«Qu'est-ce que l'amour?» De OnStage Dance Company. Photo par Andres Calderon / Fama Films. OnStage Dance Company, Malden, Massachusetts.
12 juillet 2019.
Les bons écrivains écrivent sur ce qu'ils savent, dit un vieil aphorisme. Cela vaut-il également pour les chorégraphes? L'art de la danse le plus efficace vient-il d'une source d'expérience personnelle? Ce n’est peut-être pas une question à laquelle nous pouvons répondre scientifiquement, mais Jennifer Kuhnberg Qu'est-ce que l'amour? a montré que l'expérience personnelle peut en effet engendrer un art de la danse puissant.
Kuhnberg, fondatrice et directrice artistique de OnStage Dance Company, a chorégraphié le programme à partir de son expérience de femme lesbienne. Les concepts étaient captivants et les performances pleinement investies. Deux choses en particulier ressortaient de l’œuvre chorégraphique de Kuhnberg: une forte musicalité et un vocabulaire mouvementé frais. Des choix intelligents et uniques dans ces domaines et dans d'autres étaient évidents dès la première pièce, «Astronaut».
Les danseurs ont commencé la pièce à l'arrière de la maison, le plus loin possible du public, comme collée au mur. Les lumières étaient basses et en rouge et bleu (conception d'éclairage par Jason Ries). Toutes ces choses combinées, j'ai ressenti un air de mystère. Aussitôt, les danseurs ont couru vers le public et se sont étendus à travers l'espace scénique. Ils ont dansé leur propre mouvement, mais tous bougeaient avec une énergie frénétique à la hauteur de la partition («Astronaut» d'Amanda Palmer). Les danseurs se sont installés en formation en lignes et se sont déplacés à l'unisson, créant un contraste saisissant avec ce qui venait juste avant.
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«What Is Love?» De OnStage Dance Company. Photo par Andres Calderon / Fama Films.
La façon dont les lumières bleues sur le côté de la scène éclairaient les danseurs alors qu'ils se déplaçaient était également dramatique de manière satisfaisante. Le mouvement à l'unisson s'est déplacé plus près du sol et est revenu à cette qualité frénétique. Kuhnberg rencontrait une pléthore de façons différentes dont le groupe pouvait se déplacer - en qualité, dans l'espace, en relation avec la musique. Le mouvement semblait transmettre la force et la détermination, même un sentiment de combat - pieds fléchis, genoux levés, bras frappés vers le bas. Le mouvement dans son ensemble avait un mélange unique et convaincant de cercle et d'angle dans sa forme.
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Une alternance supplémentaire entre l'unisson et le mouvement individuel a rempli le reste de la structure de la pièce, y compris également un partenariat frappant. Pour terminer la pièce, les danseurs sont retournés au mur du fond, y restant apparemment collés comme ils l'étaient au début de la pièce. Cette structure parlait de trouver la liberté, mais ensuite de revenir à l'enfermement, en plus d'être un choix créatif tout simplement unique et intrigant.
«Jeunesse» est venu deux numéros plus tard. Comme beaucoup d'autres morceaux du programme, il a utilisé la voix off comme un moyen poétiquement concis pour renforcer le thème et le sens. Les danseurs ont traversé l'espace alors que la voix off de la conférence TEDxUSD de Tiffany Graham citait les conditions alarmantes des jeunes sans-abri LGBT. Ils portaient tous des sacs à dos et certains portaient des capuchons à capuche. Une atmosphère rude et brute était évidente dès le début.
Bientôt, la musique («Youth» by Daughter) a remplacé la voix off. Les danseurs se sont déplacés dans des «boîtes à fenêtre» (lignes décalées pour que tout puisse être vu) et ont commencé à bouger à l'unisson. L'organisation venue ici a donné une forme agréable à cette atmosphère brute, toujours présente et évocatrice. Le mouvement a frappé des accents musicaux d'une manière très satisfaisante - dans une phrase mémorable, les mains à une hanche, puis à l'autre, un bras se levant puis une jambe explosant en arrière avec un genou plié.
Les danseurs ont éclaté à l'unisson à certains moments, ce qui a donné lieu à des moments particulièrement marquants. Comme un, quelques danseurs ont soutenu une autre danseuse, l'aidant à se lever. Elle a d'abord semblé résister à l'aide. Ce choix chorégraphique en dit long sur le fait de donner et de recevoir du soutien dans les moments difficiles (pour le récepteur et donneur). Les danseurs sont repartis avec leurs sacs à dos. Il y avait un sentiment qu'ils n'avaient pas d'autre choix que de continuer, malgré les défis auxquels ils étaient confrontés. J'ai été attristé, mais aussi inspiré par la force et la résilience de ces jeunes.
«Flowers» était un solo mémorable du deuxième acte, interprété et chorégraphié en collaboration avec Marisa Cohen. La voix off a de nouveau été efficace pour transmettre le message de manière poétique. Il a transmis l'expérience de divorce d'une femme lesbienne. Le niveau d’énergie et d’attaque du mouvement de Cohen s’alignait sur les flux et reflux de la voix off. Un mouvement virtuose, tel qu'un roulement d'épaule contrôlé de manière frappante dans une scission tenue dans l'air, se fondit en moments plus sur ses émotions et le drame de tout cela.
Dans certains de ces moments plus tournés vers la théâtralité, elle étale des papiers et autres objets dans l'espace, autour de quelques tables (évoquant un espace domestique). C'était comme si elle voulait que son environnement physique reflète son environnement mental. À certains autres moments mémorables, elle s'est reposée sur l'une des tables, comme si sa lutte mentale et émotionnelle lui faisait trop supporter son propre poids. Dans l'ensemble, le travail a montré comment la théâtralité et le mouvement complexe peuvent s'associer pour créer quelque chose de vraiment significatif.
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«Je suis ici» était frappant sur le plan conceptuel. Trois danseuses - Sarah Drinkwater, Teresa Farella et Alice Rufo) - habillées et déshabillées, chacune avec son propre miroir. Il illustrait des femmes aux prises avec leur image corporelle tout en voulant être vues pour plus que leur apparence. La présence de ce thème dans ce programme particulier a souligné comment les femmes lesbiennes partagent les triomphes et les luttes des femmes en général.
«Kissing You» est allé encore plus loin, illustrant la dynamique d'une relation lesbienne qui ressemble à celle des relations hétérosexuelles. Il semble que l’expérience de Kuhnberg lui ait permis de mettre en avant ces vérités dans ce programme. Sa voix chorégraphique unique, son utilisation intelligente de la musique et de la voix off, et l’engagement avisé de la distribution ne font que renforcer cette force. Tout s'est réuni pour offrir un produit significatif et mémorable.
De nos jours, les conversations sur l'identité et la protection des marginalisés parmi nous abondent. Les artistes ayant une expérience directement liée à ces conversations peuvent avoir un réel impact sur eux avec leur travail - en particulier un travail aussi bien fait que celui de Kuhnberg Qu'est-ce que l'amour?
Par Kathryn Boland de La danse informe.
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