En retirant mes chaussures de claquettes et en m'assoyant pour écrire cet article, je me suis dit: 'Quelle est la chose la plus importante que je voudrais que mes lecteurs retiennent de cet article?' Eh bien, évidemment, je souhaiterais que vous tombiez tous amoureux des claquettes. Je sais, je sais, c’est un objectif assez ambitieux, mais peut-être que si vous avez une ovation debout avec un morceau de robinet, vous embrasserez le robinet avec un respect sain. C’est un genre vraiment américain (maintenant dansé dans le monde entier), et c’est une joie et un défi de créer de la musique pendant que vous dansez. Pour citer une vieille phrase: 'C'est un régal de se battre les pieds!' J'espère personnellement qu'au lieu de recycler le robinet du passé, nous pourrons conserver ce qui est précieux des époques révolues et nous efforcer de faire avancer le robinet de manière efficace, énergique et divertissante.
L'une de vos premières considérations est d'évaluer l'objectif et la démographie de la performance pour laquelle la pièce sera interprétée. S'agit-il d'un concert, d'un récital, d'un cadre commercial (comme une salle d'exposition ou d'un parc à thème), ou d'un concours? Et quel type d'audience auriez-vous: 60 personnes, 600 ou 2 000? Et quelle est la tranche d'âge? De plus, la pièce est-elle un solo, un petit groupe ou une production plus importante? Toutes ces considérations vous guideront dans la prise de l'une de vos décisions les plus importantes - votre choix de musique.
Ensemble rythmique de Coppola. Photo de Sergio Minero.
En choisissant la musique, vous devez choisir une musique à laquelle votre public peut s'identifier, auquel il peut s'attacher et profiter du groove avec les danseurs. Cela ne veut pas dire prévisible, il est bon d’avoir quelques surprises ou des faits saillants dans la pièce, à la fois de manière audible et visuelle. Votre considération la plus simple dans le choix de la musique est: Le public peut-il entendre les robinets? Et cela signifie tout le chemin à l'arrière du théâtre. Une musique trop orchestrée étouffera les robinets. Vérifiez également l'acoustique du théâtre. En préparant vos danseurs, je suppose que le niveau de technique des claquettes est adéquat pour soutenir la chorégraphie. Les jeunes danseurs devraient être dans une classe qui comprend une bonne dose de technique. Une classe qui ne travaille que sur une routine courte change les danseurs qu'ils auront moins de substance à mettre dans une danse.
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En tant que juge, je vois souvent des morceaux de claquettes qui incluent plusieurs danseurs qui n'exécutent pas tous les sons. Assurez-vous que chaque danseur peut faire les étapes seul et a cappella . Ensuite, lorsque vous réassemblez la danse, elle sera plus forte.
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Une fois que vous avez choisi votre musique, écoutez-la encore et encore avant de la chorégraphier afin de pouvoir utiliser efficacement les phrases et accents dans votre chorégraphie plutôt que de simplement chorégraphier 8's. Si vous créez une pièce a cappella, vous devez forer les danseurs à garder le temps, il y a généralement une tendance à se précipiter, ce qui est très troublant pour le public. La musicalité est le but du chorégraphe et du danseur. (Relevez le défi avec de la musique dans d'autres compteurs tels que 6/8, 3/4, 5/4, 9/8, etc.)
Alors maintenant que vous êtes marié à la musique, il est sage de créer un thème - une série d’étapes ou une phrase reconnaissable lorsqu’elle est reprise. C'est la signature de la pièce, et elle doit attirer le public à la fois de manière audible et visuelle et montrer le caractère de la pièce. La musicalité de Tap peut être appliquée à de nombreux styles, du sabotage traditionnel au latin, en passant par le rap, le blues, le classique, le rock et les airs de spectacle.
Quelques spécificités:
- Unison: ne sous-estimez jamais la valeur de l'unisson. Un bon pas posé en parfaite synchronisation est très satisfaisant pour les gens. C’est une technique précieuse pour étaler différents rythmes et revenir à l’unisson pour un punch dynamique. Une danse entière faite à l'unisson peut être ennuyeuse.
- Canon: Canon, ou présenter des rythmes en un tour, peut être très efficace. Cela fonctionne pour les duos, les groupes et les lignes. Demandez à plusieurs danseurs de commencer une phrase chorégraphique, puis demandez aux autres danseurs de commencer la même phrase plus tard. Combien de temps après? Huit comptes sont assez sûrs, mais quatre comptes sont très efficaces (en supposant que la musique est en temps normal ou 4/4). Si vous séparez par seulement deux chefs d'accusation, cela peut sembler une erreur pour le public, comme l'unisson bâclé.
- Contrepoint: Cela fait référence à deux rythmes sonnant en même temps. Canon produira automatiquement un contrepoint, mais vous souhaiterez peut-être créer deux idiomes de tap différents qui se complètent. Soyez prudent - si les étapes sont trop occupées, cela semblera simplement encombré. Laissez des espaces. Les sons uniques sont précieux.
Tap est conversationnel. Tout comme le langage verbal, il a besoin d'inflexion, de causes, de ponctuation et d'emphase. Ne laissez pas cela devenir une phrase répétitive.
- Métiers: Donc, si le robinet est conversationnel, il se prête à des va-et-vient comme dans la question-réponse. Un commerce littéral serait celui où un danseur (ou groupe) établit un rythme, et le deuxième groupe répète le rythme mot pour mot, en échangeant généralement huit ou quatre chefs d'accusation. Une approche plus conversationnelle consiste à varier le deuxième rythme (la réponse). Souvent, le deuxième rythme essaie de surpasser le premier.
- Sons supplémentaires: c'est un bon changement de rythme pour ajouter d'autres sons tels que des applaudissements, des claquements, des hurlements et des sons créés avec des accessoires ou des surfaces différentes. (Une utilisation efficace des décors et des accessoires peut remplir tout un article par lui-même.)
- Dynamique: je ne peux m'empêcher de remarquer le manque de dynamique (degrés de volume). Il ne suffit pas de «franchir des étapes». A cappella tap est une excellente occasion d'utiliser une chorégraphie très douce et silencieuse qui obligera le public à écouter attentivement. Ensuite, vous pouvez rebondir avec quelque chose d'agressif. Contraste est une musicalité très précieuse.
Ensemble rythmique de Coppola. Photo de Sergio Minero.
Il est également efficace de comparer la différence entre les rythmes directs (sur le temps) et syncopés (hors-temps). Étant donné que les sons de tap sont pour la plupart staccato, vous pouvez obtenir des sons soutenus avec une myriade de diapositives et de taps nerveux utilisés comme un roulement de tambour.
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- L'impératif visuel: si vous avez les pieds ultra-rapides (vous pouvez allumer des feux au sol avec vos pieds), ce n'est pas suffisant! Les sons de tir rapide peuvent être impressionnants, mais sans que quelque chose de visuel ne se produise, le public s'ennuiera tôt ou tard (sans oublier que le public ne comprendra peut-être pas les nouvelles onces dans un son flou). Nous vivons à une époque où, en raison de la technologie, des coupes rapides et du montage, et des médias sociaux, la durée d’attention des gens et notre concentration et notre concentration suivront ce qui bouge. Mais avant de se lancer dans la mise en scène, il est sage de regarder l'énergie visuelle du danseur individuel. Un danseur à haute énergie devrait obtenir l'énergie du haut du corps en «vendant le pas» - en mettant l'accent sur le corps, les bras, à moins que cela ne soit spécifique, suivront généralement le couple dans le torse. Je suis très chanceux que dans mon ensemble de claquettes ici à Las Vegas, mes danseurs professionnels soient très énergiques, je dois rarement chorégraphier des port de bras (mouvements de bras). Ceci est propice à la sensation d'un «confiture». C’est un avantage si les danseurs sont versés dans d’autres genres, et cela se reflète souvent dans leur calèche et leur port de bras. Les mouvements du haut du corps de la tête, des bras et du torse peuvent vous aider à souligner et à capter les accents de la musique. De plus, l’utilisation de niveaux ne signifie pas seulement les niveaux des pièces de jeu. Le danseur individuel peut utiliser le sol et l'air pour créer des niveaux.
L’une des choses que j’ai vues en jugeant et qui me fait vraiment grincer des dents, c’est de taper avec les mains dans le dos. Bien que vous puissiez penser que cela permet aux danseurs de se concentrer sur les pieds et de leur donner de l'uniformité, cela soustrait toute l'énergie dans le haut du corps et peut devenir une mauvaise habitude. Il sera plus difficile de rompre cette habitude lorsque vous aurez besoin de port de bras. Quand je vois les mains dans le dos, il me semble que les danseurs ont été faits prisonniers pendant leur claquette. Un de mes collègues parle en fait de «prise de prisonnier».
- Genre mixte: Nous avons abordé le dessin d'autres genres. Je souhaite que mes élèves ne se considèrent pas seulement comme des tappeurs, mais comme des robinets danseurs . Plus vous êtes polyvalent et complet, plus vous avez de choix pour créer un robinet efficace et dynamique. La combinaison de formes de danse vous offre de nombreuses options et suscite l’intérêt du public. J'ai eu du succès il y a plusieurs années en associant une troupe de danseurs de ballet et de claquettes se complétant et intégrant des motifs. Nous sommes à l'époque des formes de danse hybrides, alors tentez votre chance. Remuez un pot de «soupe de danse».
- Mise en scène: si vous avez créé les étapes, les lignes du corps et les port de bras assortis qui complètent votre musique, il est maintenant temps de la mettre en scène: pour déplacer les corps pour créer des motifs, des angles et renforcer l'énergie de la pièce. Dans les décennies passées, les danseurs sont restés dans une formation particulière plus longtemps qu'aujourd'hui. Nous avons discuté de la durée d'attention plus courte du public. Il est donc à la mode et efficace de changer de position plus souvent. Comment et quand et pourquoi l'art de la mise en scène est-il tant de choix. Vous pouvez déplacer les danseurs vers le bas, vers le haut, latéralement, en diagonale et de haut en bas pour les niveaux. En déplaçant les danseurs, je veux dire danser sur le modèle - ne pas marcher ou les faire marcher là-bas. Son Danse , pas une équipe de forage ou un corps militaire. Evidemment, la diagonale vous permet une passe plus longue (et offre des angles plus intéressants dans le corps). L'opposition, les danseurs évoluant dans des directions opposées, crée un choix simple et efficace. La mise en scène des danseurs par paires se prête à des outils tels que le fait d'avoir les deux «do-si-do» l'un autour de l'autre, revenant à la position d'origine. Lorsque vous choisissez des étapes qui voyagent, vous devrez amener les danseurs sur la pointe du pied afin qu'ils puissent «voler» comme des sprinteurs.
À ce stade, il convient de mentionner que s'il y a des accessoires dans votre danse, assurez-vous que les danseurs peuvent les gérer avec grâce sans que rien ne semble maladroit ou encombrant. Si les accessoires sont stationnaires, cela peut fonctionner pour créer des chemins à l'intérieur et à l'extérieur, autour, au-dessus et en dessous et au-dessus des accessoires. Cela peut également vous donner une variété dans la hauteur des sons que les étapes établissent.
- Performance: J'espère dans un prochain article discuter de la valeur de l'art théâtral. Tous les éléments pour créer des claquettes efficaces et divertissantes doivent bien sûr être exécutés au maximum, avec un lien avec le public, une caractérisation forte et appropriée avec des interprètes qui se rapportent les uns aux autres et dominent la scène ... et enveloppés dans un intangible magique appelé style !
Par Tony Coppola de La danse informe.
parents de jumeaux
Le maître de claquettes Tony Coppola est également un ancien gymnaste américain et percussionniste. Il a enseigné lors de congrès et a jugé des compétitions pendant plusieurs décennies. Tony dirige et chorégraphie le Coppola Rhythm Ensemble basé à Las Vegas.
Photo (en haut): Coppola Rhythm Ensemble. Photo de Sergio Minero.
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