Par Kathleen Wessel.
Professeurs, pensez à la dernière fois que quelqu'un vous a demandé: «Qu'est-ce que la danse moderne?» Votre réponse n’a probablement pas été facile, car la plupart des gens - même ceux qui l’enseignent - ne peuvent pas définir avec précision cette forme d’art en constante évolution. Une fois, j’ai entendu un membre du public expliquer à son compagnon lors d’un concert de danse à répertoire mixte: «Quand leurs pieds sont pointés, c’est du ballet. Quand ils sont flexibles, c'est moderne. » Si seulement la distinction était aussi simple.
Nous pouvons facilement identifier une définition (et il y en a beaucoup) qui est soit trop étroite, soit complètement fausse. «Libre», «moins strict ou exigeant que le ballet», «émotionnellement expressif», «interprétatif»: tout peut être prouvé incomplet ou inexact en évoquant des exemples historiques et actuels. Quiconque a survécu à un échauffement épuisant au sol basé sur les enseignements de la chorégraphe légendaire Martha Graham sait que «fluide» et «lâche» ne faisaient pas partie de son vocabulaire. Et on pourrait soutenir que la chorégraphie très spécifique de feu Merce Cunningham, pionnier du mouvement de danse avant-gardiste et postmoderne, est en fait Suite strict que le ballet. En accord avec les tendances artistiques de son temps, Cunningham n'avait certainement pas l'intention que son travail exprime une émotion ou interprète une histoire à travers le mouvement.
À chaque tournant, nous nous heurtons à un mouvement ou à un style chorégraphique qui défie les conventions et remet en question notre définition de la danse moderne. Certains professeurs font la différence entre la danse «moderne» et la danse «contemporaine» en partant du principe que «moderne» fait référence à des techniques du passé, tandis que la chorégraphie «contemporaine» est plus actuelle. Les deux termes, car ils sont synonymes et tout aussi indéfinissables, échouent à catégoriser cette forme d'art mystérieuse.
Cela soulève la question évidente: en tant qu'enseignants, comment pouvons-nous communiquer efficacement les idéaux, les techniques et les philosophies propres à un genre artistique si nous ne pouvons pas le définir? Pour une réponse possible, nous nous tournons vers ceux qui ont établi leurs propres définitions et créé un langage de mouvement ou une technique spécifique qui anime leur style chorégraphique. Au lieu de catégoriser cette forme d'art qui change de forme, nous pouvons étudier et enseigner les nombreuses traditions - à la fois historiques et actuelles - qui continuent de la redéfinir.
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Voici quelques pionniers passés et présents qui ont ouvert la voie au paysage riche et varié de la danse du 21e siècle. Parlez de ces personnages légendaires en classe. Peut-être inspireront-ils un jeune étudiant à créer un jour son propre langage du mouvement.
Katherine Crockett, danseuse principale de la Martha Graham Dance Company dans «Cave of the Heart». Photo © Albert Watson, 2010
Contraction et libération de Martha Graham
Parlez aux élèves de l’accent mis par Graham sur le cœur. Avec l’incorporation de la méthode Pilates et l’accent mis sur la force de base dans de nombreux studios de danse d’aujourd’hui, les étudiants devraient déjà avoir une certaine conscience de base et être en mesure de l’isoler. Pratiquez des exercices de respiration qui encouragent les élèves à attirer ou à «contracter» leurs muscles abdominaux, puis à les «relâcher». Discutez de la conviction de Graham que le noyau est également le centre émotionnel du corps. Sa célèbre philosophie «le mouvement ne ment jamais» peut trouver un écho auprès des étudiants travaillant sur la technique de la performance.
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La chute et le rétablissement de Doris Humphrey et le souffle et le poids de Jose Limon
Les étudiants pourraient être intéressés de savoir que ces deux chorégraphes légendaires ont travaillé ensemble - Humphrey en tant que directeur artistique de la compagnie de Limon de 1946 à 1958 - et ont collaboré pour créer une qualité esthétique unique. De nombreux élèves ont probablement entendu les termes «ancré» et «pondéré» pour décrire la danse moderne. Humphrey et Limon ont été des pionniers dans l'effort d'enseigner ces qualités. Les balançoires du torse ou «tombantes» sont des exemples classiques de la technique de chute et de récupération de Humphrey. Demandez aux élèves de travailler sur ce concept en mettant l'accent sur la respiration, tout en effectuant tout mouvement avec un élément de suspension, comme des balançoires de jambes ou des chutes au sol.
Atlanta Ballet interprétant le «Minus 16» d’Ohad Naharin. Photo par C. McCullers
Technique Gaga d'Ohad Naharin
Le chorégraphe israélien Ohad Naharin a développé et continue de développer cette technique d'improvisation pour permettre aux danseurs de perdre la conscience de soi et de bouger sans inhibitions physiques ou psychologiques. Pour incorporer certains concepts de Gaga en classe, dirigez une improvisation structurée et encouragez les élèves à prêter attention aux sensations physiques plutôt qu'à ce à quoi un mouvement «devrait» ressembler. Demandez aux élèves de «flotter sur l'eau» ou de faire de leur «colonne vertébrale un serpent». Et couvrez le miroir! Naharin dit que les miroirs «gâtent l'âme et vous empêchent d'entrer en contact avec les éléments, les mouvements multidimensionnels et la pensée abstraite.» Il conseille aux danseurs: «Sachez où vous êtes à tout moment sans vous regarder. La danse est une question de sensations, pas d'image de vous-même. Dites aux élèves, lorsqu'ils improvisent, de «jouer de tous les côtés de la pièce». Ils gagneront la confiance nécessaire pour se déplacer plus pleinement dans un espace tridimensionnel.
âge hayoung choi
Le créateur de Countertechnique, le chorégraphe néerlandais Anouk van Dijk. Photo de Silvia Sztankovits
Contre-technique d'Anouk Van Dijk
Il s'agit d'un nouveau système de mouvement développé par le chorégraphe néerlandais Anouk Van Dijk qui met l'accent sur le mouvement oppositionnel et continu. Van Dijk dit que la théorie derrière la contre-technique est simple: «Si vous êtes en mouvement, votre mouvement a une direction.» Et le mouvement dans une direction nécessite un mouvement dans la direction opposée. Pendant que les élèves travaillent sur une phrase connue, demandez-leur d'identifier non pas les mouvements primaires, mais les actions opposées ou les parties du corps. Par exemple, au lieu de penser à la hauteur d'une arabesque, demandez-leur de se concentrer sur l'allongement de leur torse. En envoyant de l'énergie et en se concentrant sur des mouvements opposés, les élèves peuvent créer un «équilibre dynamique en constante évolution» et se déplacer avec une puissance explosive dans l'espace.
YouTube est une excellente ressource pour visualiser des exemples de ces techniques et d'autres. Après avoir enseigné à un cours qui se concentre sur des personnages historiques ou actuels de la danse moderne, encouragez les élèves à regarder des vidéos ou à regarder des clips ensemble en groupe. Au lieu de se concentrer sur la chorégraphie, demandez aux élèves de prêter attention aux qualités du mouvement - le comment plûtot que le Quel . La danse moderne est définie et constamment redéfinie par ceux qui créent son langage. Initier la prochaine génération de danseurs à la conversation est la meilleure façon de continuer.
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