Broadway Connection Teaching Artists explique pourquoi la formation en théâtre musical peut être utile pour les danseurs de tous styles et genres.
Êtes-vous un genou en forme de chignon profondément dans les pointes, la laine d'agneau, les couvre-chignons et les épingles à cheveux? Ou un danseur contemporain toujours en fuite entre la classe, la formation d'acro et la convention la plus chaude? Si oui, avez-vous déjà pensé à une formation en théâtre musical? Sinon, c'est le moment! Alors que les danseurs continuent de se diversifier dans leur formation aujourd'hui, assurez-vous de ne pas laisser de côté le théâtre musical.
La formation en théâtre musical peut vraiment profiter aux danseurs d'autres styles et genres de diverses manières. Sans oublier que vous ne savez jamais quand votre studio ou votre future entreprise entreprendra une comédie musicale. Cela vous servirait bien d'être préparé!
Callan Bergmann.
Dance Informa a récemment contacté trois artistes enseignants de Broadway Connection (C.-B.) qui expliquent pourquoi la formation en théâtre musical peut être si avantageuse. Le premier artiste de la Colombie-Britannique, Callan Bergmann , travaille sur la nouvelle production de Broadway Chats . Auparavant, il s'est produit à Broadway dans Rodgers and Hammerstein’s Cendrillon , Off-Broadway dans la comédie Silence! La comédie musicale et en Gentleman préfère les blondes à City Center Encores. Il a également fait des tournées nationales et internationales pour Mary Poppins et Pomme reinette .
Bergmann dit qu'étudier le théâtre musical peut être bénéfique pour les danseurs d'autres origines et techniques, car cela vous rappelle que «la danse est avant tout une histoire de narration».
Il explique: «Dans d'autres formes de danse, il peut être facile d'oublier cela, mais dans le théâtre musical, la narration est toujours au premier plan. Je pense que lorsque les danseurs qui se concentrent sur d'autres techniques étudient le théâtre musical, cela les aide à raconter leur histoire avec leur style de danse principal.
Membre du corps professoral de la Colombie-Britannique Bretagne Conigatti , qui joue actuellement dans West Side Story , accepte sans réserve. Elle a suivi une formation approfondie - elle est diplômée de «The Fame School», a obtenu son baccalauréat en beaux-arts de la New School et s'est beaucoup entraînée avec Paul Taylor, Joffrey Jazz and Contemporary et l'American Music and Dramatic Academy - et elle s'est produite à l'échelle nationale en La Belle et la Bête de Disney , Elfe , Un conte du Bronx , Rocher des âges , Douce charité , L'homme de la musique , Laque pour les cheveux et Mathilde .
«Le théâtre musical se concentre sur la narration à travers tant de facteurs: la langue, le dialogue, les paroles et, bien sûr, le mouvement et la chorégraphie pour communiquer un message ou une histoire à un public», partage-t-elle. «Je pense qu'étudier le théâtre musical complète un interprète en lui donnant un moyen de communication très spécifique et met ces interprètes au défi de communiquer non seulement à travers les techniques de danse qu'ils étudient, mais aussi par eux-mêmes.
Roddy Kennedy.
De même, un membre du corps professoral de la Colombie-Britannique Roddy Kennedy , qui joue actuellement dans le succès de Broadway Hamilton , est d'accord avec Bergmann et Conigatti, désignant la narration comme un trait important du théâtre musical. Son expérience en tournée avec des productions de Graisse , la célébrité , Dans les hauteurs , Joseph… et Jeu de pyjama lui a permis de mieux comprendre ce qu'exige la narration et pourquoi les danseurs doivent l'étudier dans un contexte de théâtre musical.
«J'ai découvert que dans la danse de théâtre musical, nous partons de la narration et du mouvement basés sur l'intention», dit Kennedy. 'Votre objectif dans la formation de théâtre musical est une approche beaucoup plus interne vers l'extérieur de la performance de votre personnage, par opposition à la formation externe que nous trouvons avec la formation technique.'
Il explique: «Cela signifie que, depuis le début du théâtre musical, lorsque vous donnez du mouvement, vous, en tant qu’ «artiste», êtes obligé de poser des questions de «Pourquoi?» Pourquoi mon personnage est-il motivé à bouger de cette façon? Le centre du mouvement devient une conversation immédiate de cause et d'affect dans le scénario de ce numéro et le scénario général de la série. Après avoir décrit cela, nous revenons en arrière et finissons le mouvement avec un entraînement à la technique de danse, alors que dans le ballet, le claquette, le jazz ou le hip hop, vous vous concentrez sur la technique de base du mouvement et le placement / alignement correct du corps pour commencer et ensuite. ajoutez des couches de performances. »
Conigatti souligne que la formation au théâtre musical aide également à apprendre aux danseurs à utiliser leur voix. Au lycée, lorsqu'elle a étudié à «The Fame School», elle se souvient avoir auditionné et fait le casting pour sa première comédie musicale professionnelle, Paper Mill Playhouse’s Disney High School Musical sur scène.
Bretagne Conigatti. Photo de Robert Mannis.
«Étant si jeune et nouvelle dans le monde du théâtre musical, entrer dans la salle de répétition pour une comédie musicale était très différent d'en entrer pour une pièce de danse ou un concert comme j'étais habituée», dit-elle. «Par exemple, j'étais fasciné par la façon dont les répétitions musicales se déroulaient. À ce moment-là de ma vie, je n’avais pris aucun cours de chant, sauf un cours collectif où j’ai appris «All That Jazz». Je savais peu ou rien du théâtre musical, sauf que j'adorais assister aux spectacles de Broadway. Alors, au moment des répétitions musicales, j'enregistrais tout ce qui était dit, et je m'asseyais et j'écrivais des définitions à côté des différentes notes ou notations de la musique, de sorte qu'en rentrant chez moi, je puisse commencer à avoir une idée comme à ce dont parlait le directeur musical.
Cette incursion dans le théâtre musical lui a permis de vraiment tester sa voix pour la première fois et d'apprendre à lire et à interpréter la musique, lui donnant une longueur d'avance sur d'autres danseurs qui n'avaient aucune idée de comment faire ces choses. Dans le même ordre d'idées, Bergmann souligne que le théâtre musical donne aux interprètes une «bien meilleure compréhension de la musicalité».
«La musicalité est quelque chose qui, pour moi, sépare vraiment un danseur étonnant d'un bon danseur», dit-il.
En plus des raisons déjà mentionnées (raconter des histoires, utiliser votre voix et promouvoir votre musicalité), Conigatti dit que le théâtre musical est également bénéfique car il vous donne souvent des chances de développer de manière unique vos compétences en travail d'équipe, de développer votre kit d'outils de partenariat, d'augmenter votre adaptabilité et flexibilité, et pour accroître votre confiance personnelle en pratiquant un nouveau type de qualité de performance.
À un moment donné, dit-elle, «je pense que les auditions de théâtre musical m'ont poussé à me sentir en sécurité avec qui je suis et ce que je sais que j'apporte à la table en tant qu'interprète. Le talent n'est pas toujours ce qui fait ou brise les décisions - l'âge, la taille, le type de corps, la couleur des cheveux, etc., tous deviennent des facteurs dans cette industrie. Je me sens très chanceux qu'à un si jeune âge mes parents m'ont mis dans la danse, et depuis, j'ai eu la chance d'explorer d'autres débouchés tels que les conventions et les classes de maître, d'assister à l'une des meilleures écoles d'arts du spectacle du pays, jusqu'à maintenant pouvoir poursuivre mon rêve! Mon parcours depuis mon enfance jusqu'à maintenant m'a permis de grandir en tant qu'interprète. Je relève chaque défi et me pousse à réussir. Le théâtre musical a été ce qui a lié tout cela. Cela me permet de monter sur scène nuit après nuit et d'utiliser mon corps comme instrument pour partager le message / la morale d'une histoire.
Artistes de Broadway Connection. Photo de Krista Greves.
Pour les étudiants danseurs souhaitant se plonger dans le théâtre musical pour la première fois (ou tout simplement à nouveau), Connexion Broadway propose des classes de maître et des ateliers à travers le pays. Les écoles et les studios invitent ces artistes à enseigner dans leurs espaces domestiques, offrant un mentorat et des conseils intimes et presque individuels dans ce style de danse. En plus des nombreux avantages déjà évoqués, les artistes enseignants de la Colombie-Britannique cherchent également à transmettre quelque chose d'encore plus significatif - une éducation sur la façon d'être des «artistes créatifs» et «générateurs» dans la vie.
La cofondatrice et directrice artistique de la Colombie-Britannique, Jennifer Jancuska, déclare: «La formation en théâtre musical encourage, enseigne et inspire les danseurs à devenir des artistes générateurs avec une voix. Au théâtre, nous collaborons en tant qu'ensemble pour raconter une histoire, pour communiquer. Ces compétences repoussent les limites de la technique de la danse et sont essentielles dans tous les domaines de la vie. De plus, c'est amusant! »
Bergmann l'appuie en ajoutant: «Je pense que les jeunes intéressés à poursuivre une carrière dans la danse doivent être des artistes plutôt que des techniciens. Broadway Connection offre la possibilité non seulement de développer la capacité de danse, mais aussi d'explorer la pensée artistique. L'expérimentation au sein des classes permet un processus créatif auquel les jeunes artistes doivent impérativement être exposés. »
Kennedy, qui est passionné par l'exploration et l'expérimentation, dit que cela doit être enseigné car «avoir un environnement qui vous permet et vous soutient de prendre des risques en toute sécurité et éventuellement d'échouer est les l’atmosphère la plus réussie. Il ajoute: «En tant que parent, cela devrait être encouragé envers votre jeune artiste. Donnez-leur vraiment les moyens de traiter la danse ou le théâtre musical comme n'importe quel autre projet d'expo-sciences ou d'histoire. Demandez-leur d'étudier dur et de faire des recherches. Demandez-leur de s'exercer et de dialoguer avec eux sur leurs progrès. »
Artistes de Broadway Connection. Photo de Krista Greves.
Conigatti souligne: «Avoir cet état d'esprit et cette concentration ont un impact sur la longévité des danseurs, empêchant l'épuisement professionnel en permettant au danseur de ne pas tomber dans une routine banale. Être dans la mentalité de la création et de l'exploration fait constamment travailler l'esprit hors du plaisir, qui se transforme globalement en bonheur pour l'interprète.
concours de danse mascarade 2015
En résumé, Bergmann note: «La salle de classe Broadway Connection est la classe de théâtre musical la plus diversifiée et la plus complète du pays. Les professionnels en activité offrent un aperçu de ce qui est nécessaire pour une carrière professionnelle réussie, ainsi qu'exposer les danseurs à la technique, à la créativité et à la générosité qui leur permettront de grandir à la fois en tant que danseurs et en tant qu'êtres humains.
Kennedy conclut: «Nous vous demandons d'apporter votre personnalité la plus positive et la plus ouverte au travail. Apportez les questions que vous pourriez avoir et apportez également les informations que vous avez trouvées. Nous encourageons le besoin d'exploration et la discipline à se concentrer afin que vous puissiez apprendre. Tout cela nous permet à notre tour de nous amuser.
Par Chelsea Thomas de La danse informe.
Photo (en haut): artistes de Broadway Connection. Photo de Krista Greves.
