Le Sanctuary Theatre, Cambridge, MA.
29 octobre 2016.
Avec la maturité et la sophistication vient le fait de savoir que moins peut être plus. La sous-estimation peut en dire plus que la surestimation. En ce qui concerne l'art, impliquer plutôt que dire permet au public de réfléchir à ses propres interprétations d'une œuvre. Nous sommes à une époque où les médias sociaux et la danse télévisée ont des artistes qui épatent le grand public avec des exploits athlétiques, et qui tirent le cœur avec des histoires dramatiques. Programme du Jose Mateo Ballet Theatre, basé au Massachusetts Forces impulsives , d'autre part, affichait un contrôle sur le flash et un mystère sur une angoisse évidente.
Le premier morceau, Mozart provoqué , a commencé avec une technique, une mise en scène et des performances très classiques. Certaines sections auraient pu être transplantées à partir d'un cours de ballet pendant le travail au centre. Une scénographie qui était très géométrique - intrigante, mais propre et simple - signalait un abandon du classicisme. Ceux-ci sont venus avec des flairs jazzy dans la chorégraphie et des formations de groupe inattendues. Dans les trios et quatuors initiaux, les danseuses étaient techniquement irréprochables. Leurs extensions n’étaient pas très hautes mais contrôlées et propres. Cependant, les parties à l'unisson auraient pu être plus à l'unisson.
Avec les sections entièrement masculines, cet unisson était là, mais les danseurs ont-ils peut-être sacrifié le pouvoir et la signature personnelle dans leur mouvement pour y parvenir? Même avec l'un ou l'autre très petit défaut, la danse était belle à regarder. Il semblait soutenir un sous-texte de connexions et d'attachements émotionnels entre les lignes. Un couple homme-femme a exploré le potentiel de la romance, et une danseuse s'est détachée du peloton pour se pavaner.
Des éléments inattendus du mouvement des piétons (plus souvent observés dans la danse contemporaine), comme la marche du talon-orteil, témoignaient de la rupture avec les conventions. Était-ce un regard sur le dialogue mental des danseurs pendant le cours de technique? S'arrêter en deçà de l'évidence et garder les choses sous-estimées a permis de telles interprétations.
Les danseurs ont montré plus de personnalité et de caractère dans la deuxième pièce, 1796 (2015) . (La musique a été adaptée en 2015 à partir d’une composition de Mozart de 1796.) Bien qu’un peu plus claire, l’histoire sous-jacente n’était toujours pas dictée. Des formations intrigantes, telles que deux danseuses ensemble en haut de la scène et un danseur à droite en bas et à gauche en haut de la scène, ont créé une tension spatiale. Cela parlait de changements dans les relations entre eux. Dansant avec contrôle et grâce, ils n’ont pas eu à faire un nombre impensable de tours pour transmettre ces choses. En fait, un tel flash aurait pu simplement être une distraction.
Les costumes avaient également cette qualité discrète. Les danseuses étaient dans diverses nuances de rose / violet (magenta à framboise), par exemple. Cela les a solidifiés en tant qu'individus faisant partie d'un collectif. Leurs signatures de mouvement uniques soutenaient la première - une avec un chariot de poitrine très fier et une autre avec une énergie unique dans le jeu de jambes, par exemple.
Les différentes couleurs ont également aidé à les distinguer en tant que caractères spécifiques - utiles pour la croissance d'un triangle amoureux. Des pas de deux ultérieurs ont établi qu'après l'infidélité (ou au moins un certain degré d'exploration de sa possibilité), la femme dans la relation l'a découvert. Et n'était pas content. En fin de compte, cependant, c'est l'homme qui est parti. C'était une nouvelle façon intrigante de raconter une histoire ancienne, voire banale.
La troisième et dernière pièce, Encore et encore , a déménagé dans une composition de Philip Glass. La musique semblait donner le ton à un mouvement plutôt contemporain, mais une grande partie était classique. Cela a fonctionné, cependant, avec un mélange intelligent de vocabulaire de mouvement classique, jazzy et contemporain. Une paume fléchie vers le haut à travers l'autre bras (qui était plié au coude, et cette main au cœur), par exemple, est devenue un mouvement de signature.
Les danseurs ont exécuté ce même mouvement à différents moments et à leur manière. Cela a soutenu l'idée générale que les danseurs étaient dans un collectif cohésif, mais chacun des individus autonomes. La pièce semblait se nourrir d'une tension entre ces deux manières d'être. Un épaulement et un regard déterminés et bien exécutés, en particulier, ont contribué à maintenir cette tension palpable. La mise en scène intelligente a pris en charge ces éléments. Un moment marquant, par exemple, a été celui de deux danseurs marchant en arrière sur une diagonale l'un dans l'autre, puis se regardant lentement et se tournant pour se faire face. Il parlait de romans, bien plus que n'importe quel saut vertigineux ne pouvait le dire.
La pièce s'est terminée comme elle avait commencé, avec un seul danseur sur scène. Elle a exécuté ce mouvement de signature vers le ciel, comme si elle implorait les cieux. Cette action, combinée avec les offrandes de la pièce dans son ensemble, impliquait que nous sommes en effet en merveilleuse communauté avec nos semblables - mais seuls dans notre conscience unique. C’est une force intérieure parfois en conflit avec les forces extérieures tout autour de nous.
Avec sobriété, sagesse et créativité, le Jose Mateo Ballet Theatre a dépeint les deux types de forces comme étant impérieuses. Nous sommes poussés, et obligés, quand il nous reste à découvrir certaines des réponses par nous-mêmes - dans l'art et dans la vie. Ensuite, nous grandissons et développons les communautés dans lesquelles nous voulons vivre.
Par Kathryn Boland de La danse informe.
Photo (en haut): «Impelling Forces» de Jose Mateo. Photo par Gary Sloan.
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