Heather Bryce (à droite) réalisant. Photo par Art Heffron. Polyvalence .C'est devenu un mot à la mode dans le monde de la danse. On dit que plus un danseur peut faire, plus il est probable qu'il / elle travaillera de manière cohérente - et même parfois sera embauché pour un concert, un spectacle ou une compagnie en particulier (en particulier si le travail nécessite une maîtrise de nombreux styles de danse différents, ou une capacité à choisir rapidement de nouveaux styles).
Heather Bryce (à droite) dirigeant les danseurs. Photo par Art Heffron.
Ces types d'exigences vont parfois au-delà de la danse si un danseur peut chanter, danser, jouer d'un instrument, même jongler ou dribbler un ballon de basket avec des tours de fantaisie, il / elle a de meilleures chances de toujours trouver du travail. Pourtant, les danseurs n'ont que beaucoup de temps, d'énergie et d'argent pour maintenir différents types de formation. Répartir les ressources sur de nombreux types de formation peut également contribuer à l'acquisition de compétences dans de nombreux domaines différents, mais peut-être pas à l'excellence ou à la maîtrise dans aucun.
Jen Passios, dancre et assistante administrative / rédactrice par intérim pour le Boston Dance Theatre, dit que «le pressurLe fait d'être `` polyvalent '' peut être mal interprété pour indiquer qu'un déménageur devrait nager et faire du Pilates, de la gymnastique, des arts visuels, de la chorégraphie et de l'équitation, alors qu'en réalité, faire toutes ces choses ne fait que brûler les danseurs et les aider à être d'accord avec un tas d'idées physiques contradictoires qui - hors de leur contexte - ne les serviront pas réellement. '
Heather Bryce, directrice artistique et fondatrice de Bryce Dance Company, a également compliqué l'idée de «polyvalence» en soulignant que ce ne sont pas nécessairement les danseurs maîtrisant parfaitement un style particulier qui captivent vraiment le public, ce sont eux qui émettent et s'expriment avec clarté et honnêteté. Tout cela considéré, quel est l’équilibre? Et comment les danseurs obtiennent-ils le bon type de diversité stylistique pour eux? Plongeons-nous dans quatre recommandations principales!
#1. Prenez de nouveaux cours, avec de nouveaux enseignants, dans des styles identiques ou similaires.
Jen Passios. Photo par Celso Enrique.
Le fait d'apprendre une chorégraphie différente à lui seul peut élargir notre polyvalence. «Tout cela est un entraînement mental», explique Passios. «Lorsque nous nous entraînons techniquement à de nouvelles formes, notre cerveau permet à notre corps de reconnaître les débuts de nouvelles voies. Lorsque nous faisons cela suffisamment et que nous devons nous lancer dans le travail d'un nouveau chorégraphe, nous pouvons nous souvenir de l'expérience d'un nouvel apprentissage et trouver un lieu de concentration plutôt qu'un lieu de panique. '
On peut soutenir que la construction de voies neuronales peut se faire de manière plus fluide et gracieuse dans le même style ou dans des styles similaires - par exemple, tap rythmique et claquette Broadway ou variations de ballet classique et ballet contemporain - lorsqu'il y a variété et défi, mais aussi des similitudes et un terrain d'entente auquel vous pouvez construire. Certes, la formation au claquette et au jazz, au contemporain et au ballet présente de merveilleux avantages, mais aller aussi loin que vous le pouvez dans l'un d'entre eux nécessite une formation dans tout ce que le style particulier a à offrir.
Un moyen clé pour ce faire est d'étudier avec une variété d'enseignants et un enseignant complètement nouveau de temps en temps. Leurs qualités de mouvement, leur manière d'enseigner et d'autres variables uniques peuvent activer ce renforcement des compétences mentales nécessaires pour apprendre de nouveaux types de mouvement. Bryce définit cela comme une «adaptabilité» plutôt que comme une «polyvalence». «Il y a tellement de danseurs talentueux là-bas», dit-elle. «Je suis toujours époustouflé par le nombre de personnes qui se présentent à l’audition. Ceux qui me marquent vraiment sont ceux qui font preuve de ces capacités d’adaptabilité et qui s’approprient le mouvement enseigné. »
Heather Bryce.
âge allié sherlock
# 2. Entraînez-vous avec les mêmes professeurs, selon un programme d'entraînement typique, mais continuez à chercher des pépites de découverte.
Ironiquement, ne pas avoir à s'adapter peut conduire à renforcer une compétence qui peut vous aider à vous adapter - celle de reconnaître, puis d'approfondir, la nuance. Lorsque vous prenez des cours avec le même professeur pendant une période prolongée, vous en arriverez à apprendre les qualités subtiles (ou parfois pas si subtiles) qui font leur mouvement leur mouvement . Vous apprendrez à l'intégrer à votre corps d'une manière qui fonctionne pour lui, mais qui honore également la vision et la voix créative du professeur ou du chorégraphe.
Bryce appelle cela «traduction» - une capacité, avec l'adaptabilité, qu'elle recherche en auditionnant des danseurs. Si l'audition en mouvement ne vous est pas si familière, même si vous ne saisissez pas tous les décomptes, chaque bras ou chaque tour d'une audition, vous offrirez quelque chose de plus profond et de plus significatif - ces pépites spéciales de cœur et d'esprit qui vraiment garder le public fasciné. Vous serez également plus prêt à offrir cela sur scène, le moment venu!
Garder un régime d'entraînement vous permettra de continuer à revenir à un, deux, trois ou plus (tout ce qui est possible pour vous) enseignants, et de rendre tout ce qui précède possible. Votre routine, tant qu'elle ne vous met pas dans un espace psychologique où vous la trouvez bouleversante lorsque vous devez en sortir (comme les vacances et autres pauses), peut également vous ancrer dans qui vous êtes en tant que technicien. et artiste. «Nous nous entraînons à venir au studio, à arriver à l'heure, à trouver des nuances dans notre propre corps et à nous mettre au diapason», décrit Passios. De la routine peut naître une base confiante qui nous permet de rencontrer courageusement ce qui est nouveau pour nous.
Jen Passios. Photo par Liza Voll.
Formation croisée peut être une partie importante de cette routine en plus de vous aider à développer et à maintenir votre flexibilité et votre force, elle peut vous apprendre des choses nouvelles et convaincantes sur votre corps. Par exemple, le yoga peut vous aider à coordonner la respiration et les mouvements, tandis que le Pilates peut vous aider à établir une connexion plus claire avec vos muscles abdominaux profonds.
# 3. Développez votre «œil» de danse critique.
Comme autre moyen d'acquérir une plus grande réceptivité aux nuances, prenez le temps de répéter pour observer les saveurs que les collègues danseurs appliquent au mouvement - lorsque les autres «traversent le sol» ou lorsque la classe est divisée pour des «combos». Cela vous amène peut-être à poser une question significative à l'enseignant, et la réponse peut vous aider à vous familiariser davantage avec le mouvement.
christina rose wikipédia
Une autre façon de faire est de porter un œil critique sur les spectacles de danse que vous regardez. Peut-être qu'ils sont dans un style que vous n'êtes pas aussi familier, ce qui peut élargir votre conscience des formes de danse qui existent. Peut-être qu'ils sont dans un style que vous sont familier avec, et vous êtes dans un meilleur endroit pour apporter une vision critique constructive. Les deux sont avantageux!
Remarquez ce qui fait du mouvement ce qu’il est en dehors du travail des autres chorégraphes. Regardez ce que chaque danseur y apporte. Essayez d’y aller avec un ami, et vous pourrez ensuite discuter de ce que vous avez vu, de ce qui a résonné en vous et de ce qui n’a pas été le cas. Mettez-vous au défi de ne pas simplement dire que quelque chose était bon ou mauvais, mais d'expliquer pourquoi quelque chose - pour vous - a fonctionné ou n'a pas fonctionné. Tout cela fait partie de ce qui vous aidera à grandir en tant qu'artiste, en particulier votre adaptabilité et votre polyvalence!
Heather Bryce avec des danseurs. Photo par Arthur Fink Photography.
# 4. Embrassez qui vous êtes, avec tout ce que vous avez à offrir, et abandonnez le perfectionnisme. Au lieu de cela, capitalisez sur vos points forts.
Comme première étape pratique pour embrasser qui vous êtes, «voyez qui vous voulez être en tant que danseur», suggère Bryce. Cela vous aidera à faire le travail nécessaire pour «développer les compétences qui vous y mèneront», explique-t-elle. Si cela signifie suivre un cours sous une forme que vous n'avez jamais dansée, ou avec un professeur stimulant dans une autre que vous êtes plus expérimenté, faites tout ce que vous pouvez et laissez le reste être ce qu'il est, pour le moment - jusqu'à ce que vous ayez le chance d'essayer à nouveau. Faites tout ce que vous pouvez de ce que vous pouvez faire - un battement gracieusement contrôlé, un timing précis ou simplement avoir le plus de plaisir absolu que vous puissiez avoir à danser. Laissez cette confiance et cette joie vous vendre.
Bryce partage comment elle s'est sentie un peu hors de sa zone de confort dans un cours de danse africaine à l'université. Elle pouvait respirer plus facilement avec les sages paroles de son professeur: «Trouvez vos petites victoires», a déclaré le professeur. Bryce ajoute comment, en tant que professeur de danse, elle voit des élèves de tous âges et de toutes capacités ériger des murs de peur et de découragement. Au lieu de cela, elle conseille: «ouvrez votre esprit à la possibilité que vous puissiez danser une nouvelle forme ou un nouveau style», quelque chose qui ne fait peut-être pas partie de votre expérience ou de votre zone de confort. Maintenant va danser!
Par Kathryn Boland de La danse informe.
