Freemove Dance's '... il est temps ...'. Photo par Maria Baranova. 14eStreet Y, New York, État de New York.
22 septembre 2019.
Temps. C'est un concept assez chargé. Le mot peut déclencher le stress, l'anxiété, l'espoir, la nostalgie et un million d'autres émotions. La danse a lieu dans le temps, et dans l'espace, un chorégraphe célèbre a dit un jour: «La danse est ce qui se passe entre ici et là», et on pourrait dire que c'est toujours vrai si on la formule «entre maintenant et plus tard». Freemove Dance's… C'est l'heure… a démontré le pouvoir des humains se déplaçant sur scène, dans le temps et dans l'espace - dans leur réalité et leur cruauté - de se plonger dans l'idée du temps, aussi chargée soit-elle. Les membres de la compagnie Freemove Dance et la directrice artistique Jenn Freeman, ainsi que leurs collaborateurs musicaux et visuels, ont proposé une mise en forme convaincante de ce mouvement - ainsi que de la théâtralité - pour rendre cette exploration possible.
Les membres du public sont entrés pour voir un «pré-ensemble» de danseurs marchant selon des schémas variés, un peu lentement et avec des expressions faciales de curiosité mais aussi de malaise. Le même sentiment était dans leur voiture physique. C'était s'ils cherchaient à découvrir, mais craignaient ce qu'ils trouveraient. Avec l'annonce standard du haut-parleur avant le spectacle du théâtre rappelant aux membres du public que l'enregistrement vidéo est interdit et pour éteindre les téléphones cellulaires, nous savions que le spectacle commençait sérieusement. C'était un premier test de notre idée du temps étaient-ils en train de jouer avant le début du spectacle?
Les lumières se sont atténuées (conception d'éclairage par Philip Trevino) et les tambours se sont levés (batterie et percussions co-arrangées par Price McGuffey), tandis que les danseurs se déplaçaient dans les lignes. Le mouvement à l'unisson alterne entre le rapide et le frénétique, le plus épuré et le plus lent (comme un basculement des bras écartés sur le côté, comme la façon dont les enfants jouent à l'avion). De temps en temps, ils regardaient avec anxiété l'horloge sur le mur derrière eux - noir avec des lettres rouges, comptant à rebours à partir de soixante minutes. Le jaune de leurs costumes (conçus par Mondo Morales) contre le rouge éclatant du compte à rebours, sur la scène par ailleurs nue, a créé une esthétique convaincante.
À ce stade précoce, ils étaient unis dans l'inquiétude de ce que l'horloge continuait de montrer - et de changer ce qu'elle montrait. Ils étaient également unis dans le mouvement avec le tambour clair et accentué, se déplaçant impeccablement avec ses battements. Le tambour a commencé à ressembler à son propre caractère. Il semblait que ce tambour se prêtait à des articulations articulaires rapides en mouvement, un pop Fosse-esque d'une hanche ou un déplacement du regard remplissant une pièce. Les danseurs ont bien porté cette approche stimulante. Juste au moment où je sentais que je pouvais me lasser du mouvement parfaitement associé aux accents percussifs, le mouvement vers le silence et même l'opposition au rythme des tambours ont commencé à devenir plus importants. En tant que tel, je me demande s'il aurait pu être utile d'incorporer ces différentes relations à la musique plus tôt dans l'œuvre.
Un moment où le tambour - un gardien du temps, en vérité - a affirmé son influence a été lorsque les danseurs ont cessé de bouger lorsqu'une cymbale a cessé de jouer. Ils se regardèrent en prévision du moment où il jouerait à nouveau, et ils bougeraient à nouveau. Ainsi commença sérieusement une autre caractéristique importante du travail de Freeman - de petites vignettes théâtrales qui humanisèrent les danseurs et nous amenèrent dans leur monde psychologique et interpersonnel.
La prochaine de ces petites vignettes est venue bientôt, avec les danseurs assis dans une rangée de chaises et disant des phrases comme «est-il temps?», «Devrais-je y aller?», «Est-ce maintenant?» - soulignant à quel point la conscience des processus et des réalités temporelles régit notre discours et notre action. Anxieusement, ils se levaient de leurs chaises et se rasseyaient. Pendant tout ce temps, l'horloge a tourné vers le bas. Il m'a fallu un peu de temps pour y arriver, mais j'ai finalement été pris dans le drame de la question «que se passera-t-il quand il atteindra zéro?». Cette question deviendrait en effet une question importante.
Un autre moment mémorable a été celui où les danseurs s'entassaient. Ils laissent leur place pendant une minute ou deux, offrant aux membres du public une chance de respirer et de traiter ce qu'ils ont vu - mais pas si longtemps que leur esprit est susceptible de se détourner ailleurs. Au milieu de l'action dynamique de l'œuvre, je me demande si davantage de ces moments pour le public de digérer le contenu auraient pu être efficaces pour leur réception plus vive et plus précieuse de l'œuvre.
Un danseur est sorti de ce massif et a dansé un solo mémorable, plein de souffle mais aussi d'articulation. La physique de la façon dont le mouvement se déplaçait du point d'initiation dans son corps à ses autres parties était fascinante à expérimenter. En général, le mouvement de Freeman combinait - ainsi que juxtaposait - l'articulation des articulations avec des mouvements corporels plus larges de manière tout à fait satisfaisante. Il y avait de la clarté sans rigidité.
L'exemple de ces qualités de mouvement était une section des danseurs dans une ligne de chaises, les pieds joints et écartés et faisant des accents percutants avec leurs mains. Leur unisson était parfait et les offres multi-sensorielles alléchantes. Cette section a refait surface plusieurs fois au cours de la performance, un élément parmi d'autres qui a gardé une ligne continue cohérente à travers toutes les pièces variées (d'autres incluaient le décompte de l'horloge et le tambour).
La reprise acapella de la distribution de «Time After Time» (1983) de Cyndi Lauper semble être l’un des favoris du public. Les danseurs ont enfilé des capes à capuchon et se sont alignés au bord de la scène, éclairés par les projecteurs avec le reste de la scène sombre. Ils ont commencé à chanter et à faire des gestes, «le martelant» juste au bon niveau. On a même chanté une ligne d'harmonie en écho aiguë, provoquant des rires de joie encore plus forts de la part du public. D'autres moments humoristiques, dans ces petits moments théâtraux variés, comprenaient des danseurs réparant les costumes des uns et des autres et redressant une chaise d'où un autre danseur venait de se lever. Ces exemples ont montré comment nous nous faisons pression face à notre propre stress lié au temps.
L'ambiance passerait cependant à quelque chose de beaucoup moins humoristique et positif. Alors que l'horloge se rapprochait de minuit, les danseurs hurlaient et couraient, le chaos s'ensuivit. En fin de compte, ils sont venus se blottir au centre de la scène. Nous ne pouvions entendre que leur souffle et le tic-tac de l'horloge. 00:00:00 a frappé, et les chiffres rouges ont clignoté. Rien ne s'est vraiment passé, ce qui semblait être le point ici. Une grosse corde rouge tomba du plafond sur une scène sombre, et un à un les danseurs y montèrent. Où s'élevaient-ils au-dessus du stress du temps, n'ayant rien vu se passer quand il était épuisé? Était-il temps d'aller ou de faire autre chose?
C'est peut-être une question sans réponse - parmi les plus fructueuses que l'art puisse fournir. Questions finales répondues ou sans réponse, nous pourrions tous quitter le théâtre avec une puissante matière à réflexion. Cela semble avoir rendu le visionnage de Freemove Dance ….C'est l'heure… , outre sa cohésion esthétique et sa théâtralité agréable, une heure et demie bien dépensée. Cela pourrait nous rappeler de ne pas accorder autant d’importance à cette question même.
Par Kathryn Boland de La danse informe.
