Alvin Ailey American Dance Theatre dans la «Messe» de Robert Battle. Photo de Paul Kolnik. Il y a juste quelque chose dans la danse. En son sein, nous pouvons trouver une harmonie, une connexion et un flux uniques en nous-mêmes et avec les autres. Cela peut être une expérience de l’âme brute. La danse de concert, à son meilleur, peut rendre cette expérience fondamentalement claire. Les artistes interprètes ou exécutants qui trouvent une âme de cette manière peuvent vraiment résonner avec les téléspectateurs et se connecter à leur empathie innée, notre véritable sentiment de connexion avec d'autres êtres humains. Ils peuvent même nous inciter les téléspectateurs à découvrir cette expérience de l'âme - cela en nous-mêmes et chez les autres.
AAADT Dancers in Rennie Harris 'Exodus'. Photo de Paul Kolnik.
Alvin Ailey American Dance Theatre (AAADT) a offert cela, et bien plus encore, dans un programme diversifié au City Center. Le premier morceau, Exode , chorégraphié par Rennie Harris, a commencé avec un air de mystère - une bande horizontale de lumière se répandant au-dessus de la scène, et tout le reste sombre (éclairage par James Clotfelter). Il y avait assez de lumière pour voir un danseur marcher lentement. Le bruit d'un coup de feu retentit et lui - ainsi que des danseurs affalés sur la scène - sursauta. Oh oui, étions-nous les membres du public attirés par l'attention! Tout le monde semblait aller bien - ouf!
Une narration intrigante a commencé, une grande partie semblant plutôt «méta» - une forme d'art commentant elle-même et la nature de l'art lui-même. Un vers était magnifiquement poétique, et semblait se démarquer comme important: 'C'est l'expérience publique de l'âme divine.' Pendant tout ce temps, les danseurs ont continué à bouger lentement, prudemment, de manière fluide mais méthodique. Ils sont lentement passés à des niveaux plus élevés. L'éclairage a augmenté au point que les ombres se déplaçaient sur le fond noir uni - des figures imposantes semblant annoncer le potentiel plus élevé et plus grand de ces personnages.
AAADT Dancers in Rennie Harris 'Exodus'. Photo de Paul Kolnik.
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À un certain niveau, cela s'est concrétisé, car la musique a pris de la vitesse et les danseurs ont continué avec elle. Ils se déplaçaient dans des formations convaincantes, avec un non-unisson captivant et un unisson puissant et net. Les signatures et les variations idiomatiques du hip-hop - comme le pop et le lock, les body rolls et les «top-rocks» - étaient claires. Pourtant, sans perdre le sentiment de force ancrée que ce mouvement exige, les danseurs se déplaçaient avec les douces jelly-joints de danseurs contemporains chevronnés.
Peut-être plus important encore, l'unité et l'inclusivité ont prévalu. Un peu de narration a annoncé: «Vous pouvez être noir, vous pouvez être blanc. Vous pouvez être un Gentil, vous pouvez être un Juif. Ne faites aucune différence dans notre maison. » Ils incarnaient ce sentiment de connexion inclusive lorsqu'ils arrivaient à un gros bloc et se déplaçaient plus lentement, de manière fluide - leurs membres comme les tentacules d'une amibe. Ils ont éclaté pour des formations plus mouvantes, à l'unisson et non à l'unisson. Finalement, le rideau tomba, mais ils étaient toujours debout. Leurs âmes connectées continueraient à danser.
AAADT dans la «Messe» de Robert Battle. Photo de Paul Kolnik.
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Le deuxième travail, Masse ,du directeur artistique de l'AAADT, Robert Battle, était assez différent dans le ton et l'atmosphère. Il a dépeint un type différent d'unité, mais une unité tout de même. Des danseurs vêtus de robes fluides rouges et jaunes (costumes de Fritz Masten) se déplaçaient ensemble comme le font les atomes dans des réactions chimiques. Un décollement et un encerclement de l'un ont conduit les autres à suivre. Quelques sauts et chutes sur terre ont amené d'autres à faire de même. Une rose après tout est tombée, et plus lentement, une à une. Les danseurs individuels étaient des catalyseurs pour de nouveaux mouvements et des changements énergétiques.
Compte tenu également de la couleur de leurs robes, on pouvait voir les danseurs comme de l'énergie pure. Le titre évoque également une signification religieuse / spirituelle, certainement dans la pièce à trouver également. Lumière et ténèbres, les relations entre l'individu et le collectif évoquent le bien et le mal, la pratique religieuse et spirituelle. Quel que soit le sens qui puisse résonner, le visuel et le sensoriel étaient là pour en profiter. Passage rapide aux tonalités de xylophone, à l'immobilité dans le mouvement trash, et plus encore les yeux et les esprits sont joyeusement engagés.
La troisième œuvre, celle de Christopher Wheeldon Après la pluie Pas de Deux, était une belle modernisation d'un classiquepas de deux,dansé par Jacqueline Green et Yannick Lebrun. Le mouvement était lent et méthodique pour commencer, puis il a trouvé une plus grande vitesse et une plus grande libération lorsqu'un violon solo est entré pour rejoindre la partition de piano chantante. La mise à la terre et le travail au sol étaient des contrepoids aux ascenseurs élevés et aux extensions qui atteignaient le ciel. Ce n’était pas classique. Ce n’était pas moderne. C'était juste ce qui était - visuellement frappant et émouvant.
Akua Noni Parker de Alvin Ailey American Dance Theatre et Jamar Roberts dans «After the Rain Pas de Deux» de Christopher Wheeldon. Photo de Paul Kolnik.
Le vert a tourné sur la cuisse robuste de Lebrun (dans un plié profond àla seconde), un pied posé là et l'autre tendu vers le côté opposé de la scène dans un jolibattement. Il soutenait sa fuite, son lien avec la liberté. Dans une paire étonnante similaire, un pied sur sa cuisse s'est écarté de l'autre en une scission - la relâchant finalement pour la faire atterrir dans une scission complète à la terre. Ces moments de connexion tangible étaient puissants et mémorables, mais leur connexion énergétique était encore forte lorsqu'ils dansaient à part (parfois à l'unisson, parfois en solo simultané).
Un élément qui aurait pu ajouter une valeur esthétique supplémentaire à la pièce - Green avait une signature, un solide comme le roc, presque verticaldéveloppéqu'elle offrait souvent. Lebrun n’avait pas une telle signature, car dans la tradition classique, son but semblait être de faire preuve de force et d’aider sa partenaire féminine à briller. Quelque chose semblait lui demander d'avoir aussi son propre mouvement unique. La pièce s'est détournée de la tradition classique par d'autres moyens, avec beaucoup de succès, alors pourquoi pas de cette manière? Je suis convaincu que Wheeldon pourrait créer quelque chose de merveilleux pour le partenaire masculin dans le travail à travers lequel démontrer son individualité.
La quatrième et dernière œuvre, Billy Wilson L'hiver à Lisbonne , a fermé la nuit avec une énergie joyeuse. Vocabulaire de la musique jazz et du mouvement (isolations, parallèlepasséset autres) a apporté une atmosphère de club de jazz. Des costumes aux couleurs vives (de Barbara Forbes) mélangés à un éclairage un peu faible et brumeux (de Chenault Spence), ont aidé chaque mouvement des danseurs à ressortir - tout comme les notes de la partition de jazz nerveuse. De petites vignettes ont rempli la pièce, tout comme des couples, des groupes et des solos séparés dans un club de jazz ont leurs propres nuits - et des histoires de vie plus grandes - se déroulant côte à côte.
Alvin Ailey American Dance Theatre dans «Winter in Lisbon» de Billy Wilson. Photo de Teresa Wood prise au John F. Kennedy Center for the Performing Arts.
Michael Francis McBride se déplaçait avec une douceur frappante, mêlant mouvement piéton et mouvement hautement technique au point où tout n'était que son merveilleux mouvement. Michael Jackson, Jr. et Kanji Segawa le rejoignirent, avec une facilité similaire mais plus musclée. Ils bougeaient ensemble comme de vrais copains qui se contentaient de groover, aussi naturels et joyeux que possible. Un duo suivant fait écho Après la pluie , mais avec une sensation plus sensuelle et plus sombre. Ghrai DeVore et Jacquelin Harris portaient une nuance de violet, une couleur classique de la royauté.
Ils étaient tout aussi dignes et assurés dans leur performance. Elle se retourna en battement, et il la rattrapa à mi-tour. C'était simplement une confiance et une connexion complètes. Une dernière section d'ensemble a suivi, à l'apogée de l'ambiance joyeuse et énergique de l'œuvre. Il y a eu des moments de style Fosse, tous axés sur un roulement d'épaule et un changement de tête. Il y en avait d'autres avec l'engagement du corps entier. Les mains joignirent les poignets en tournant, puis le jeu de jambes au sol.
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Les lumières se sont estompées sur un tableau de poses confiantes. Il y avait un sentiment de joie continue, même si ce qui était pour le public était terminé. Tout cela était une version différente de la «démonstration de l'âme publique» sur laquelle se concentrait le premier travail, et vraiment tous exposés. Il y a tellement de façons dont l'art de la danse peut offrir cela. AAADT en a offert quatre ici, quatre à chérir et à ne pas oublier de sitôt.
Par Kathryn Boland de La danse informe.
