris le drame puissant - l'expérience unique de deux en quatre personnes se déroulant pendant que le monde autour d'eux tourne, toutes les personnes qui les entourent avec leurs propres histoires, les rues remplies de joies et de chagrins qui sont invisibles pour nous. oeil nu. D'une manière ou d'une autre, avec un million de choix additionnés, deux personnes et deux groupes de deux personnes se sont réunis parmi des milliards d'autres humains tout comme eux.
La lumière s'est soudainement coupée pour terminer la pièce, et quelque chose en moi voulait une fin douce pour permettre au drame de boucler la boucle et de se nouer dans un emballage soigné. Pourtant, le découpage a rapidement souligné de manière prémonitoire comment de telles histoires se déroulant en plus de millions d'autres histoires sur cette terre continueront aussi longtemps que cette terre tournera et que nous y vivons. Le site Web d’IMC incluait cette citation poétique ainsi que des informations sur le programme sur le site: «la terre s'est tournée pour nous rapprocher, elle a tourné sur elle-même et en nous, et nous a finalement réunis dans ce rêve…». Cette métaphore et cette histoire significatives nous sont accessibles à travers l'art. Les compagnies de danse comme IMC font leur part pour s'assurer que même si nous nous éloignons physiquement, nous continuons d'y avoir accès.
Par Kathryn Boland de La danse informe.
