Boston Ballet dans le «Concerto pour violon Stravinsky» de George Balanchine © The George Balanchine Trust. Photo de Liza Voll, gracieuseté du Boston Ballet. Boston Opera House, Boston, Massachusetts.
17 mai 2018.
George Balanchine - sans doute la personne la plus responsable de l'esthétique du ballet américain. On ne saurait trop insister sur l’influence d’une restitution aussi fréquente de ses œuvres, ainsi que de celle du New York City Ballet et de son terrain d’entraînement, la School of American Ballet (où il a été à la barre pendant des décennies).
Il a exigé beaucoup de ses danseurs 'Je ne veux pas de gens qui veulent danser… Je veux des gens qui ont besoin de danser', aurait-il dit. Avec une prise de conscience croissante de la santé et du bien-être des danseurs, certains indiquent que Balanchine est également responsable d'épidémies de blessures et de troubles de l'alimentation, compte tenu des précédents qu'il a dit pour l'apparence physique et le style de mouvement souhaités.
Derek Dunn et Lia Cirio dans «Prodigal Son» de George Balanchine © The George Balanchine Trust. Photo de Liza Voll, gracieuseté du Boston Ballet.
Pourtant, la vision de Balanchine était également révolutionnaire pour l’époque. Son travail de phrase, son timing et ses formations sont audacieux, inventifs et convaincants. Son travail a sans aucun doute amené de nombreux mécènes, bailleurs de fonds et danseurs en herbe sur le terrain. En regardant ces œuvres aujourd'hui, nous pouvons tenir ces deux choses ensemble dans nos têtes en même temps - que certains aspects de son héritage sont problématiques et que ses réalisations dans l'ensemble étaient louables. Avec des restagings honnêtes et accomplis, le Boston Ballet a certainement offert une vision aussi claire avec Balanchine classique .
Le spectacle a commencé avec Fils prodigue (1929), une répétition inventive de cette parabole chrétienne. Des lumières se sont allumées sur un fond peint de maisons et de champs simples, tous avec une ancienne sensation biblique. La pantomime et le mouvement ont marqué le début de l'intrigue - un jeune homme (Derek Dunn) voulait de son père ce qu'on lui avait promis, voyager et partir à l'aventure par lui-même. Dunn a exécuté une séquence forte mais douce de sauts de cerf et un virage avec la jambe de travail à 45 degrés. Cette phrase a été répétée, renforçant la force de volonté de ce personnage.
La scène suivante comprenait des personnages avec une sensation animale. Ils ont glissé en deuxième position profonde plié, puis ont sauté tout droit avec les genoux fléchis et les pieds fléchis. Leurs gestes étaient rudes et séduisants. Puis est entré dans La Sirène (Lia Cirio) - lisse, majestueuse et captivante. Elle était en rouge vif de la tête aux pieds. Le personnage de Dunn était transpercé. L’utilisation d’un foulard a démontré l’ingéniosité de Balanchine, elle l’enroula autour d’une jambe et, avec un orteil relevé, la maintint fermement en se retournant et en marchant.
avery et marcus monde de la danse
Derek Dunn et Boston Ballet dans «Prodigal Son» de George Balanchine. © Le George Balanchine Trust. Photo de Liza Voll, gracieuseté du Boston Ballet.
Alors que de nombreuses œuvres de Balanchine étaient sans intrigue, il a démontré ici une astuce métaphorique, cette prise de l'écharpe faisant allusion à la prise serrée de La Sirène sur le personnage principal. On pourrait dire la même chose du personnage dans son ensemble, une incarnation humaine des tentations d'agir pour une satisfaction immédiate. L'action s'intensifia alors que les créatures volaient tout ce qu'il avait, même la plupart de ses vêtements. Il se tenait sous les projecteurs, presque nu.
Cela me parut un moment de calcul. Il a simplement dû changer son état actuel. Le personnage de Dunn est retourné à la succession de son père (le même ensemble signifiant le retour à cet endroit). Comme cela se produit dans le conte biblique, les serviteurs l'ont vu en premier. Le père a émergé, et le personnage du fils prodigue a rampé vers lui, rampant à ses pieds dans la révérence et dans une recherche de miséricorde. Il se leva, assisté de son père. Il a sauté dans les bras de son père et le rideau est tombé sur le père qui l’emportait.
J’ai trouvé l’absence du personnage du deuxième frère ici intrigante, car ce personnage représente une grande partie du message moral de la parabole chrétienne. Cette absence était peut-être un choix judicieux de Balanchine, pour éviter que le ballet ne devienne une lourde moralisation chrétienne. Dans l'ensemble, en mouvement, en structure et plus encore, cette restitution de l'œuvre de Balanchine était à la fois agréable et stimulante.
Le deuxième travail, Concerto pour violon de Stravinsky (1972), était encore plus «Balanchine classique». Les offres de mouvement pur ont remplacé l'intrigue comme un point central. Les danseurs portaient des hauts blancs et des leggings noirs, tandis que les ballerines portaient des justaucorps noirs et des collants roses. Deux ballerines solistes portaient cependant des collants noirs, ce qui signifiait leurs rôles les plus significatifs. Les sauts rapides étaient nets, les talons relevés aidaient à maintenir la vitesse. Hanches surélevées et autres ajustements non traditionnels, lignes allongées et exagérées.
John Lam et Kathleen Breen Combes dans le «Stravinsky Violin Concerto» de George Balanchine. © Le George Balanchine Trust. Photo de Liza Voll, gracieuseté du Boston Ballet.
À un certain niveau, une partie de moi est toujours préoccupée par l’usure des articulations des danseurs que ce style néoclassique peut provoquer. Une autre partie est continuellement fascinée par l’ingéniosité des images de Balanchine. Dans cette performance, j’ai également été impressionné par la polyvalence des danseurs du Boston Ballet. Ils semblaient parfaitement à l'aise dans les nuances du style, comme s'ils dansaient et s'entraînaient principalement pendant des années. Quoi que cette compagnie danse, elle le fait à 100% - pas de raccourcis, pas de lacunes, pas de maillons faibles dans la chaîne.
Le travail a commencé avec une pincée de postmodernisme - les danseurs debout sur une même ligne, posés mais immobiles. Au fil des secondes, il était difficile de ne pas se demander quand ils commenceraient à danser. En un éclair, ils ont levé les bras en un «V» pour joindre leurs mains. La ballerine solo (avec quatre danseurs, deux de chaque côté d'elle) s'est levée sur pointe au battement en avant, puis a exécuté d'autres jeux de jambes complexes.
La section a continué à la présenter, les quatre danseurs derrière elle à l'appui. «Le ballet est une femme», aurait affirmé Balanchine. Les changements de hanches rapides et les formes basses d'attitude étaient particulièrement mémorables, devenant des accents digestibles pour des mouvements plutôt rapides. Une section suivante a inversé la structure de genre, avec quatre ballerines et un danseur. Tout comme la première section a commencé avec une implication d'unité, ils sont entrés dans une longue file, les mains jointes. Cette connexion offrait un sentiment réconfortant de jeu et de joie.
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Deuxpas de deuxa suivi cette section. Dans le premier, «Aria I», Kathleen Breen Combes et John Lam étaient à la fois ancrés et légers. La chorégraphie était intrigante parsemée de mouvements et de fioritures stylistiques d'autres formes, telles que les acrobaties avec entrée et sortie d'une forme de Wheel Pose, et la danse jazz avec une portée accentuée des mains de jazz. Dans «Aria II», Maria Baranova et Paul Craig ont interprété des mouvements virtuoses, mais aussi des moments plus doux et plus lents.
Misa Kuranaga et Patrick Yocum dans la «Chaconne» de George Balanchine. © Le George Balanchine Trust. Photo de Liza Voll, gracieuseté du Boston Ballet.
Craig lui offrit une douce étreinte sur les épaules, et Baranova se pencha en arrière en lui, les initiant à rouler des torses. Comme c'est le cas pour une grande partie du mouvement de Balanchine, il s'agissait plus de nuance que de taille. Comme discuté, à quel point l'exécution de cette nuance est physiquement sûre, à la vitesse prévue par Balanchine, est une conversation valable à avoir - c'est-à-dire si les danseurs ayant une longue et saine carrière est une priorité. Et je pense que ça devrait l'être.
Une section d'ensemble a terminé le travail, avec un jeu de jambes rapide et de petits sauts offrant une sensation raffinée mais folklorique. Tout est revenu à ce sentiment de connexion. Le travail s'est terminé avec l'ensemble tourné fièrement vers l'extérieur, la joie du mouvement élevant leurs cœurs. Le sentiment était contagieux.
Chaconne a fini la nuit, m'amenant dans son monde de rêve éthéré. Une palette de couleurs bleu et blanc, y compris une toile de fond rappelant les nuages gonflés, a contribué à créer ce sentiment. Ceci associé à la musique légère et sinueuse (de Christoph Willibald von Gluck, musique de ballet de l'opéra Orphée et Eurydice , 1762), un sentiment spirituel prévalut. C'était comme un petit aperçu des représentations traditionnelles du paradis. J'ai pensé à la section du livre de Jennifer Homans Les anges d'Apollon , lorsqu'elle explique comment les danseurs classiques croyaient que la danse pouvait rapprocher les humains de Dieu.
Boston Ballet dans la «Chaconne» de George Balanchine. © Le George Balanchine Trust. Photo de Liza Voll, gracieuseté du Boston Ballet.
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La chorégraphie était un peu plus lente, avec moins de changements de hanche et des sauts rapides. Pourtant, les signatures balanchines, comme une hanche surélevée pour augmenter la hauteur d'une arabesque et des pieds traversant la jambe échouée en passe, étaient encore claires. Patrick Yocum a exécuté un élégant ballon. Les lignes de Misa Kuranga étaient claires et magnifiquement énergisées. L'ensemble a effectué un mouvement de déplacement à travers la quatrième position, balayant le bras avant sous et en avant, pour ensuite bourrer dans un espace plus élevé.
D'autres moments, comme un cercle se réunissant au centre de la scène pour ensuite se développer dans une autre formation, étaient merveilleusement harmonieux. Pourtant, cette signature Balanchine intrigante - priorisant sans doute la forme et la ligne par rapport à ce qui est lui-même harmonieux dans le corps - est restée. Avec des œuvres telles que celles de Balanchine, celles qui vivent bien au-delà de leurs créateurs, efforçons-nous d'honorer la réalisation en eux mais aussi de les critiquer avec sagesse et discernement.
Par Kathryn Boland de La danse informe.
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