Articles De Fond | Avril 2024

Par Rebecca Martin.

Parlez d'ouvrir une boîte de vers. Avec la sortie du livre de Jennifer Homans Les anges d'Apollon , qui retrace l'histoire du ballet, est venu une vague de débats sur l'épilogue inclus à la fin du livre. Dans ce document, Homans suggère que le ballet est soit mort, soit mourant. Une telle déclaration inspirera certainement une réponse des amateurs de ballet, des danseurs et des étudiants, que cette réponse soit un sage signe d'accord ou une réfutation furieuse.

«Après des années à essayer de me convaincre du contraire», écrit Mme Homans, «je suis maintenant sûre que le ballet est en train de mourir.»

Le nœud de l'argumentation d'Homans est centré sur l'idée que des pièces comme celle de George Balanchine Fun n ° 15 sont devenus insignifiants et n'ont plus la capacité de déplacer le public. Alors que de nombreuses œuvres d'art ne parviennent pas à survivre au passage du temps, dans le cas du ballet classique et des pièces de ballet modernes qui ont duré des décennies et sont encore jouées et appréciées à ce jour, ce n'est pas la pièce qui est devenue triviale. C’est l’exposition du public à des œuvres plus récentes, une meilleure technique et une mise en scène plus impressionnante des productions qui ont changé la façon dont nous voyons les œuvres plus anciennes. Le chorégraphe, danseur, maître de ballet et metteur en scène Robert Kelly dit: «Dire que le ballet est en train de mourir équivaut à dire que« la musique classique est passée »ou que« le surréalisme est mort ». C’est une forme d’art avec un patrimoine merveilleux et une histoire riche ». En effet, tout comme les chansons populaires ou les déclarations de mode qui ont été un grand succès lors de leur sortie et sont maintenant une source de ridicule et sont pour la plupart oubliées, de nombreuses pièces de ballet seront louées lors de la première et tout aussi rapidement écartées de la mémoire. Ils deviendront datés et banals. Toutes les productions ne deviendront pas un classique, et toutes les performances ne seront pas mémorables.

Australian Ballet interprète The Possibility Space de Nicolo Fonte. Photo Jeff Busby

Le directeur artistique du Ballet australien, David McAllister, estime que le ballet est bien vivant. «Il y a tellement d'entreprises dans le monde qui créent une myriade de nouvelles œuvres qui explorent la technique du ballet et l'utilisent de manière complètement nouvelle et innovante. Les productions du canon de ballet du XIXe siècle sont mises à jour et présentées à l’aide de la technologie et des techniques du XXIe siècle de manière à donner une nouvelle vie au public d’aujourd’hui. Les jeunes danseurs rejoignent toujours des cours de ballet dans le monde entier et la danse est vue par un public toujours plus nombreux grâce à un monde en ligne de Facebook, de blogs et de Youtube.

danse intensive

La technologie permet à de plus petits projets de démarrer, de bénéficier d'une visibilité et d'un financement. Là où le ballet était autrefois considéré comme une activité pour la classe supérieure et un divertissement pour l'élite, les compagnies de ballet s'adressent à un public plus jeune et évoluent avec leur temps. Cependant, le coût élevé de voir une grande compagnie de ballet reste hors de portée pour de nombreuses familles, étudiants et adultes.

Homans néglige de pointer son évaluation de la vitalité du ballet sur les productions modernes qui épatent le public, stimulent les danseurs et se lèvent pour répéter les performances. Certes, il est trop tôt pour dire si beaucoup de ces pièces, le cas échéant, deviendront des classiques et assureront la longévité de la forme d'art. Elle rejette carrément les œuvres contemporaines comme «excès gymnastique ou mélodramatique» suggérant que seuls les ballets tutu d'autrefois ont leur place dans le climat actuel. Une telle opinion ressemble énormément à la même critique qui a été lancée au début du rock and roll ou au poème révolutionnaire d'Allen Ginsberg Hurler. L'art révolutionnaire aura toujours ses critiques et il y aura toujours un élément d'ajustement à mesure que la danse avance. Il vaut mieux que cela reste stagnant et disparaisse dans l'oubli.

Certes, le ballet est une forme d'art structurée et il ne peut y avoir que tant de variations avant qu'il ne cesse d'être ballet, tandis que d'autres formes de danse comme le hip hop ou le jazz peuvent prendre de nombreuses formes différentes et rester fidèles à ses origines. Ce n’est pas une critique, mais plutôt une observation. La structure du ballet lui permet de rester cohérent dans le temps et de ne pas devenir la proie de la désintégration. Cela dit, afin de garder un public nouveau et plus jeune qui est exposé à un si vaste éventail de supports de divertissement intéressés par le ballet, il est essentiel que l'art embrasse la technologie et utilise ses diverses formes pour engager les gens. Au fur et à mesure que nos attitudes à l'égard du divertissement changent, le divertissement lui-même doit également évoluer. McAllister voit le ballet continuer à «évoluer et se développer pour refléter l'environnement dans lequel nous vivons. Dans chaque génération, il y a des gens qui innovent et apportent de nouvelles idées et une nouvelle énergie au ballet. Leurs œuvres s'ajoutent au canon et leurs chefs-d'œuvre deviennent les classiques du futur. S'il est important de maintenir et de présenter les grandes œuvres du passé qui sont à la base du ballet, il est tout aussi crucial de développer et d'éduquer les chorégraphes d'aujourd'hui pour que l'évolution de notre forme d'art reste vivante et vivante! »

Julie Kent et Marcelo Gomes de l'American Ballet Theatre à Roméo et Juliette. Photo Rosalie O’Connor.

Les compagnies de ballet utilisent davantage la publicité axée sur la mode avec des couleurs vives et une interprétation avant-gardiste d'une tradition classique. Il y a quelques années, le San Francisco Ballet avait l'image de deux danseurs s'embrassant à l'arrière d'une voiture décapotable sur leurs affiches promotionnelles. De nombreux bars et magasins ont mis les affiches, ce qui était pour eux la première affiche de danse qu'ils aient jamais exposée. Les danseurs du Ballet australien sont fréquemment vus entre les pages de magazines de mode, ainsi que dans les publications sportives et autres. L'idée est de présenter les danseurs de ballet comme sexy, vivants et modernes, en contraste avec l'image dépassée d'eux comme étouffants, unidimensionnels et démodés.

Malgré cela, le ballet a encore des limites dans ce climat moderne. Comme l'écrit Sarah Keough du Washington Post, «les problèmes d'argent pèsent sur le ballet comme une pierre autour du cou: salaires, loyer, costumes, chaussures de marche, assurances, musiciens, stockage, etc. La dette est un facteur important dans tous les programmes conservateurs. Mais le principal problème est le suivant: le ballet souffre d'un grave manque de confiance qui ne fait que devenir de plus en plus paralysant. Elle poursuit en disant: «Il n’ya rien de plus ennuyeux qu’un joli art sûr. Rien ne semble moins pertinent. Le ballet doit voir plus grand. Oui, l'argent est serré, mais le ballet ici s'est mis en difficulté en aspirant au prestige d'opéra sans les budgets plus stables de ses homologues européens. Pour survivre dans le futur, je pense qu'une compagnie de ballet moyenne ferait mieux de réduire ses effectifs, de viser l'excitation, de remuer le pot - et de laisser tomber les ballets complets, qu'il vaut mieux laisser aux quelques opérations plus grandes et plus riches ».

Alexei Ratmansky répète avec le New York City Ballet. Photo Paul Kolnik

Cependant, ce n’est pas tout une tristesse pour les amateurs de ballet. Avec des chorégraphes comme Twyla Tharp, Christopher Wheeldon et Alexei Ratmansky, entre autres, repoussant les limites du ballet et créant des œuvres qui mêlent l'abstraction aux lignes classiques, le ballet reste une forme d'art vivante et respirante. Une omission flagrante de l’évaluation de Homans du ballet moderne est le chorégraphe américain William Forsythe qui a bouleversé le ballet à la fin du XXe siècle et a défié les danseurs techniquement et intellectuellement.

Les gens nous disent que le ballet est toujours aussi essentiel et populaire. McAllister déclare que l'audience de The Australian Ballet augmente chaque année, les taux d'abonnement étant les plus élevés depuis le début des années 1990.

Le maître de ballet du Landestheater Coburg et danseur international Griffin Doug suggère que le pouls du ballet est fort en Europe. «Je considère (le ballet) comme le seul« art de haut niveau »sur lequel on peut compter pour créer des maisons constantes. À l'exception des comédies musicales bien connues, les programmes de danse sont le pari normalement sûr pour un intendant de théâtre. Les maisons peuvent ne pas être vendues tous les soirs, mais les performances pour les performances pendant une saison, les soirées dansantes vendent plus de places que les autres représentations. Pour McAllister, cependant, «il ne s’agit pas seulement de numéros de siège (mais) davantage de donner aux membres du public une expérience de ballet complète.»

Comme le souligne Doug, le ballet a l'avantage important d'être un langage universel qui permet à une production de parcourir le globe sans les barrières de la communication. Et comme tous les danseurs peuvent en témoigner, un cours de ballet peut être suivi dans n'importe quelle langue n'importe où dans le monde avec peu ou pas de confusion. Le langage de la danse est le même partout où vous allez. «De tous les genres de spectacle vivant, le ballet est le plus adaptable au changement. La danse est facilement exécutée dans les grandes et petites maisons de la maison, également dans des productions impromptues et soigneusement répétées. La danse peut être exécutée avec un accompagnement symphonique complet, mais elle est également acceptée par le public avec des bandes sonores préenregistrées. Loin d'être une forme d'art mourante ou une forme d'art de musée, la danse est bien vivante. C'est la forme d'art la plus adaptable avec le public le plus large. »

Le ballet lui-même est le fondement de toutes les autres formes de danse. Un danseur de jazz avec une technique classique est le plus souvent bien supérieur à quelqu'un sans formation de ballet, et il en va de même pour les danseurs de théâtre musical, de cabaret, de claquettes et même de hip hop. Avec la montée en flèche de la popularité de la danse grâce à la pléthore d'émissions de télévision, de films et d'extraits de films présentant le large attrait, la diversité et les compétences de l'art, le ballet ne va nulle part à la hâte.

Photo du haut: Aurelie Dupont et Hervé Moreau du Ballet de l'Opéra de Paris. Copyright Anne Deniau