Addie Tapp et Boston Ballet dans «Giselle». Photo de Rosalie O'Connor, gracieuseté du Boston Ballet. Boston Opera House, Boston, Massachusetts.
19 septembre 2019.
Les rideaux se sont levés lors de la première représentation de Giselle le 28 juin 1841, au Ballet de l'Opéra de Paris. Ceux qui dansaient ou assistaient savaient peut-être que le ballet pouvait être quelque chose de grand, mais ils ne pouvaient pas savoir qu'il brillerait à travers les siècles comme il l'a fait - devenant vraisemblablement l'œuvre romantique par excellence dans le canon du ballet. On peut soutenir que lorsque les amateurs de danse pensent au ballet romantique, ils pensent Giselle .
Le Boston Ballet a ouvert sa saison 2019-2020, nouvelle liste de danseurs en place, avec le classique. La chorégraphie était d'après Jean Coralli, Jules Perrot et Marius Petipa, et l'œuvre a été adaptée par Larissa Ponomarenko. L’esthétique et la danse ont honoré la vérité de l’origine classique de l’œuvre tout en se mêlant à une sensibilité moderne à travers des aspects techniques et esthétiques.
L'ouverture de début (d'Adolphe Adam, dirigée par Mischa Santora) avait un élément léger et aérien, mais aussi une ligne d'harmonie plunky qui était ancrée. Le rideau s'est levé sur un décor (conçu par Peter Farmer) d'un village classique qui était coloré dans des tons de terre et une touche spartiate, mais aussi avec des détails créant du réalisme. Les villageois se promenaient et Giselle (Viktorina Kapitonova) se leva d'un siège pour se précipiter également à la vue d'un jeune homme à la cape rouge - le comte Albrecht déguisé en paysan Loys (Patrick Yocum).
Boston Ballet dans «Giselle». Photo de Rosalie O’Connor, gracieuseté du Boston Ballet.
danse de banc de mur de travis
Giselle a d'abord joué timidement mais s'est ensuite soumise à sa gravité. Ils ont dansé, avec et pour l'autre - un comportement déférent et poli. Kapitonova a dansé avec une qualité efficace sans hâte et une aisance paisible, et Yocum avec une manière agréablement discrète qui a laissé le mouvement parler de lui-même. Il y avait un petit élément de la poursuite, Albrecht suivant les sauts de jeté de Giselle en cercle autour de la scène. Le drame construit lorsque Hilarion (Paul Craig), un garde-chasse du village également amoureux de Giselle, est entré. Ainsi commença un triangle amoureux qui allait conduire l'intrigue tragique du ballet. Craig s'est déplacé avec une force et une assurance qui ont rendu son personnage très réel et convaincant.
L’ambiance s’est allégée avec les amis de Giselle qui entraient et dansaient joyeusement. Techniquement parlant, le mouvement a été simplifié de telle sorte que la façon dont la technique du ballet a progressé au cours des siècles était claire pour moi. Pourtant, le corps du Boston Ballet l'a dansé avec conviction et finition, et les formations de groupe étaient visuellement assez agréables, donc j'étais très satisfait. Dans un ensemble mémorable de formations, les lignes se sont déplacées pour valser en cercle - bouclant Albrecht (toujours déguisé en Loys) avec le groupe de jeunes femmes. Des moments comme celui-ci ont commencé à créer une dynamique sociale et un humour agréable.
L'ambiance est passée de joyeuse à mystérieuse, souvent dépendante des actions de ceux du triangle amoureux - Albrecht, Hilarion et Giselle. Parmi les autres personnages figuraient la noblesse et la mère de Giselle, Berthe (artiste invitée Elizabeth Olds), contribuant à créer un sentiment authentique de communauté villageoise. Comme le décor, les costumes (également conçus par Farmer) avaient suffisamment de détails pour se sentir réalistes, mais se sont arrêtés à l'écart du spectacle superflu moins peut être plus, ont-ils démontré.
Une séquence de danse clé était le pas de deux paysan, dansé par Ji Young Chae et Tigran Mkrtchyan. La qualité du mouvement et la chorégraphie allient à merveille ancrage et effervescence. Chae a dansé avec une finition douce mais claire à son mouvement, et Mkrtchyan avec une facilité et une agilité dans des mouvements rapides comme un papillon flottant. Les amis de Giselle sont revenus danser joyeusement, renforçant la sensation de fête. Ils ont dansé des lignes de petit allégroïne rapides, douces et légères, puis se sont dispersés pour se mêler à leur public, les villageois. L'élégante simplicité caractérisait tout cela.
Cette atmosphère joyeuse ne durera cependant pas, Giselle découvrant la véritable identité de Loys. Elle traversa la scène comme prise par un sort de folie, son ancienne grâce disparue - trébuchant, tombant sur le côté, convulsant et tombant au sol. Elle portait une épée, avec laquelle il fallait dissuader de se suicider. Son corps épuisé et son cœur brisé ont fini par céder, et elle est morte. Le rideau est tombé et l'acte I était complet.
L'acte II a eu lieu dans une forêt brumeuse, la maison des Willis - esprits des femmes trahies. Dirigés par leur reine Myrtha (Dawn Atkins), ils forceraient tout homme entrant dans leur domaine de minuit à six heures du matin à danser jusqu'à leur mort. L'ensemble de Farmer a été réduit, avec juste la bonne quantité de détails convaincants, dans cet acte également. L'éclairage (conçu par Brandon Stirling Baker) a créé un sens mystérieux et d'un autre monde. Albrecht a traversé, semblant chercher, et a vu Giselle avant qu'elle ne soit initiée en tant que Willi. Elle avait une qualité douce mais décisive dans son mouvement, faisant le tour de la scène à petits sauts.
Albrecht sortit et Hilarion entra bientôt. Les Willis étaient prêts à le faire danser jusqu'à sa mort! Comme dans le premier acte, le vocabulaire de la mise en scène et du mouvement était simple mais aussi intrigant et unique. Les cercles de Willis au centre de la scène se déplaçaient en lignes, inclinées ou droites, sur le côté - ouvrant la voie aux duos et aux solos (des principaux acteurs de Myrtha, Giselle et Hilarion qui entreraient également).
Boston Ballet dans «Giselle». Photo de Rosalie O’Connor, gracieuseté du Boston Ballet.
Les bras en forme de cercle au-dessus de la tête, cinquième en haut, se sont décentrés et les poignets se sont croisés alors que le Wilis tournait en pointe. Ce motif de mouvement était visuellement satisfaisant et apportait un sens de l'autre-monde, du tragique, du fantomatique. Le bleu de l'éclairage, le brouillard qui coule à travers et les ombres des branches d'arbres épineux et des branches qui le traversent, ajoutent à cette sensation éthérée. Des moments de maintien en mouvement, comme Willis tenant des arabesques, permettaient à la lumière de frapper et aux ombres de tomber de telle sorte que ce sentiment fantomatique était d'autant plus clair. C'était une vraie simplicité classique.
Le travail en partenariat, mais avec cette franchise classique, a eu des éclaboussures du plus original et du plus moderne en un moment mémorable. Albrecht a tourné Giselle alors qu'elle tenait son corps horizontalement, les bras dans ce cinquième en haut, par exemple. Yocum apportait toujours cette clarté effectivement sous-estimée, et Kapitonova apportait toujours cette qualité sans hâte - qui se sentait encore plus habilement fidèle au personnage dans cet acte. Le drame s'est construit et leurs personnages sont restés fidèles.
Le Willis s'est rapproché, dansant plus vite et plus frénétiquement - traversant les lignes au centre de la scène et dans de nouvelles formations à un moment donné, par exemple - l'action tout en étant dynamique.
Albrecht presque fatalement épuisé par les Willis le faisant danser pendant des heures, Giselle l'aida à se lever. Les créatures de la nuit dansaient derrière les deux, à genoux et leurs torses et leurs bras se déplaçant d'avant en arrière - unis et clairs. Alors que le soleil commençait à se lever et que les Wilis perdaient leur pouvoir, Giselle fut libérée de leur emprise parce que son amour transcendait la mort. Albrecht a été laissé sous les projecteurs pour réfléchir à tout ce qui venait de se passer. Un homme seul dans ses pensées - une occurrence simple et classique en effet. Un ballet romantique par excellence tel que Giselle , présenté avec l'ingéniosité et l'excellence générale d'une compagnie comme le Boston Ballet, peut nous rappeler la valeur d'une telle simplicité classique.
Par Kathryn Boland de La danse informe.
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