«Danse +». Photo par Anna Hull. 27 septembre 2019.
Center for Performance Research, Brooklyn, NY.
Un artiste de danse astucieux que j'ai interviewé une fois a discuté de la création de «points d'accès empathiques» pour tous les types de spectateurs - des choses et des façons de les présenter, avec lesquelles tout le monde peut trouver un point de relation. Amanda + James Danse + utilisé des éléments de mouvement, de parole, de musique et de théâtre pour offrir aux membres du public ces points d'accès. Cet accès portait sur des émotions variées, certaines profondes, personnelles et difficiles, mais se présentaient de manière universelle plutôt qu'insulaire. Créer et jouer avec ouverture à la vulnérabilité personnelle semblait être à l'origine de ce partage sans entrave. Amanda + James est un «environnement ouvert pour la collaboration interdisciplinaire [et] suscitant des conversations entre des artistes émergents dans un éventail aussi large que possible de disciplines artistiques, encourageant des perspectives multiformes tout au long du processus de création.»
À ma place , chorégraphié et interprété par Kristi Cole, a donné le ton à ce partage vulnérable. Elle a commencé à s'asseoir sur une bâche en plastique, se déplaçant d'avant en arrière à travers son torse, exprimant un malaise. Le choix du plastique m'a fait penser à l'artificialité - de manière significative, apparemment, non pas à l'interprète mais à son environnement. Cole était éclairé, mais pas tout à fait brillamment, contribuant à une atmosphère mystérieuse et inquiétante. Elle portait du blanc et du blanc cassé, quelque chose avec de multiples possibilités d'interprétation - la pureté ou une ardoise vierge ouverte pour le remplissage, par exemple. Elle étendit ses jambes mais resta basse, se déplaçant autour de la bâche carrée selon un motif carré - agile et résolue mais toujours inquiète.
À côté d'elle se trouvait un seau d'eau, et elle plongea toute sa tête dedans, haletant en le retirant, retournant ses cheveux mouillés en arrière.
Bryton Myler
Dans ses notes de programme, Cole a fait référence à «l'utilisation de son expérience de femme queer pour enquêter physiquement… .le désir humain universel d'occuper un espace égal, et donc une valeur égale dans le monde». La sensation physique impliquée avec la tête plongée dans l'eau - entourée, incapable de respirer, paniquée - s'aligne avec ce sentiment de devoir se demander combien d'espace on est autorisé à prendre dans le monde, il peut y avoir une anxiété primitive basée sur le corps avec la peur pour son bien-être - et même son existence - dans un tel état de marginalisation. Cole a tangibilisé ce sentiment, dans la performance du mouvement, de manière assez viscérale et mémorable.
Bientôt, Cole se leva et se déplaça dans la pièce - selon un chemin circulaire en douceur, évoquant un sentiment d'harmonie. Pourtant, son mouvement, au niveau kinésphérique (du corps), montrait encore quelque chose d'institué. Cette combinaison de qualités m'a fait penser au nombre de personnes dans le monde qui semblent bien adaptées et fonctionnelles, mais dans leur esprit et / ou dans leurs moments les plus personnels, elles souffrent et luttent. Locomoteur autour de l'espace de la scène, Cole a exécuté des mouvements virtuoses, tels qu'un saut puissant et un virage en tonneau frappant, qui m'a donné envie de voir plus de ce que son corps pouvait faire. Pourtant, j'étais également conscient que davantage de prouesses de haut vol pouvaient nuire à l'émotion et au message puissants que Cole devait partager.
La partition, 'Memory Board' de Rachel's, est passée à 'Our Day Will Come' d'Amy Winehouse. Cole bougeait avec plus de force et un nouveau sentiment de confiance - mais, toujours, un air d'agitation. La chanson se termina et elle retourna à la bâche en plastique. Elle se mit à pleurer, à hurler même, la tête dans les mains. Ce choix ressemblait à un renversement aigu de la norme de résolution de la «fin heureuse» dans l'art narratif - une conviction et une affirmation que parfois les choses ne se terminent pas bien.
Une telle révélation audacieuse de la vérité n'est pas nécessairement facile à vivre pour n'importe quel membre de l'auditoire, en particulier pour ceux qui ont connu de graves problèmes de santé mentale ou qui ont des proches qui en ont. Je me suis demandé si un avertissement de déclenchement était en ordre. Pourtant, venant d'un lieu de privilège hétéronormatif, j'arrive aussi à cette question avec humilité, désir d'écoute et déférence envers Cole en tant qu'artiste autonome. J'apprécie profondément son habileté à façonner l'art nous laissant entrer dans son monde et ses luttes, avec une telle ouverture à la vulnérabilité.
wiki de scott rogowsky
Ensuite (avant l'entracte) est venu le NeurHOTics » MIEUX , une œuvre pleine d'humour léger et théâtral ainsi que la vulnérabilité à partager une douleur plus profonde. Le duo, Sara Campia et Abby Price, «étudie où l'anxiété paralysante rencontre un comportement sexuel inutile.» Ils sont venus sur les plaisanteries, le putter et le nettoyage des accessoires et des zones humides du travail de Cole. Ils portaient des costumes quelque peu révélateurs, mais rien de désagréable - les estomacs exposés et les shorts courts. Leurs costumes se sentaient alignés avec leurs personnages humoristiques et l’orientation de leur entreprise.
Soudain, ils se sont rendu compte qu'il était temps de jouer, même s'ils n'avaient pas «eu le temps de s'entraîner… mais d'accord, nous pouvons le faire, nous sommes des professionnels» - l'anxiété dans leur voix et leur corps reste cependant apparente. C'était un type d'anxiété qui peut faire rire, et le public a ri. De la musique de type «Pump-up», «pop» est apparue et ils ont dansé. C'était une danse de style compétition / cheer / pom, exécutée d'une manière qui a fait rire le public encore plus fort. Ils ont donné des coups de pied haut, des hanches pivotantes et se sont tournés avec des préparatifs évidents (apportant un peu d'humour spécifique au danseur, quelque chose de «méta», si vous voulez). Tout cela était intentionnellement et effectivement humoristique - même si une insécurité et une anxiété plus profondes étaient évidentes.
Ce qui semblait efficace dans cette approche était un emballage agréable de quelque chose de plus difficile à intégrer, mais néanmoins une illustration importante. Bientôt, on a sorti un gâteau - oui, un vrai gâteau comestible - et a offert des morceaux au public («quelqu'un veut du gâteau?»). Cette section a approfondi cette approche d'une présentation agréable de quelque chose de plus dur et de plus profond. Les membres du public ont ri plus fort que d'accepter des morceaux.
Sharon Wehner
Il y a eu une «rupture du quatrième mur», un engagement direct avec les membres du public, ici - de plus, un engagement qui a remis en question le décorum traditionnel et les normes autour de l'étiquette du public. ('Pouvons-nous accepter un gâteau? Sommes-nous autorisés à manger ici? Est-ce qu'ils distribuent vraiment du gâteau?', Se sont probablement demandé certains membres du public.) pleurer (tous livrés avec humour).
L'insécurité sociale ici était claire et poignante, même si elle a été livrée d'une manière qui a fait rire le public. L'ouverture à la vulnérabilité à l'origine de ce partage était également évidente, et je trouve ce que je trouve louable. Pour finir, ils se sont enfoncés un gâteau au visage et se sont jetés l'un à l'autre - combat de nourriture! Le contraste frappant avec la pièce précédente, le solo de Cole, intriguait les œuvres étaient à la fois pleines de vulnérabilité et de profondeur, mais étaient livrées si différemment (en termes d'humeur, d'atmosphère, de rythme et d'esthétique). Chacun avait sa propre valeur, enracinée dans un partage émotionnel vulnérable.
Amanda Hameline 26 juin 2009 a clôturé la nuit, une œuvre poignante utilisant le mouvement, la parole et la musique pour se plonger dans les luttes contre les troubles de l'alimentation, l'image corporelle et l'image publique. Pour commencer, Hameline avança en talons hauts, short court et ventre nu - démontrant un haut niveau de confiance en l'image corporelle. Pourtant, plus tard, s'accroupir, se cacher et essayer de faire en sorte que des vêtements de rechange la recouvrent davantage, démentait cette confiance. Le texte qu'elle a parlé décrit la boulimie et les réactions (déchirantes) imprudentes à son comportement (vraisemblablement d'un ami ou d'un membre de sa famille), ainsi que des souvenirs du traitement des troubles de l'alimentation.
La performance, comme le travail de Cole, n’a pas réussi à enrober quelque chose de difficile - mais peut-être que «le sucre» (peut-être avec du vrai gâteau) pourrait faciliter les choses pour certains membres du public. Quoi qu'il en soit, la volonté d'être vulnérable est ce qui alimente un tel partage honnête. Ces artistes avaient cela ainsi qu'une capacité à façonner ce qu'ils présentaient en quelque chose d'esthétique agréable ou convaincant. Concept, bonne attitude et facilité technique - le grand art prend tout. Tout était exposé lors de cette édition d'Amanda + James Danse + .
amérindiens qui dansent
Par Kathryn Boland de La danse informe.
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