Projet 31 «À travers cet objectif». Photo par Olivia Blaisdell. Théâtre de danse de l'Université de Boston, Boston, Massachusetts.
23 juin 2018.
Le corps ne ment jamais, aurait déclaré Martha Graham. De très nombreux danseurs au fil des ans ont travaillé sur les questions sociopolitiques de l’époque, étant donné la capacité de la danse à décrire et à exposer la vérité brute. Pourtant, le projet 31 À travers cet objectif utilisé la danse pour parler de quelque chose d'encore plus élémentaire et humain - nos relations avec les autres et avec nous-mêmes dans le contexte de la relation avec les autres. Le résultat a été de nombreuses œuvres frappantes et uniques. La société est dirigée par le directeur artistique et fondateur Kenzie Finn.
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«À travers cet objectif» du projet 31. Photo par Olivia Blaisdell.
Les originaux, chorégraphié par Finn avec Noelle Santora et Kate McShea, a terminé cinquième du spectacle. Le vocabulaire de la danse jazz classique avait une saveur athlétique et brute. Les changements de balle croisée se sont transformés en tours de crayon, atterrissant dans des fentes profondes. Les torses serpentaient et roulaient à l'horizontale et à la verticale. Ce mouvement était inventif et convaincant. Une partie de moi voulait ces mêmes qualités dans les formations.
Les regroupements de «boîtes à fenêtres» (dans lesquels les lignes décalent d'un côté à l'autre de sorte qu'il y ait des fenêtres à travers lesquelles les danseurs plus loin dans la scène peuvent être vus) et d'autres lignes droites ont offert de la clarté et ont assuré que tous les membres de l'ensemble étaient visibles. Pourtant, j'avais envie de quelque chose de plus original et audacieux. Ce qui correspond le mieux au mouvement et contribue à l’atmosphère de la pièce, ce sont les costumes noirs et les éclairages rouges (conçus par Kayleigha Zawacki).
Les danseurs respiraient la confiance, l'audace et la maîtrise. Grâce à des mouvements physiquement exigeants et rapides, ils n'ont montré aucun signe de fatigue. Chacune était sa propre personne, et toutes ces personnes s'harmonisaient au sein du groupe. Le mouvement Unison était juste au point, et leurs lignes / formes étaient esthétiquement similaires, de sorte qu'aucune ne ressortait. Ils ont commencé à marcher, un par un, légèrement stylisés mais en réalité tout simplement en mouvement comme eux-mêmes. Parce qu'ils étaient tous «originaux», et bougeaient dans leur propre vérité, cela avait été plus que suffisant. Ils pouvaient sortir en toute confiance.
«À travers cet objectif» du projet 31. Photo par Olivia Blaisdell.
Histoires , juste avant l'entracte et également chorégraphiée par Finn, était le genre de travail qui peut vraiment faire réfléchir les membres du public longtemps après l'avoir vu, l'œuvre a non seulement exposé un récit culturel répandu, mais a interrogé davantage l'existence et la puissance mêmes de ce genre de récits. Les danseurs sont entrés en lignes depuis les ailes, sur les côtés alternés de sorte qu'ils se croisent en venant au centre de la scène.
Les formations et la mise en scène impliquaient des parties performatives et visuelles de la vie dans la société moderne, certaines dansaient sur des tables, certaines dans un espace diagonal clair au centre de la scène, tandis que d'autres s'assoyaient et les regardaient. Le jeu de jambes et les extensions étaient précis et complexes, correspondant à ce sens performatif. Des costumes avec des vêtements stéréotypés de femmes au foyer, d'hommes d'affaires ou d'adolescents renforçaient tout cela. En contraste avec ce sens de la performance et de la définition de soi de la société, il y avait des ondulations et des rouleaux de la colonne vertébrale - représentant une partie plus fondamentale et primordiale de l'être humain.
«À travers cet objectif» du projet 31. Photo par Olivia Blaisdell.
Ces mouvements témoignaient d'une partie de ces personnages qui voulaient se jeter et échapper au système dans lequel ils se trouvaient. Ajoutant un sentiment d'isolement à cela, il y avait une section suivante dans laquelle différents danseurs et groupes de danseurs étaient chacun éclairés, déplaçant un phrasé similaire mais dans des qualités de synchronisation et de mouvement individuelles. Ils sont revenus ensemble pour danser et terminer la pièce. L'individu et le collectif, et la façon dont l'individu se conforme au collectif comme la société moderne moderne l'a contraint, ont été mis en évidence dans cette œuvre forte et frappante.
Enfant avec le blues, de Sasso and Company , a terminé deuxième après l'entracte et chorégraphié par Lacey Sasso et Colleen Roddy. Sasso et Roddy ont également dansé la pièce. Tout comme la musique blues, elle offrait un sentiment de tristesse et de désespoir - mais en même temps sa propre beauté unique. Un danseur a commencé à bouger sur le sol alors que les lumières montaient. Alors qu'elle s'élevait vers un espace plus élevé, un autre danseur la rejoignit depuis les ailes. Ils se déplaçaient en diagonale - tournant, se déplaçant haut, se déplaçant bas. L'éclairage était dans une teinte bleu-violet séduisante et les costumes sombres assortis.
Bientôt est venu des partenariats captivants, apparemment inspirés par l'improvisation de contact. Certains ascenseurs sont entrés et sortis du contact, et d'autres ont persisté. Dans un ascenseur, par exemple, les dos des deux danseurs se sont rencontrés pour se déplacer dans un ascenseur avec une jambe pliée et l’autre droite. Ce qui les différenciait des ascenseurs couramment observés, c'était cette qualité continue mais lente, se déplaçant à travers eux comme de la mélasse. Un soutien littéral s'est produit et un soutien métaphorique a été transmis. Tout comme pour ce mouvement, ce soutien est parfois momentané et parfois plus soutenu.
«À travers cet objectif» du projet 31. Photo par Olivia Blaisdell.
Cette structure de mouvement parfois rapide, parfois plus lente était présente dans l'ensemble de la pièce. Par exemple, un phrasé rapide contrastant était une belle phrase qui consistait à amener lentement un bras vers l'avant, le haut et l'arrière pour ensuite maintenir le bras en arrière avec les talons en arc forcé - qui fondaient ensuite lentement. Pour terminer le travail, ils ont dansé l'un vers l'autre et se sont étreints, comme seuls de vrais amis le peuvent vraiment - rien de retenu, le tout offert avec amour et soutien. Ce travail incarnait comment à travers le «blues», le désespoir et les épreuves sans fin, les amis sont là pour alléger le fardeau.
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Dans le cadre , également chorégraphié par Finn, a terminé la soirée (à part la Finale, qui a ramené tous les danseurs sur scène). Les plus frappants étaient les costumes, les uniformes noirs avec une jambe blanche et une cagoule / masque blanc. Le phrasé du mouvement, ainsi que la qualité avec laquelle il a été livré, se trouvaient non loin derrière, sur une échelle mémorable. Les mouvements de la colonne vertébrale (y compris le cou et la tête), ainsi que davantage de mouvements des piétons remplis d'intention, offraient beaucoup de nuances.
Ce mouvement piétonnier reliait des agrafes plus techniques - y compris des virages, des sauts et des extensions basses (semblant être plus une question de continuité énergétique que de hauteur). Les formations ont continué à changer, compte tenu de ces étapes de connexion pour les piétons - marcher, courir, aller plus loin pour fendre. La nuance est venue à travers ces formations ainsi que de nombreuses formes et images à découvrir au fur et à mesure que les formations se déplaçaient. Il y avait aussi des moments d'immobilité, apportant une nuance supplémentaire en contraste avec la sensation par ailleurs continue du mouvement.
«À travers cet objectif» du projet 31. Photo par Olivia Blaisdell.
Le costume apportait une sensation d'arlequin, mais aussi celle d'un sujet de dans un tableau - avec aussi le titre Dans ce cadre . On pourrait tirer une ligne de ces personnages vers des questions philosophiques profondes, telles que la nature de l'art et les danseurs en tant que sujets et instruments de l'art de la danse. Il n'y avait pas une quantité significative d'interaction entre les danseurs en tant que personnes autonomes et sensibles - ils étaient plus mécaniques. D'un autre côté, l'énergie des danseurs réunis sur scène parlait aux gens qui bougeaient ensemble dans le monde.
Les lumières s'éteignirent et je mâchais encore ces questions d'art et de personnes ensemble dans l'espace. Pour moi, soulever les questions - mais s'arrêter avant de prêcher des réponses normatives - est un accomplissement d'un art vraiment significatif. Cette description s’appliquait à une grande partie du travail esthétique et conceptuellement astucieux du projet 31. À travers cet objectif. J'ai quitté le théâtre en train de mâcher de grandes questions dans mon esprit. Souvenons-nous de la capacité de l’art à y parvenir et félicitons l’art qui le fait.
Par Kathryn Boland de La danse informe.
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