La distribution du spectacle de Broadway, lauréat d'un Tony Award, Un Américain à Paris , se compose principalement de danseurs. Certains d'entre eux, y compris les deux rôles principaux de la série, (rôles qui nécessitent beaucoup de danse et chant), provenaient de grandes compagnies de ballet et n'avaient jamais eu à faire beaucoup de travail vocal sur scène. Ces danseurs, avec une grande partie de la distribution, ont été transformés en danseurs chanteurs. D'autres spectacles, aussi, demandent une tonne de danse avec aussi un peu de chant.
Qu'il s'agisse d'un travail d'ensemble dans le théâtre musical ou d'un rêve d'un rôle principal à Broadway, ajouter du chant à votre répertoire peut vous rendre encore plus commercialisable en tant qu'interprète polyvalent. Avec certains cours de chant, il peut y avoir un peu plus de confiance, plus d'auditions et, à son tour, plus d'opportunités et d'emplois.
Ici, Dance Informa s'entretient avec trois coachs vocaux qui travaillent en étroite collaboration avec des danseurs. Ils expliquent les avantages des cours de chant et comment vous pouvez passer d'un «danseur» à un «danseur qui chante».
Bettina Sheppard donne des cours de chant privés et collectifs pour les danseurs. Photo par Tess Steinkolk.
«Dans le passé, les responsabilités de chant d'un danseur sur la scène du théâtre musical étaient relativement maigres, ou on ne s'attendait pas à ce qu'il chante du tout, car il y avait souvent un chœur de chant dédié et un chœur de danse», explique Stephen Purdy, fondateur et principal coach au New York Vocal Coaching Studio, et auteur de Chanson de théâtre musical: un cours complet de sélection, de préparation et de présentation pour l'interprète moderne (sorti en février et disponible sur Amazon.com ). «Depuis la fin des années 1960, cependant, on s'attend à ce que les danseurs d'un spectacle portent des pistes vocales de plus en plus grandes et, dans de nombreux spectacles, doivent chanter avec beaucoup de prouesse, en particulier à l'époque actuelle. Les danseurs ne sont plus, même dans les présentations de reprise de ces très anciennes comédies musicales, une entité autonome, laissant le chant aux chanteurs. On s'attend maintenant à ce que les danseurs excellent dans les deux, car les deux chœurs ont fusionné en un seul.
De même, Bettina Sheppard, directrice artistique de Académie Sheppard des arts vocaux et le corps professoral du Broadway Dance Center et du City College de New York, souligne que les danseurs gagneraient à avoir une formation vocale de la même manière que les chanteurs devraient avoir une formation en danse et en mouvement. Surtout les danseurs intéressés à poursuivre une carrière dans le théâtre musical, les cours de chant sont un must.
«La voix est un instrument à apprendre et à exercer, et oui, on peut l'apprendre!» Sheppard encourage. «Si les danseurs ajoutent une étude vocale, cela les rend infiniment plus faciles à lancer. Il y a beaucoup de bons danseurs qui ont perdu leur travail parce qu’ils n’ont pas encore appris à utiliser leur voix. »
Avez-vous déjà vu une audition qui appelait à des «danseurs qui chantent bien» et qui ont été effrayées? Avoir une formation vocale sous votre ceinture pourrait certainement changer cette réaction. En fait, les danseurs, qui ont déjà passé de nombreuses années à entraîner leur corps et à acquérir de nouvelles compétences, pourraient avoir un avantage lorsqu'il s'agit d'apprendre à utiliser le «muscle» vocal.
«Je trouve que les danseurs ont un fort désir d'apprendre à être de bons chanteurs et y sont très investis», explique Joseph Michael Falduti, professeur de chant à Joseph Michael Voice Studio , pour les étudiants du nord du New Jersey et de New York. «Ils ont une grande conscience de leur corps et de la façon dont les choses se sentent, donc ils ont déjà pris un bon départ. De plus, les danseurs ont appris une discipline incroyable, ils apportent donc une formidable éthique de travail à leur formation vocale.
Les danseurs peuvent suivre des cours de chant en groupe ou en tête-à-tête, ou une combinaison des deux. Bien que les cours privés puissent bien sûr être les plus bénéfiques, avec une attention individuelle, un cours de chant en groupe est une bonne expérience d'introduction, surtout si vous vous sentez hésitant ou nerveux. Sheppard, par exemple, donne un cours de groupe au Broadway Dance Center. De même, Purdy enseigne un cours appelé «La voix du danseur» via Stage Door Connections à New York.
L'entraîneur vocal Stephen Purdy lors d'une session de Stage Door Connections: Dancer’s Voice Seminar. Photo gracieuseté de Stage Door Connections.
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Une leçon de voix différera selon chaque enseignant, mais, par exemple, Sheppard commence généralement par des exercices conçus pour inculquer la mémoire musculaire pour une technique vocale appropriée. Elle compare cela à la barre de ballet d’une danseuse - «une action physique répétitive pour enseigner, renforcer et renforcer une voix saine et forte».
Sheppard incorpore ensuite un petit morceau de musique classique pour guider la forme des mots. Les élèves peuvent ensuite, au fil du temps, commencer à construire leur répertoire de chansons, à utiliser pour les auditions.
Sheppard, Falduti et Purdy enseignent tous à des étudiants et des professionnels de tous niveaux et disent que les progrès en chant d’un danseur sont individuels, tout comme dans la technique de la danse.
«Une pratique régulière et beaucoup de patience sont nécessaires pour un danseur qui est nouveau dans la formation vocale», dit Falduti. «Si vous constatez que vous améliorez régulièrement votre coordination vocale, c'est le succès!»
«Sans pratique extérieure pour solidifier le nouveau comportement et la nouvelle génération de mémoire musculaire, un élève constatera probablement qu'il ou elle prend la même leçon de voix encore et encore», ajoute Purdy. «C'est frustrant tant pour l'élève que pour l'enseignant, j'insiste donc sur l'importance de la pratique et de la persévérance.»
Lorsque vous assistez à une audition qui vous oblige à chanter, les coachs vocaux disent que la confiance, la personnalité et la capacité de raconter une histoire sont extrêmement importantes. De plus, chanter «Happy Birthday» n'est peut-être pas la meilleure sélection de chansons.
«Chanter quelque chose comme« Joyeux anniversaire »ne sera pas pris au sérieux dans le monde professionnel», explique Purdy. «Le monde professionnel est bien trop compétitif.»
Alors, comment sélectionner une chanson d'audition appropriée?
«Choisissez une chanson qui vous convient, et non l'inverse», suggère Falduti. «Choisissez quelque chose qui correspond bien à votre voix et changez la clé si nécessaire. Cherchez une chanson qui correspond à votre personnalité et que vous l'amour . Si chanter la chanson vous semble une corvée, débarrassez-vous-en et trouvez quelque chose qui vous convient! Consultez un entraîneur si vous avez du mal à trouver du matériel. Si vous auditionnez activement pour des productions de théâtre musical professionnel, vous devriez avoir un professeur de chant qui en connaît suffisamment sur l'industrie et le répertoire pour vous donner du matériel que vous chantez bien et qui fonctionne pour une audition.
Le coach vocal Joseph Michael Falduti encourage les danseurs à étudier la technique vocale. Photo de Peter Leigh-Nilsen.
Et peut-être tout aussi important que de trouver une chanson qui va bien avec votre voix et vos capacités est la capacité de acte avec cette chanson.
«Une bonne audition vocale est vraiment une question d'acteur», explique Sheppard. «Nous devons raconter l'histoire de la chanson et habiter le personnage. Quelqu'un qui entre dans la pièce avec confiance - même si vous ne l'êtes pas - et qui semble s'amuser avec le personnage et l'histoire de la chanson est quelqu'un avec qui nous voulons travailler. Nous avons tous des moments où nous devons nous concentrer sur les exigences techniques, mais nous devons les couvrir et maintenir une forte intention d'acteur.
De nombreux entraîneurs vocaux aiment travailler avec des danseurs, car les danseurs ont généralement tendance à être travailleurs et disciplinés.
«Ce sont des abeilles ouvrières, des fonceurs et des perfectionnistes selon mon expérience», dit Purdy, «et ces traits font de bons candidats pour réussir dans le théâtre musical.»
«J'adore enseigner aux danseurs», ajoute Sheppard. «Je suis un professeur très technique et je trouve que je suis capable d’apporter des corrections physiques dans lesquelles les danseurs pourront s’installer facilement parce qu’ils sont habitués à faire ce genre d’ajustement. Un danseur a également une force et un contrôle physiques et, espérons-le, une compréhension de l'anatomie. Et, la plupart du temps, une solide éthique de travail et un sentiment de joie. »
Pratiquer votre technique vocale, en particulier sous la direction d'un coach vocal, peut vous permettre de rester commercialisable et pertinent dans le monde des arts de la scène, mais cela peut également vous permettre de rester en bonne santé vocale.
«Il est facile d’endommager votre voix si vous chantez avec une quelconque tension», dit Sheppard. «La douleur ou l’inconfort est la façon dont votre corps vous dit que quelque chose ne va pas, et vous ne devriez jamais simplement« y remédier ». Un enseignant est capable d'identifier le problème et de vous aider avec les corrections nécessaires. Vraiment, cela vous donne plus de liberté de choix dans votre vie professionnelle. Plus vous serez polyvalent, plus vous aurez de chances d’avoir une carrière longue et satisfaisante. »
Par Laura Di Orio de La danse informe.
Photo (en haut): l'entraîneur vocal Stephen Purdy lors d'une session de Stage Door Connections: Dancer’s Voice Seminar. Photo gracieuseté de Stage Door Connections.
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