Théâtre de danse américain Alvin Ailey. Photo par Andrew Eccles. Centre de New York, New York, NY.
6 décembre 2019.
L'art de la danse sophistiqué et réfléchi - et la programmation de sa présentation - peuvent emmener les membres du public à travers diverses humeurs, atmosphères et même mondes en une seule nuit de danse. Le programme d’automne du Alvin Ailey American Dance Theatre au New York City Center, un programme à trois billets, était un art et une programmation de danse. À travers une chorégraphie, un concept et un design habiles, il a souligné comment la société - et la culture et l'histoire afro-américaines en particulier - détient à la fois la célébration et le deuil, la joie et les résonances du traumatisme. En à peine deux heures d'art de la danse, je me suis sentie revitalisée, attristée, intriguée, envoûtée et plus encore.
industrie de la danse
La première œuvre, Alvin Aliey's Créature de la nuit (1974), ressemblait à une version jazzée du «ballet de rêve» hollywoodien (de ses «beaux jours» d'autrefois). Le vocabulaire du mouvement est passé du ballétique à celui du jazz classique en passant par celui de la danse moderne du XXe siècle. Certains moments suintaient, comme l'approfondissement dans un pli ou l'extension à travers une jambe. D'autres ont éclaté, comme les mains venant aux hanches et les hanches s'articulant. De petits sauts et sauts ballétiques ont ajouté un cadrage classique d'organisation à toute l'action. Il y avait aussi un bourdonnement constant de haute énergie et d'action - des formations qui changeaient rapidement, des changements de partenariat, une variation de la vitesse du mouvement. Le résultat de ces composants a été une multiplicité qui m'a attiré. Parfois, cependant, je voulais voir certains moments s'attarder davantage - pour vraiment profiter de leur saveur et de leur sensation.
D'un autre côté, la façon dont les groupes se déplaçaient et changeaient m'intriguait sur le plan conceptuel, c'était comme si le travail mettait en lumière différents groupes au sein d'un plus grand groupe réuni pour s'amuser la nuit (comme le titre, la musique jazz et l'élégance des costumes me conduiraient penser). Dans un cadre social plus large, il y a de nombreuses petites rencontres sociales qui se déroulent - blagues, drames, flirt, etc. Comme c'est intéressant et agréable de voir cela se jouer dans la chorégraphie!
Les costumes étaient d'un blanc cassé et d'un bleu, leurs paillettes étincelantes également brillantes et lointaines (recréées par Barbara Forbes). La partition, de Duke Ellington, avait une qualité brillante et vivante qui soutenait cette qualité dans le reste du travail. Des éléments de jazz classique ont également ajouté une sensation nostalgique réconfortante. Tout cela était joyeux et vivant. Le travail m'a rappelé que même dans les temps troublés, ceux du passé et du présent, l'art comme catharsis et diversion a sa place et son but sincères et importants. Il peut faire briller une lumière à travers les ténèbres et nous rappeler la merveille de cette lumière.
Suivant Créature de la nuit était le duo de Robert Battle Sa (2008, première Ailey 2016). Renaldo Maurice et Chalvar Monteiro ont dansé l'œuvre avec habileté et joie. Le travail présentait de nombreux éléments de la voix chorégraphique du directeur artistique - tels que des mouvements rapides et des gestes alignés sur des rythmes musicaux - tout en offrant une nouvelle ambiance et une nouvelle atmosphère.
Les deux hommes se sont déplacés avec les tons aux multiples facettes de la voix d'Ella Fitzgerald, en chantant des chœurs et d'autres parties caractéristiques de chansons classiques. Dans les creux, les trilles et les passages des vocalisations incomparables de Fitzgerald, les partenaires du duo ont trouvé des gestes uniques, des modifications de la technique classique et des minutages. Leurs costumes bordeaux et noirs, scintillants et pointus, ajoutaient encore plus d'élégance à tout cela (conçu par Jon Taylor) - auquel la présence chic des danseurs s'alignait pleinement.
Je me suis demandé si un peu moins d'unisson ferait varier le travail davantage les partenaires du duo se sont déplacés dans une synchronicité totale pour la plupart du travail. Il y avait un moment séduisant et mémorable où l'un dansait se penchait plus près de l'autre, se séparait un peu dans l'espace, et l'autre se penchait - un peu de «poursuite», si vous voulez, et de jouer avec «l'espace négatif» (le spatial et royaume énergétique sur scène où les danseurs n'étaient pas). Plus tard, j'ai vérifié ma propre réaction ici pour me demander s'il s'agissait d'une réponse plus théorique et académique qu'une de mes expériences authentiques du travail. En vérité, le travail m'a attiré et m'a fait sourire - parfois même rire.
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La brièveté de l’ouvrage était également rafraîchissante. À la fin, je me suis dit «juste assez». Également d'une qualité très énergique, le travail a vraiment emballé un coup de poing et laissé une impression. Pour terminer, les danseurs se sont effondrés en forme de «x» sur la scène, immobiles alors que la musique continuait à jouer pendant un moment avant de s'atténuer. Ce choix a ajouté une qualité de synchronisation différente. J'ai aussi ri de voir cette incarnation extrême de leur épuisement (qui, si elle était authentique, serait compréhensible - l'exécution du travail semblait exiger des tonnes d'énergie physique, mentale et spirituelle).
Puis vint celui de Donald Byrd Greenwood (2019), nous amenant dans un monde, une atmosphère et une humeur totalement différents. Dès le début du travail, les effets de fumée et d’éclairage vert qui s’accompagnent ont donné le sentiment que quelque chose ne va pas. L'éclairage rouge à d'autres endroits a apporté une sensation d'intensité (éclairage par Jack Mehler). Un groupe portait des vêtements quelque peu démodés (des années 1920, apparemment) et dansait ensemble en harmonie - plein d'espoir mais prudent, expansif mais parfois bougeant avec plus de retenue. Bientôt, le cri d’une femme retentit dans le théâtre. Des personnages portant du chrome sont alors entrés (costumes de Doris Black). Ces personnages se déplaçaient en lignes et se rapprochaient bientôt de façon inquiétante de ceux qui dansaient ensemble en harmonie. Il y avait un étrange sentiment de routinisation et de conformité, puis quelque chose de parasite, dans la façon dont ils se déplaçaient.
La partition devient également atonale et inquiétante (musique d'Emmanuel Witzthum). Il semblait clair que ces personnages portant du chrome n'étaient pas là pour aider - en fait, leur objectif semblait être de nuire à ces personnages de tous les jours. Ils sont sortis par une ouverture en toile de fond. Un danseur «de tous les jours» a ensuite couru sur place, évoquant le sentiment de faire un effort important sans aller nulle part - ou peut-être de fuir une force menaçante, mais n'allant nulle part rapidement. Dans différentes variations, avec différentes parties discrètes allongées ou raccourcies et des thèmes de mouvement développés, cette séquence s'est répétée. Cette répétition a donné l'impression que la même chose se produisait encore et encore - l'histoire ne se répétait peut-être pas exactement, mais bien sûr des rimes.
Un duo qui est passé de passionné à méprisant m'a amené dans le monde de ces danseurs - de vraies personnes avec des joies et des peines, même en dehors de l'exploitation et de l'oppression que ces personnages habillés de chrome apportaient par intermittence. J'ai repensé à la discussion du programme sur Greenwood comme le «Black Wall Street» - jusqu'à ce que le ressentiment des blancs envers l'excellence afro-américaine, et une étincelle de rencontre interraciale entre deux adolescents, conduisent à un massacre racial à Greenwood. Mon cœur se serra et mon esprit se retourna dans mes méditations occasionnelles sur le privilège blanc de moi-même et de mes proches. Plus que mentalement, je se sentait ces thèmes - dans mes os et profondément dans mon âme.
J'ai réfléchi au pouvoir de l’art de nous faire plus que penser, mais vraiment ressentir. J'ai également trouvé remarquable que juste après la joie et la vivacité Créature de la nuit et Sa , un travail très différent m'a amené dans ce lieu de réflexion. L'art peut nous montrer à notre meilleur, mais aussi à nos points les plus bas. Il peut illustrer nos joies les plus profondes et nos peines les plus profondes. J'ai également pensé à cette dynamique au niveau communautaire - et en particulier au sein de la communauté afro-américaine. Avec tout ce que leur communauté a dû surmonter, les artistes noirs ont indéniablement été des leaders dans l'art et la culture nationaux et internationaux - et Alvin Ailey American Dance Theatre est à l'avant-garde de ce leadership. Brava et sincère gratitude à ces artistes pour leur leadership.
Par Kathryn Boland de La danse informe.
