Dans le numéro de novembre 2015 de Dance Informa, j'ai écrit un article intitulé Sagesse sonore . Il a été conçu pour aider les professeurs de studio et les chorégraphes à créer des claquettes plus efficaces. Je suis très satisfait des commentaires sur cet article. Plusieurs des sujets que j'ai abordés dans cet article concernaient tous les genres de danse, et les professeurs, danseurs et chorégraphes m'ont demandé de développer. L'équation dans le titre de cet article est dédiée à devenir un Achevée Danseur.
Musicien:
En me concentrant sur le danseur en tant que musicien, je veux être clair qu'il n'est pas absolument nécessaire que vous, en tant que danseur, ayez besoin de jouer d'un instrument, de chanter ou même de lire de la musique, même si toutes ces compétences aideront très certainement à améliorer votre musicalité. Il y a beaucoup de danseurs qui ne jouent pas d'un instrument ou ne lisent pas de musique mais qui ont quand même une excellente musicalité. Il y a ce mot - musicalité - que nous entendons si souvent à propos de la danse… nous devrions aussi le faire. La plus grande majorité de la danse est exécutée en musique. Être danseur musical implique beaucoup plus que de rester avec le pouls ou le rythme de la musique, ou simplement d'exécuter les pas sur le compte donné. Le but est que le danseur attacher à la musique, pour que la musique sorte du corps et de l’âme du danseur. Bien que ce soit un objectif assez ambitieux, il existe des moyens d'aider le danseur à améliorer sa capacité à s'attacher à la musique.
Tapper Devin Ruth. Photo de Karsten Staiger.
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Le moyen le plus précieux d'améliorer la musicalité est le même conseil que j'ai donné aux chorégraphes dans mon article de novembre: ÉCOUTEZ, ÉCOUTEZ, ÉCOUTEZ! Vous ne pouvez pas vous connecter à de la musique si vous ne la connaissez pas. Vous devez vous «marier» à la feuille de route et aux nuances de la musique - les couplets, les refrains et les ponts, les dynamiques (forts et doux), les accents et les syncopes (accents décalés). En plus de cela, une performance réussie capture le personnage et la signification des paroles (s'il y a des paroles). Personnellement, je pense que les danseurs gagneraient beaucoup à travailler davantage avec de la musique instrumentale, qu’elle soit aussi simple que des percussions ou aussi fortement orchestrée qu’une pièce entièrement produite.
Un des domaines qui me manque chez de nombreux danseurs (et malheureusement chorégraphes) est de pouvoir ressentir et danser dans d'autres mètres - la musique comptée en huit autres. Deux mesures de musique en 4/4, c'est huit pour un danseur, nous sommes tellement habitués et à l'aise dans ce groove que nous entendons et voyons à peine autre chose. La musique par multiples de trois est d’une valeur et d’un intérêt particuliers pour les danseurs d’aujourd’hui. Le plus reconnaissable pour la plupart des gens est la valse. Nous connaissons tous les valses de Strauss utilisées en classe de ballet pour des mouvements tels que les balancés, ou la chanson «My Favorite Things» de Le son de la musique . Ce sont des valses traditionnelles avec une sensation de bas, de haut, de haut ou de «oom, pa, pa».
Ceux-ci sont faciles à attacher, même pour les danseurs débutants. Dans la musique pop, il est plus probable que les trois chefs d'accusation soient regroupés dans une ambiance plus triplée. La plupart du temps, cela concerne 6/8 fois. Un exemple serait la chanson «I Miss You» sur l'album Adele 25 (plus de ballades pop utilisent un nombre de six que celles d'un tempo plus rapide), et de nombreuses chansons de blues traditionnelles sont également en six. Les compteurs impairs tels que le temps 5/4 sont beaucoup moins utilisés, mais ils suscitent de l'intérêt et sont difficiles pour les danseurs. Les danseurs et le public américains ont du mal à ressentir et à se connecter avec des grooves de compteurs étranges. Un exemple de pièce en 5/4 reconnaissable est le thème de Mission impossible . Les danseurs qui investissent dans la compréhension et l'attachement musicaux auront un avantage intéressant sur leurs pairs et éprouveront plus de joie dans leur danse. Un danseur vraiment musical peut être captivant!
Athlète:
Il ne fait aucun doute que la danse est une entreprise hautement sportive. Il englobe et met en œuvre une gamme de compétences que nous avons en commun avec les athlètes d'autres sports: conscience spatiale, conscience des autres corps, force, flexibilité, équilibre, endurance, agilité, vitesse, rapidité et puissance (la capacité à combiner force et vitesse en mouvements rapides). Tout cela est nécessaire pour être un danseur complet.
Les danseurs ont compris qu'ils sont des athlètes, et heureusement, notre athlétisme est plus apprécié par le public et les autres athlètes. J'ai eu un coup de pied il y a plusieurs saisons sur Danser avec les étoiles lorsque le meilleur porteur de ballon de tous les temps de la NFL, Emmitt Smith, a déclaré que son temps en compétition dans la série était l'entraînement le plus difficile qu'il ait jamais eu à faire! C’est une véritable approbation pour les danseurs.
La plupart des danseurs professionnels dévoués d’aujourd’hui continuent, bien entendu, leur formation en danse en classe, même s’ils travaillent déjà et sont payés pour se produire. Les compétences athlétiques acquises en classe ont tendance à être spécifiques aux compétences, c'est-à-dire qu'elles entraînent le corps à des compétences de danse spécifiques. C’est une priorité qui en vaut la peine, mais pour avoir une carrière de danse plus longue, surtout à une époque où les gens attendent du danseur qu’il déchaîne des mouvements spectaculaires le cas échéant, une formation supplémentaire est devenue une nécessité. Les cours de danse ne suffiront pas, en particulier pour l'endurance.
Tiffany Hedman du Ballet national anglais. Photo par Gene Schiavone.
Il existe d'innombrables formes de formation supplémentaire pour améliorer le conditionnement du danseur, du cardio droit aux poids et aux machines, au yoga, au Pilates, au kettle bell, au travail aérien comme la soie et la toile, aux arts martiaux, à la Zumba, aux formes crossfit et bien d'autres. Une note sur la musculation: ne vous laissez pas effrayer et n’acceptez pas le mythe selon lequel cela nuirait à la flexibilité. Si vous faites un léger étirement avant de soulever, et un étirement complet après, tout ira bien. Cependant, je ne recommande pas les poids lourds aux jeunes danseurs dont le corps continue de grandir. En général, les danseurs n’ont pas besoin de poids lourds. Des poids modérés avec des répétitions adéquates tonifieront, définiront et donneront suffisamment de force. Faites appel à un entraîneur qualifié pour vous accompagner.
* L’endurance est généralement la faiblesse des danseurs par rapport aux autres athlètes. Voici quelques conseils d'entraînement pour assurer une endurance suffisante: trouvez une piste réglementaire (400 mètres) et faites deux tours (800 mètres) à vitesse moyenne - pas un sprint mais pas seulement un jogging. Essayez de sprinter les 30 derniers mètres. Ce prochain conseil est très précieux: vous devriez être capable d'exécuter n'importe quelle danse que vous exécuterez à deux reprises dos à dos sans repos entre les deux. Votre répétition doit toujours être plus exigeante physiquement qu'une représentation. Dernier conseil: tenez toujours compte d'un peu de repos dans votre faible horaire. Soyez fier d'être un athlète!
Artiste:
Le danseur en tant qu'artiste. À certains égards, c'est le plus difficile à définir et à comprendre, car c'est subjectif ce qu'est l'art pour l'un peut ne pas l'être pour l'autre. C’est un dilemme éternel dans toutes les formes d’art. En ce qui concerne la danse, la qualité artistique de l'expression est ce qui nous mène au-delà de nombreux autres athlètes. Nous ne pouvons pas simplement exécuter le mouvement, nous devons le rendre esthétiquement efficace, agréable et communicatif! Bref, il faut que tout soit beau! Nous définissons vaguement cela dans des termes tels que «expressif» et «excitant». Nous prenons une émotion (toutes les gammes d'émotion) et, espérons-le, toucher les gens en donnant quelque chose à l'intérieur de nous. Dans un monde parfait, le mot «inspiration» est notre force la plus précieuse et la plus motivante. Nous trouvons tous l'inspiration et la créativité dans différents aspects de la vie.
J'ai remarqué que les danseurs ont tendance à trouver leur inspiration et leur motivation dans le monde de la danse. Bien qu’il soit formidable d’être inspiré par d’autres danseurs, professeurs et chorégraphes, je vous encourage à regarder en dehors de la danse pour élargir vos idées et vous stimuler. Restez ouvert et conscient qu'il y a de la créativité tout autour de vous. Alors que nous, dans la danse, avons tendance à associer le mot «imagination» aux chorégraphes, le danseur peut utiliser son imagination pour emmener le personnage dans un endroit où la danse dépasse la réalité et passe par la magie de la passion, un mot jeté trop légèrement mais qui représente nos cœurs et nos âmes quand ils sont authentiques.
Un exercice qui peut aider le danseur à être moins inhibé et moins «maniaque du contrôle» consiste à mettre de la musique lorsque vous êtes seul à la maison et que personne ne regarde et laissez simplement votre imagination se déchaîner et laissez-la sortir de votre corps. avec un abandon téméraire.
été Rayne Oakes wiki
Une autre technique qui peut améliorer votre art est de vous visualiser ou même de méditer sur vous-même en tant que danseur parfait - le danseur que nous aimerions regarder et aimerions être - et donner à ce danseur dans votre esprit tous les ingrédients d'un danseur complet: technique, musicalité , athlétisme, passion, style, inspiration et, surtout, connexion - émouvant le public avec la joie d'un danseur complet !
Par Tony Coppola de La danse informe.
Le maître de claquettes Tony Coppola est également un ancien gymnaste américain et percussionniste. Il a enseigné lors de congrès et jugé des compétitions pendant plusieurs décennies. Coppola dirige et chorégraphie le Coppola Rhythm Ensemble basé à Las Vegas.
Photo (en haut): Jacqueline Green et Kirven Douthit-Boyd. Photographie de Richard Calmes.
