L'orbite incontournable du théâtre José Mateo Ballet. Photo par Gary Sloan. Le Sanctuary Theatre, Cambridge, Massachusetts.
6 mai 2017.
'Je ne veux pas tomber un autre instant dans ta gravité', chante la pop star Sara Bareilles dans sa chanson à succès La gravité . Elle ne fait pas référence à la force invisible qui maintient nos pieds sur terre et notre planète en orbite autour du soleil. Elle signifie une force d'attraction intangible, irrésistible et infatigable, pour une autre chose ou une autre personne.
Lorsque l'art de la danse excelle, il peut avoir cet attrait sur nous. Nos esprits modernes dispersés ne peuvent se concentrer que sur la beauté devant nous. Nous sentons que les danseurs tournent, atteignent et tombent dans notre peau et nos os. Il faut vraiment le vivre en direct, dans les moments mêmes où les danseurs respirent et regardent, pour être pleinement apprécié. Souvent aussi éphémère et irremplaçable, c'est la façon dont les éléments visuels et auditifs de soutien d'une performance fusionnent avec le mouvement, pour devenir plus que la somme de leurs parties.
Théâtres de ballet José Mateo Orbite incontournable offert ce type de cohésion multimédia qui se révèle comme une magie de la performance. Et, bien que non sans domaines de croissance, le travail a mis en avant de vrais moments de ce type d'art vers lesquels on ne peut s'empêcher d'être pleinement attiré - tout comme notre lune est attirée en orbite autour de notre planète.
Soulignant cet effet de la magie de la performance, dans sa lettre de programme, José Mateo (chorégraphe de compagnie, directeur artistique et fondateur) a déclaré: «J'espère que la musique et la danse de… ce programme vous propulseront sur une orbite extérieure dont l'évasion n'aura pas d'importance. '
Le premier travail, Risque de répétition , explorée et démontrée des possibilités dans une structure de phrases répétées. Loin d'être par cœur, l'œuvre a également séduit par l'inattendu - à partir d'une ouverture d'un groupe de danseurs faisant de petits pasen pointedos au public. Pas une ouverture banale du tout!
L'utilisation du canon, avec un mouvement peint avec des pinceaux légèrement différents de nuance par chaque danseur, a également aidé la répétition à éviter de vieillir. Les couches du mouvement ne se décollaient pas. Un partenariat fluide, mais solide, a contribué à ces gradations.
Les paires ont également travaillé ensemble en tant qu'équipes véritablement collaboratives. Des phrases répétées entre eux faisaient écho aux habitudes auxquelles nous revenons dans les relations, amoureuses ou non, pour le meilleur ou pour le pire. La soliste Joanna Binney a exécuté un jeu de jambes net et des moments inattendus, tels qu'une libération intrépide au sol. Son partenaire, Spencer Doru Keith, a proposé des extensions d'une longueur infiniment expansive - une ligne géométrique sans fin.
Pourtant, on pourrait se demander ce qui aurait pu résulter d'une plus grande interaction entre ces paires, peut-être plus de contexte autour de leurs relations. Peut-être que cela cherche un sens là où il n’a pas besoin d’être. Dans tous les cas, les costumes et l'éclairage dans un schéma de col lavande ont célébré le printemps sur nous. Au risque de se répéter, on se réjouit de l'arrivée annuelle du printemps. L'énergie joyeuse de cette pièce pourrait faire partie de cette réjouissance.
Cette première pièce avait certainement ses touches contemporaines, mais la seconde, Eaux calmes , avait un flair plus moderne encore. Une phrase convaincante dans ce style, par exemple, était unbattement à la seconde,suivi d'un pinceau du dos de la main sur le visage et d'une fermeture des jambes en parallèle. Puis les coudes se sont levés pour créer des bras incurvés en forme d'ailes. La musique des voix chorales superposées à l’instrumentation («Nocturne III» de Claude Debussy) a commencé à créer une atmosphère céleste et éthérée.
Des images en mouvement, dans les corps fluides des danseurs, ont contribué à cette atmosphère, comme un passé parallèle avec des poignets qui bougent. Quelque chose en lui incarnait le vol des anges. Des costumes et des éclairages bleus alignés sur cette sensation céleste. Le titre impliquait peut-être une union du ciel et de la terre, le bleu au-dessus et au-dessous. Une harmonie globale correspondait aux deux. Le seul élément qui n'a pas semblé s'aligner pleinement avec cette atmosphère était une soliste (Angie DeWolf) en rouge.
Peut-être représentait-elle les forces invasives de la colère et des conflits qui peuvent s'infiltrer dans des atmosphères positives et pacifiques. Un mouvement de sa part pour rendre cela un peu plus clair, pourrait-on dire, pourrait être un élément précieux à développer dans les futures mises en scène de l'œuvre. Quoi qu'il en soit, la pièce précédente était pleine de tension spatiale intrigante, de création d'espace négatif. Celui-ci offrait un pliage de formations, comme le mélange d'ingrédients de cuisson pour faire de la pâte. C'était tout aussi fluide et agréable à vivre.
Le travail final, Affaires , était une première. Comme toutes les cinq pièces, elle a invité - sinon directement attiré - le public dans son univers. Comme Eaux calmes , la chorégraphie contenait un vocabulaire de mouvement quasi-contemporain, comme les tours de crayon et les coudes pliés (plus que dans les port de bras ). Les danseurs ont démontré leur polyvalence en exécutant ce mouvement proprement et intelligemment.
DeWolf (également soliste dans cette pièce), par exemple, a montré une poussée passionnée des forces physiques à travers son corps, un équilibre louable entre maîtrise technique et audace pour prendre des risques. Roger Creel, qui a remplacé Colton West dans le rôle, a également offert une commande technique simultanée et une individualité intrigante dans sa signature de mouvement. Il était difficile de regarder ailleurs alors qu'il se retournait, sautait et se faufilait dans sa colonne vertébrale. Magdalena Gyftopoulos était sa partenaire fréquente, une déménageuse douce et forte. Au-delà d'eux, les danseurs en formation étaient tout aussi convaincants.
Un moment marquant, par exemple, a été avec trois ballerines - une en rouge prise en sandwich dans une ligne par deux en bleu - marchaient en arrièrerelevé. La façon dont la lumière les a frappés était à couper le souffle. Un autre était avec une section de danseurs tournant autour du centre de la scène. Il semblait que le centre - avec un mystère qui lui soit propre, en quelque sorte - maintenait les danseurs en orbite par l'attraction gravitationnelle.
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Pour terminer, un danseur se tenait seul sur scène. Nous nous engageons dans les affaires de diverses relations, mais à la fin, la seule vraiment durable et cohérente est celle avec notre propre conscience. Ces moments faisaient partie de ceux du véritable art de la danse qui prouvent que la plupart des arts de la danse doivent être vécus en direct pour être vraiment et pleinement vécus. Cette capacité d’apprécier et de savourer l’expérience esthétique, ce que nous ne pouvons souvent pas mettre en mots, fait partie de notre humanité même.
«Quelque chose en nous sera toujours attiré en orbite autour des possibilités de création et de création artistique - rêver, imaginer, construire, innover… oser dire que nous échappons un jour à cette orbite, alors nous aurons perdu une partie de notre essence même, »A déclaré Mateo dans sa lettre de programme. Je ne peux pas le dire plus clairement et plus honnêtement que cela.
Par Kathryn Boland de La danse informe.
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