AAADT dans les «révélations» d'Alvin Ailey. Photo de Donna Ward. Centre de New York, New York, NY.
2 décembre 2018.
La danse en tant que forme d'art doit beaucoup à l'héritage - les dons des artistes aux futurs artistes et la direction de la forme d'art elle-même. Peu d'artistes de danse américains ont laissé un héritage plus significatif qu'Alvin Ailey. La compagnie de danse qui porte son nom, et une grande partie de cet héritage, Alvin Ailey American Dance Theatre, commémore cet homme et son héritage au cours de la saison du centre-ville de New York de cette année. Étant donné qu’il s’agit des 60 ans de l’entrepriseeanniversaire, cet objectif semble tout à fait à propos.
AAADT dans «Lazarus» de Rennie Harris. Photo de Paul Kolnik.
Le travail de Rennie Harris, Lazare , bien qu’unique et novatrice, reflétait l’esprit et l’âme du travail d’Ailey. Le travail a commencé avec des danseurs rampant, bas dans l'espace et l'éclairage aussi bas. Des bourdonnements rappelant les spirituels évangéliques sonnaient à travers le théâtre pour accompagner ces danseurs. Cela alternait avec les sons des pleurs. «Je peux goûter l'air et pleurer», a déclaré la voix off, soulevant l'idée que même les émotions négatives peuvent contenir la beauté, parce qu'au moins c'est être vivant et ressentir. Des ombres frappantes sur la scène (éclairage par James Clotfelter) ont ajouté au mystère et au vague sentiment de malaise.
Un solo puissant a commencé à partir de là, le soliste dansant parfois bas et offrant parfois des mouvements acrobatiques (comme un poirier d'une main se renversant dans un siège). L’autre mouvement était gestuel et minimal, indiquant que l’action naturelle du corps était suffisante. Le groupe est rentré pour faire des lignes décalées dans un bloc et a exécuté un mouvement inspiré du hip-hop (cohérent avec l'arrière-plan de Harris et la signature chorégraphique typique) - hanches pivotantes et sautillantes, pieds changeants et «crip-walking» (ouverture et fermeture) ensemble, sur un orteil et l'autre talon). Ils ont fait des bras en forme de «cactus» (les mains juste au-dessus de larges coudes) et ont élevé les cœurs vers le ciel. «Alleliua» a chanté la partition comme ils l'ont fait. Tous les effets combinés étaient envoûtants pour les yeux, le cœur et l'esprit.
AAADT dans «Lazarus» de Rennie Harris. Photo de Paul Kolnik.
Mélanie Wilking
Les rythmes musicaux s'intensifiaient et s'accéléraient. Parallèlement à ce changement, le mouvement est devenu plus rapide et plus ancré. Le maintien du poids, ainsi que les ondulations de la colonne vertébrale et les rythmes syncopés en mouvement, rappellent désormais la danse traditionnelle africaine plus que la danse hip-hop. Le groupe s'est dispersé alors que les lumières s'éteignaient. Les lumières ont de nouveau surgi sur un plus grand groupe en forme de trapèze. Un jeu de jambes simple et répété est devenu méditatif et a véhiculé de la confiance en soi. Cela correspondait parfaitement à la partition qui chantait encore et encore 'Je suis un homme noir dans un gant blanc!' Le mouvement est devenu plus expansif et virtuose avec des sauts et des virages dans une attitude parallèle. Les danseurs individuels ont commencé à arracher le mouvement collectif et à trouver leur propre mouvement. Une harmonie restait cependant. Il y a eu un sentiment de cohésion sociale parmi les individus, même indépendants et autonomes. Tous combinés, Harris offrait dans la pièce un assortiment de sons et de mouvements.
De manière effrayante, la voix off faisait référence à l'esclavage - «la musique du fouet…. [Une] mélodie psychopathique». L'orateur a également parlé de «pensées permettant à la rébellion de se développer». L'éclairage s'estompa à nouveau, les ombres revinrent et les danseurs quittèrent lentement la scène - de la même manière qu'ils étaient entrés, s'accroupissant dans l'espace et se déplaçant avec une qualité pondérée. C'était s'ils étaient tous de l'Axe avec le monde sur leurs épaules. Les lumières se sont estompées et le rideau. Pourtant, je suis resté en train de penser à ce deuxième «Lazare» - ceux qui sont ressuscités après la force déshumanisante de l'esclavage.
Mettre fin à la nuit était l'œuvre emblématique d'Ailey, Révélations . L'utilisation de la partition et des éléments de qualité du mouvement étaient des fils de connexion intrigants entre ce travail et Lazare . Cependant, les différences structurelles étaient également claires. Chaque section de Révélations avait un hymne évangélique comme force motrice, ainsi qu'une fin nette et nette (et donc satisfaisante et mémorable). La première de ces sections était «Pilgrim of Sorrow», des danseurs commençant dans une formation triangulaire. Regarder vers le haut dans un léger backbend, combiné avec les nuances de la musique et les ombres dans l'éclairage, a apporté un sentiment spirituel. Leur phrasé de port de bras à l'unisson, comprenant des bras dans un chemin circulaire pour se terminer avec les coudes levés et les mains vers le bas - évoquant les ailes des oiseaux, était captivant. Ils ont abouti à cette formation, d'une manière mémorable, frappante et émouvante. Il a établi la norme pour des fins similaires à venir.
AAADT dans «Revelations» d’Alvin Ailey. Photo de James R. Brantley.
«Il y a des problèmes partout dans le monde», résonnait la chanson suivante. Le mouvement de cette chanson rappelait l'inspiration et l'expiration de la respiration quotidienne - avec la chute dans l'espace et la récupération de cette chute, et les formations se déplaçant vers l'intérieur et vers l'extérieur dans un rythme. Un trio suivant a offert ce même sens d'ouverture et de fermeture. Dans le même temps, le mouvement en spirale et ondulation a permis l'individualité. Des sauts et des virages complexes ont permis à chacun des danseurs de démontrer leur propre art unique à travers les défis virtuoses. Une harmonie collective subsistait cependant. «Mon Seigneur n’a-t-il pas délivré Daniel?» a chanté la partition, un sentiment tenant à la fois l'individuel et le collectif. Pour finir, ils se sont agenouillés et ont levé le bras. Cela a apporté un sentiment de remontée du moral dans l'espoir. Le timing et la forme nets et nets du tableau en ont fait une fin comme n'importe quelle autre dans la pièce - entière, complète, accessible et satisfaisante.
Un joli pas de deux a suivi, «Fix Me Jesus» dansé par Ghrai DeVore et Jamar Roberts. Il y avait clairement un lien d'âme entre eux, mais cela semblait moins ouvertement romantique et plus à propos d'atteindre ensemble une puissance supérieure. À travers des phrases impressionnantes telles que DeVore prenant une arabesque, pirouettant puis tombant en avant pour que Roberts la rattrape, leur confiance et leur compréhension mutuelles étaient claires. Également claires et intrigantes, il y avait des énergies oppositionnelles entre elles - se séparant puis ensemble, une poussée et une traction.
harrison james ballet
Bientôt vint une section de groupe plus grande qui était plus joyeuse et édifiante, malgré la réalité pondérée de l'histoire derrière la chanson à travers le classique spirituel «Wade in the Water», des banderoles bleues et blanches scintillantes ont été tenues pour couvrir la largeur de la scène émulée l'eau , et les danseurs ont traversé la scène pour imiter ceux qui se déplaçaient dans l'eau sur le chemin de la liberté. Tout se sentait, grand, audacieux et beau - même s'il faisait référence à un passé sordide (mais aussi avec des histoires d'espoir et de rédemption dans ce passé).
Solomon Dumas de l'AAADT dans 'Revelations' d'Alvin Ailey. Photo de Paul Kolnik.
Révélations s'est terminée par plusieurs chansons de groupe plus importantes au sein de «Move, Members, Move», une section aux costumes jaune vif soulignant la joie ensoleillée du mouvement (costumes pour cette section redessinée par Barbara Forbes). Les danseurs étaient divisés en files d'hommes et de femmes, et alternaient debout en haut (ou en bas). Les influences de la danse africaine sur l'ancrage et la syncope rythmique étaient claires, tout comme les signatures jazzy telles que le port de bras linéaire et les «tours de crayon». La chorégraphie a parfaitement fusionné ces éléments, pour en faire quelque chose d'assez unique et d'assez beau.
Dans l'ensemble, l'œuvre est une masterclass en chorégraphie, livrée de manière louable dans cette performance de la compagnie actuelle Ailey. Chaque moment était si riche, mais aussi si clair. En juxtaposition avec Lazare , on pouvait voir des éléments d'héritage qui ont traversé - mais aussi des éléments divergents de la danse plus contemporaine (comme une qualité de mouvement plus fluide et moins définissable à travers des pas et des mouvements individuels). On pourrait également associer le ton et l'esthétique à la psychologie de l'expérience afro-américaine prédominante au moment de la création. Au fil des ans, l'art a évolué, certains éléments provenant de ses prédécesseurs précieux - mais son pouvoir potentiel est resté.
Par Kathryn Boland de Dance Informa.
