Les Ballets Jazz de Montréal. Photo by Jeremy Coachman. Cutler Majestic Theatre, Boston, Massachusetts.
2 février 2018.
Le corps en mouvement peut être une chose d'une beauté saisissante. Ajoutez à cela les années de formation dévouée et les capacités naturelles des danseurs professionnels, et les possibilités infinies pour créer des mouvements de calibre émouvant et de haute esthétique. Encadré avec les éléments complémentaires de la musique, des costumes et de l'éclairage, ce mouvement peut renforcer un thème - un thème qui peut uniquement parler d'un problème particulier dans notre monde ou dans la condition humaine universelle. Parfois, il peut créer, puis offrir, une beauté cathartique, précieuse en soi.
Les Ballets Jazz de Montréal. Photo by Jeremy Coachman.
arc de danse
D'innombrables chorégraphes peuvent habilement créer et façonner un mouvement esthétique. Le défi pour beaucoup peut venir de structurer cette mise en forme qui en fait un art convaincant et significatif. La structure est saillant. Tout cela était assez clair lors de la récente tournée de répertoire des Ballets Jazz de Montréal, avec trois pièces distinctes jouées à Boston. La première pièce a commencé avec une structure assez réussie, se déplaçant à travers différents groupes de danseurs et de qualités de mouvement.
La musique atonale, mais avec une couche harmonique sous-jacente, a accompagné le début de la première pièce, la première mondiale de Itzik Galili Casulties de la mémoire . Des danseurs rétro-éclairés (conception d'éclairage également par Galili) se déplaçaient avec un phrasé continu et curviligne. Certains mouvements plus nets, tels que les impulsions ascendantes des bras «en forme de cactus», étaient des accents intrigants. Dans le travail en couple et en trio, avec des ascenseurs incroyablement magnifiques et un partage de poids, il n'y a pas eu de lutte ni de concours de force.
Qu'ils soient masculins ou féminins, les danseurs évoluent harmonieusement ensemble. Un motif était que deux danseurs se contrebalançaient en se penchant dans des directions opposées, les jambes parfois enracinées et parfois en extension. Le programme fait allusion à un monde d’égalité entre les sexes intemporelle et harmonieuse. Fait intéressant, avec tous portant les mêmes costumes (costumes également conçus par Galili) et aucun mouvement ouvertement féminin ou masculin, il y avait un sens irrésistible de l'androgynie.
Le sexe ne semblait ni apparent ni important. D'une certaine manière, cette atmosphère a satisfait cette intention de construire un monde d'équité éternelle entre les sexes. L'humanité commune a largement remplacé le genre. Tout cela était incroyablement astucieux et réfléchi, jusqu'à ce que tout soit trop long. Pour faire l'éloge là où il est dû, le mouvement était envoûtant. Les danseurs étaient polyvalents, forts mais gracieux et engagés à 150%.
Les Ballets Jazz de Montréal. Photo by Marc Montplaisir.
Dans une perspective de haut niveau, basée sur le succès de ce mouvement et la façon dont Galili l'a façonné en groupements et formations dans l'espace scénique, ce dernier tiers de la pièce devait être réduit. Il en est venu à se sentir superflu et répétitif. Les écrivains peuvent avoir du mal à «nixer» le contenu qu'ils ont mis de la réflexion et de l'énergie dans la création, tout comme les chorégraphes.
La consultation des danseurs et autres chorégraphes, avec une attitude de détachement, peut aider les artistes de tous types à libérer ce qui n’est pas nécessaire à la réussite de leur travail. Néanmoins, le travail a beaucoup à offrir, et beaucoup de potentiel à offrir encore plus. Fait intéressant, le deuxième travail, Danse moi (avec les contributions de divers metteurs en scène et chorégraphes) a eu le problème inverse - fermer la boucle du message et de l'effet (apparemment) voulus.
Certes, la pièce de cette représentation de répertoire ne comprenait que des extraits de l'œuvre complète, expliquant peut-être tout sentiment de structure incomplète.
La diversité créative l'a renforcé, avec de nombreuses qualités et styles de mouvement (du latin au vocabulaire classique du ballet), ainsi que de beaux chants en direct et des mots parlés puissants. Éclairage et costuming (conception lumière par Cédric Delorme-Bouchard et la conception des costumes par Philippe Dubuc) étaient simples, mais efficaces et profonds. Céline Cassone, soliste fougueuse, à la fois dans ses cheveux roux et dans son énergie, a offert une exécution précise mais douce de nombreux types de mouvements.
La construction thématique a pris de nombreux virages différents, ou des interprétations globales potentielles, telles que du personnage de construction de voix off à la sensation d'un concert (avec un groupe de danseurs en pleine chanson à un soliste avec des applaudissements enregistrés, apparemment à la chanson). Différentes vignettes étaient astucieuses en elles-mêmes, remplies de ces divers médias artistiques et du vocabulaire du mouvement. Un problème structurel est venu du manque de relier ces vignettes entre elles, pour construire une sorte d'arc narratif clair. Encore une fois, peut-être un défi d'offrir des extraits d'un travail plus long.
Cela dit, la fin finale semblait manquer de substance et de profondeur. Des lumières se sont éteintes sur un danseur soulevant son partenaire haut, en un éclair rapide. Peut-être que cet effet pourrait impliquer l’éphémoralité d’un amour passionnément romantique, mais - tout le reste dans l’œuvre comme il l’était - ce n’était pas une conclusion claire qu’il construisait. En fait, une vignette représentait la moitié d'un couple plus âgé aux prises avec le décès imminent de son amour de longue date.
Les Ballets Jazz de Montréal’s Céline Cassone. Photo by Ken Browar and Deborah Ory.
Tout cela étant dit, le mouvement offrait beaucoup de choses sur lesquelles les yeux, le cœur et l'âme pouvaient s'émerveiller. Les danseurs étaient à la fois des artisans techniques et des poids lourds du théâtre, remplissant chaque mouvement d'une émotion authentique (sans «overacting» ou «ham»). Le jeu de jambes de danse latine était net, mais sans un bord dur. Au lieu de cela, tout s'est agréablement fondu dans les étapes suivantes. Un revêtement de sol lisse contrastait avec la qualité élevée de ce vocabulaire de mouvement plus élevé.
Des sections de danseurs improvisant dans un groupe, apparemment à travers un scénario qui pouvait tout garder cohérent et non chaotique, était un changement rafraîchissant par rapport à la forte prévalence de l'unisson dans la première pièce. La plupart des ascenseurs étaient du type auquel le public halète, puis applaudit - ceux qui semblent défier la gravité et les limites de la force humaine. Un danseur en équilibre sur rien de plus large ou de plus stable que le côté du cou de son partenaire, par exemple. Tout cela étant de si haut calibre, une structure et une cohérence de thème souhaitées pour être tout aussi fortes.
Galili a également chorégraphié et conçu la troisième et dernière pièce de la nuit, Le Balcao de Amor , inspiré par la musique et l'énergie créative qu'il a rencontrées pendant son séjour à Cuba. Cela a commencé avec humour, avec un homme macho (ou un homme essayant de l'être) essayant d'être sous les projecteurs - et les projecteurs errant ailleurs, comme s'il avait son propre esprit. Le public a ri joyeusement. Un ami l'a rejoint et ils ont commencé à danser - rejoints en mouvement par d'autres danseurs.
Finalement, la grande distribution, chaque danseur dans un costume unique et apparemment un personnage unique, se déplaçaient ensemble sur toute la scène. Un grand mouvement d'inspiration latine, audacieux et amusant, a rempli la scène, puis a ricoché à l'arrière de la maison. L'énergie et la joie pure étaient partout. Touches ballétiques - comme les bras en cinquième positionen haut, ainsi que des jeux de jambes et des extensions jazzy, ont salé et poivré le mouvement de style latin.
La musique rapide et nerveuse - manifestement inspirée du jazz cubain à l'ancienne - a sous-tendu, mais peut-être aussi conduit, le mouvement. Des sauts audacieux - comme un danseur sautant sur le dos d'une ligne d'autres danseurs à dos plat, pour se faire prendre en extension par un autre danseur - étaient des exploits époustouflants de physicalité et de physique. Même avec ces astuces, tout s'est combiné pour se sentir incroyablement authentique, un moment de temps à Cuba, capturé en danse.
Les Ballets Jazz de Montréal. Photo by Svetla Atanasova.
La nation a fasciné de nombreuses personnes pour la même raison, la façon dont elle semble être prise dans le temps (en raison des forces sociopolitiques qui l'ont conduite à être isolée des technologies modernes et du consumérisme général). Le travail semblait honorer tout cela - bien que n'étant pas politique, n'essayant pas d'expliquer quoi que ce soit, mais offrant seulement de l'authenticité et du plaisir. Dans le cadre de cette sensation, une sensualité latine a imprégné le mouvement et les médias artistiques de soutien Les plus répandus, cependant, étaient l'humour et la joie.
' Qui sas?” , crièrent les danseurs. C'était une fête à coup sûr. La fête a commencé à se calmer, les danseurs sont partis et un danseur s'est fâché qu'ils l'aient tous quitté sans indiquer leur plan. Un danseur est revenu et les deux ont offert un duo - sensuel, drôle et réconfortant à la fois. Le casting les a rejoints pour clouer une dernière section.
En raison du contexte, et sans nécessairement l'effort pour établir un thème, cette structure avait du sens. C'était satisfaisant comme un bon vieux temps dans un endroit spécifique sur cette Terre. Ceci, combiné avec les deux pièces précédentes, a démontré la saillance de la structure. Un mouvement beau et puissant est une chose. Comment on réussit à tout structurer en est une autre. Le meilleur art de la danse les a tous les deux.
Par Kathryn Boland de La danse informe.
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