Cobb Energy Center, Atlanta, Géorgie.
Vendredi 15 mai 2015.
Atlanta Ballet a clôturé sa 85e saison avec Grabuge , un projet de loi mixte mettant en vedette trois facettes très différentes de cette entreprise enthousiaste et volontaire. Réunissant trois chorégraphes renommés d'horizons différents, cette compagnie a une fois de plus montré ses talents pour des œuvres de styles variés et stimulants.
Le premier était l’amusant du chorégraphe new-yorkais John Heginbotham Part des anges , une œuvre enjouée créée l’année dernière pour la troupe estivale du Ballet d’Atlanta, Wabi Sabi. Depuis sa première incarnation, l'œuvre a été élargie et explorée plus avant, donnant à ce chorégraphe contemporain plus de temps pour découvrir sa voix ballétique.
Dans sa note de programme, Heginbotham a raconté comment il est tombé sur l'idée de l'œuvre, déclarant: «En 2014, j'étais à mi-chemin de la création d'une nouvelle œuvre pour Wabi Sabi lorsque le phénomène de la part des anges m'est venu à l'esprit. La part des anges est la portion de liquide qui s’évapore dans l’éther lorsque le vin ou le whisky est impliqué. Je travaillais avec un groupe de danseurs principalement auto-sélectionnés, membres d'une excellente compagnie, et pour moi, ils représentaient la part des anges - un groupe exquis et intime. '
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Yoomi Kim et Kiara Felder dans «Angels» Share de John Heginbotham. Photo de Kim Kenney.
Heginbotham, qui vient de remporter le Jacob’s Pillow Dance Award l’année dernière, passe la majorité de son temps à superviser sa propre compagnie de 7 membres à Brooklyn. Son style décalé et athlétique reflète souvent l'influence de Mark Morris, le chorégraphe de renommée mondiale avec lequel il a dansé et tourné pendant 14 ans. Le sien Part des anges reflétait la musicalité connue de Morris - le directeur artistique John McFall invitant en fait le Trio à cordes à interpréter en direct la musique choisie par Heginbotham par Ernst (Ernö).
Les cinq danseurs - Kiara Felder, Yodmi Kim, Miguel Angel Montoya, Benjamin Stone et Jared Tan - ont tous travaillé dur pour réaliser le mouvement, mais lors de la soirée d'ouverture, il y avait un sentiment d'anxiété dans l'air. À mi-chemin de l'œuvre, on avait l'impression que les danseurs s'enfonçaient dans la chorégraphie et écoutaient la musique de plus près - pour finalement devenir la leur. Yoomi Kim et Kiara Felder ont partagé un joli pas de deux, ce qui était un régal inhabituel pour les téléspectateurs, car le ballet ne comprend généralement pas le couple de femmes. Jared Tan, un danseur à sa cinquième saison avec la compagnie, a finalement reçu un solo remarquable et son cadre court semblait se fondre parfaitement avec les sauts robustes et les lignes pointues.
Tout au long des travaux, l'éclairage conçu par Nicole Pearce a fluctué en luminosité. Le premier moment après le lever du rideau était particulièrement beau, car les accords suspendus qui enserraient les ampoules de style industriel brûlaient bas et créaient une ambiance chaleureuse et silencieuse. Au fur et à mesure que l'œuvre évoluait, les lumières reflétaient, voire guidaient, l'esprit du mouvement. Lorsque les danseurs sautaient des ailes dans un tiret à travers la scène, les lumières allumaient, tandis qu'à d'autres moments, les lumières brillaient d'un rayonnement calme. Les costumes reflétaient la formalité de la musique, mais d’une manière attrayante qui n’était pas trop pompeuse. Il était spirituel que Heginbotham ait délibérément choisi de retourner le look classique Balanchine sur les hommes - au lieu d'un T-shirt blanc et de collants noirs, c'était un T-shirt noir et des collants blancs. Dans l'ensemble, il était clair pourquoi Atlanta Ballet a commercialisé cette pièce comme une «œuvre éthérée et édifiante».
Le prochain sur ce programme mixte était le travail explosif, rapide et techniquement exigeant. Symphonie classique , chorégraphié par le chorégraphe russe Yuri Possokhov. Alors que Heginbotham expérimentait timidement le travail de pointe en Part des anges , Possokhov en dépendait entièrement et uniquement dans son travail, avec des ballerines exécutant des exploits magnifiques et impressionnants qui ont provoqué des applaudissements et des halètements fréquents dans le public.
Jackie Nash et Christian Clark dans la «Symphonie classique» de Yuri Possokhov. Photo par Kim Kenney.
Possokhov, qui a précédemment dansé avec le Ballet du Bolchoï pendant une décennie, puis le Royal Danish Theatre, a créé cette œuvre en 2010 pour sa compagnie d'origine, le San Francisco Ballet, avec qui il a joué pendant 12 ans à la fin de sa carrière de danseur. Dans la vidéo d’avant-première d’Atlanta Ballet, Possokhov a admis que c’était un travail difficile et que les danseurs de la SFB voulaient probablement le maudire. En voyant tous les virages rapides comme l'éclair et les longues démarches, ce n'est pas une surprise.
Pourtant, ce travail était définitivement un moment fort du programme, présentant la vedette de la soirée, Jackie Nash. Au début de sa cinquième saison avec la compagnie, Nash a souvent été écartée pour certains des plus grands rôles de la compagnie, avec des personnages comme Juliet allant à sa collègue danseuse Alessa Rogers ou d'autres solos donnés à la vétéran de la compagnie maintenant à la retraite Christine Winkler. Cependant, ce programme a apporté un tournant. Nash est venu sous les projecteurs et, espérons-le, ne sera jamais invité à partir. Sa technique magnifique était presque irréprochable et son charisme était sans faille. En partenariat avec le tout aussi charmant Christian Clark, Nash se retourna, se pencha et sauta avec une certaine intrépidité qui exige le respect.
La luminosité de Nash était égalée par le tutus contemporain jaune brûlé conçu par Sandra Woodall, qui était joliment compensé par les pantalons et les vestes noirs des danseurs masculins. Symphonie classique , mis au travail de Prokofiev par le même nom, a suscité une ovation debout, ce qui aurait certainement fait la fierté de Peter Pestov, l'instructeur de l'Académie de ballet du Bolchoï à qui Possokhov a dédié le travail.
Après l’entracte, l’œuvre finale, inventive du chorégraphe suédois Alexander Ekman Cactus . Si cette œuvre est sans aucun doute avant-gardiste, il ne fait pas justice de la laisser simplement là dans la description. Cette pièce est beaucoup de choses.
Atlanta Ballet interprète «Cacti» d'Alexander Ekman. Photo de Kim Kenney.
Tout d'abord, cette pièce est hilarante. Avec Cactus , Ekman utilise sa plate-forme pour critiquer ceux qui le critiquent souvent - les critiques de danse du monde. Il se moque ouvertement et moqueusement de ce qu'il appelle la «voix de critique artistique et fartsy». Dans sa note de programme et dans la vidéo de prévisualisation présentée par Atlanta Ballet pour présenter l'œuvre, Ekman a expliqué qu'elle était inspirée par des critiques blessantes et discordantes qu'il avait reçues au milieu de la vingtaine alors qu'il gagnait en importance dans la sphère chorégraphique. Il sentait profondément que ce n'était pas juste et souvent inutilement académique et snob par rapport aux expériences régulières de l'homme ordinaire. Pour répondre à cela, il a utilisé une voix off dans Cactus pour transmettre ce qu'il juge les tons élitistes d'un critique. Ce faisant, il souligne à quel point il est ridicule que les critiques insistent toujours sur un symbolisme plus profond et une signification contextuelle, fabriquant souvent des messages secrets qui ne sont pas vraiment là.
Tout en faisant rire les téléspectateurs avec le ridicule de cela, Ekman parvient également à les rendre perplexes avec ses nombreuses influences thématiques et culturelles intenses. Le premier est le chant rituel, les coups et les gifles qui se produisent dans le premier segment lorsque 16 danseurs de compagnie s'agenouillent sur des supports carrés en bois. Inspiré par les moines qu'il observait dans le culte en voyageant, les mouvements sont accompagnés de claquements, de gifles, de coups, de respirations lourdes et de cris gutturaux. Quatre musiciens parcourent la scène alors que les danseurs manifestent une angoisse inquiétante.
Un autre élément de ce travail, qui ajoute à l'hilarité et à l'angoisse, est le respect pour le non-sens. Tout au long du travail, au fur et à mesure que chaque section se rapproche, il semble y avoir un courant sous-jacent d'existentialisme. Les relations entre danseurs commencent et évoluent, sans raison apparente. Cela était particulièrement évident dans le duo charmant et brillant interprété par Nadia Mara et Heath Gill. Ils ont dansé sur une conversation en voix off (supposément entre eux deux, bien que leur bouche ne bouge jamais) qui détaille leur relation alors qu'elle commence et s'arrête au milieu d'une répétition. Indiscutablement, cela arrive à son apogée lorsqu'un chat (pas réel) tombe sur la scène d'en haut. C’est la manière d’Ekman de dire qu’il peut le faire, et cela n’a pas à signifier quoi que ce soit s’il ne le veut pas. Pourtant, il est intéressant de noter que si Ekman montre une vénération évidente envers l'absence de sens dans cette œuvre, il admet sur son site chorégraphique indépendant que généralement avant d'aborder une œuvre, il se demande toujours pourquoi la pièce est nécessaire. Cette pensée semble contredire son élévation de la futilité en Cactus - un travail qui semble dire qu’aucune raison n’est nécessaire pour créer c’est le processus de création lui-même qui compte.
Danseuse de ballet d’Atlanta dans «Cacti». Photo de Kim Kenney.
En général, cette pièce tout aussi rituelle et rebelle travaille dur pour déconstruire le cadre formel que beaucoup attendent dans un cadre de concert, et elle réussit certainement. Jouant sur les clichés et les faux-semblants, cela amène de manière rafraîchissante les téléspectateurs et les critiques à se demander pourquoi nous avons les attentes que nous faisons et pourquoi nous cherchons toujours à peindre un tableau ou à expliquer les symboles. L'hilarité du mouvement et des voix off, ainsi que les cactus aléatoires dans la section finale, apportent un soulagement stimulant et rafraîchissant qui s'impose dans un monde de la danse contemporaine qui se prend souvent trop au sérieux.
À l’approche de la saison, le Ballet d’Atlanta Grabuge est un modèle parfait de tout ce dont cette brillante entreprise est capable. Combinant transcendance aérienne avec brava classique avec exploration avant-gardiste, Grabuge a montré pourquoi cette troupe est devenue connue à la fois pour son savoir-faire traditionnel et classique ainsi que pour sa maîtrise des projets contemporains.
Par Chelsea Thomas de Dance Informa .
Photo (haut): Ballet d'Atlanta à Symphonie classique par Yuri Possokhov. Photo de Kim Kenney.
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