Boston Ballet dans «Donizetti Variations» de George Balanchine. Photo de Rosalie O'Connor, gracieuseté du Boston Ballet. Boston Opera House, Boston, Massachusetts.
23 mars 2017.
«Tout est juste dans l’amour et la guerre», disent-ils. On pourrait ajouter de l'art à cela - ce qui signifie que, si elles sont bien conçues et intentionnelles, toutes les approches artistiques peuvent avoir de la valeur. Étant donné les possibilités infinies du corps humain et son mélange avec d’autres médiums artistiques, c’est particulièrement vrai de la danse. Certaines compagnies de danse présentent la polyvalence et la manière de travailler ciblée qui peuvent leur permettre d'offrir du travail dans n'importe quelle approche artistique, avec grâce et style. Avec Ailes de cire , Le Boston Ballet a une fois de plus démontré qu'il faisait partie de ces sociétés.
Boston Ballet dans 'Donizetti Variations' de George Balanchine. Photo de Rosalie O’Connor, gracieuseté du Boston Ballet.
Le premier des trois travaux du programme était Variations Donizetti, une re-mise en scène de George Balanchine de style plutôt classique. L'esthétique visuelle des costumes bleu ciel, blanc et rose (pour les ballerines) et un fond bleu bébé assorti ont créé une base harmonieuse et agréable pour la danse à venir (costumes fournis par Miami City Ballet). Casting de trois danseurs masculins et six ballerines ont permis des formations ordonnées de triangles, des lignes de paires et d'autres explorations numériques. Les changements fréquents dans ces formations, ainsi que le tempo, ont apporté de l'intrigue et un sentiment de plaisir à cette qualité ordonnée.
Caractéristique des œuvres Balanchine,allégroétait une vitesse vertigineuse. En plusadageles sections, les lignes et les extensions étaient fluides et palpitantes d'énergie. Une section contenant ces deux qualités présentait l'une des trois paires dans lesquelles la première ballerine a tourné, offrait unarabesqueetpenché, et les deux autres paires l'ont suivie. Les œuvres de Balanchine ont également été caractérisées par des moments ironiques faisant allusion à des tendances post-modernes telles que la méta-analyse (l'art se commentant sur lui-même) - y compris celle d'une ballerine qui lui cogne apparemment l'orteil, la vérifie.pointechaussure et de retourner à sa place en formation. Un travail plutôt classique dans l'ensemble mais des moments plus modernes étaient certainement du jeu équitable, et ajoutaient au plaisir que la pièce offrait.
Le travail suivant était l'homonyme du programme,Jirí KyliánS Ailes de cire. Un arbre renversé, ses nombreuses branches nues, a immédiatement attiré l’œil. Un faible éclairage et des costumes noirs ont contribué à une qualité spartiate dépouillée globale. Un projecteur itinérant tournoyant au-dessus de la tête a contribué au mystère primordial. Parfois, les danseurs s'approchaient assez près des branches les plus basses de l'arbre suspendu, et les allusions au conte d'Icare et de ses ailes en fusion étaient assez claires. Pourtant, ces allusions étaient plus stratifiées et nuancées qu'une simple référence, peut-être un recadrage du vieux conte pour les complexités du monde moderne.
Boston Ballet dans «Wings of Wax» de Jirí Kylián. Photo de Rosalie O’Connor, gracieuseté du Boston Ballet.
Une partie de ce recadrage était des références aux qualités des interactions humaines. Les danseurs ont partagé et résisté au poids de chacun, manipulant habilement les forces cinétiques. Les paires aux poignets croisés avaient un danseur qui patinait apparemment sur Marley dans un plié bas et juteux, par exemple. Il y avait à la fois une attirance et une résistance de l'autre. À défaut de tout commentaire social, cette utilisation du poids et de la gravité était belle à voir. Il y avait d'autres phrases aussi magnifiques qui auraient pu offrir un commentaire social puissant, mais qui sont assez précieuses en dehors de cela.
Un de ces moments était avec un groupe de danseurs marchant lentement sur place tandis qu'un autre dansait athlétiquement et rapidement devant et autour d'eux. Nous nous déplaçons souvent à des vitesses différentes et nous nous manquons parfois. Mais, inévitablement, nous partageons l'espace et le temps. Pourtant, cette section était vraiment quelque chose à vivre sans une telle interprétation. Le travail s'est conclu de la même manière, avec un couple homme-femme s'enroulant de la poitrine à la tête, se repliant puis se relâchant pour changer de côté. Ils ont continué à alterner les côtés avec ce mouvement pendant que le rideau tombait. C'était une fin fascinante à l'expérience, et aussi potentiellement riche de sens sur la nature cyclique de nos vies et les relations qui les entourent. La pièce nous a amenés loin dans le royaume post-moderne que le premier a osé s'aventurer. Pourtant, chaque œuvre offrait quelque chose de spécial.
La troisième et dernière œuvre du programme, Alexander Ekman Cactus , était encore plus post-moderne. La focalisation méta-analytique était apparente dès le début, avec des commentaires sur la façon dont les forces artistiques classiques et contemporaines ont tendance à s'affronter mais peuvent ensuite se réconcilier par le compromis et la collaboration. Les musiciens ont émergé de l'ombre alors que les danseurs se levaient, bougeant avec des mouvements intrigants et non conventionnelsport de brasmotifs. Le brouillard montait des ombres et montait dans les lumières tamisées (conception d'éclairage de Tom Visser). Cette atmosphère mystérieuse était joyeuse et énergique, plutôt que angoissée. Les percussions corporelles et au sol, par exemple, ont contribué à un rythme captivant. Les phrases de mouvement extrêmement athlétiques étaient tout aussi captivantes.
D'autres moments du tableau offraient un contraste saisissant avec ce mouvement frénétique et athlétique. Un moment pittoresque, par exemple, a été celui avec tous les danseurs agenouillés, tendant un bras à hauteur d'épaule tout en regardant dans cette direction. Le niveau général de l'espace s'est élevé lorsque les danseurs ont soulevé leurs planches blanches, pour les abaisser et les relever à nouveau. D'autres exploits sportifs ont honoré la scène alors que les danseurs sautaient et disparaissaient derrière leurs planches. Sens approfondi au fur et à mesure que la narration recommençait, l'orateur a identifié ces planches blanches comme des «piédestaux d'ivoire» et a fait référence à la façon dont les artistes ont vécu et se sont cachés derrière ces piédestaux.
Boston Ballet dans «Cacti» d’Alexander Ekman. Photo de Rosalie O’Connor, gracieuseté du Boston Ballet.
Avec la tension raciale en Amérique ces derniers temps, on ne peut s’empêcher d’absorber cela comme un commentaire sur la façon dont les arts - dans l’accès à leur création, à leur éducation et à leur audience - font partie de ce dialogue nécessaire sur la race. Pourtant, tout cela évitait trop enivrant, sérieux ou prosélytisme. «Ce sont les cactus», a affirmé le narrateur, avec de nombreuses interprétations possibles, oui, mais juste inattendues et apparemment assez absurdes pour faire rire les membres du public. Tout cela mis à part, la beauté des danseurs marchant lentement - comme dans une méditation ambulante, sous un faible éclairage - était à couper le souffle. Les danseurs ont ensuite utilisé leurs «piédestaux d'ivoire» pour créer ce qui ressemblait à la façade d'un bâtiment. La course comme construction? On peut donc supposer.
Pourtant, tout est resté assez léger pour ne pas plonger les spectateurs dans une discussion sur la race. La clé de cette légèreté était un duo avec deux danseurs apparemment en répétition, plus une narration en voix off offrait leur dialogue ironique pendant qu'ils travaillaient sur certaines phrases de mouvement. Les deux danseurs résistent et se replient l'un sur l'autre aussi naturellement que de marcher. Leur confort dans leur partenariat a probablement aidé le public à se sentir tout à fait à l'aise - assez à l'aise pour rire. De l'amusement, à la crainte, à la curiosité, à une réflexion plus profonde, l'art peut tout offrir. Et le Boston Ballet est une compagnie qui a l'ouverture et la maîtrise artistique nécessaires pour explorer toutes ces possibilités. Tout cela est juste.
Par Kathryn Boland de La danse informe.
