Eran Bugge, Robert Kleinendorst et Laura Halzack dans «Airs». Photo de Paul B. Goode. Théâtre David H. Koch, New York, NY.
7 novembre 2019.
Au fur et à mesure que les humains évoluaient, ils se déplaçaient ensemble pour louer les esprits - ceux qui apportaient la santé et la maladie, l'abondance ou la pénurie, le temps beau ou désastreux. À moins de savoir comment la religion formalisée a également évolué au fil de l'histoire, nous avons continué à bouger pour exprimer, protester, montrer de la gratitude et plus encore. Nous avons découvert, consciemment ou consciemment, le pouvoir du mouvement pour exprimer notre spiritualité - l'esprit même qui se trouve dans nos os, nos muscles et nos tendons. En regardant le programme de Paul Taylor American Modern Dance au Lincoln Center, j'ai pensé à cette spiritualité dans le mouvement, il y avait quelque chose de transcendant et même de divin dans la façon dont la compagnie se déplaçait, ensemble et à part. Certaines œuvres racontaient un récit humain plus direct que d'autres, mais toutes les œuvres reflétaient notre capacité à s'élever au-dessus, à atteindre plus haut et à progresser vers l'harmonie.
embrasse moi kate chorégraphe
Le programme s’est ouvert avec Paul Taylor Airs , un travail qui m'a laissé serein et apaisé. Un sentiment de tranquillité était présent dès le début. Le blues dans l'éclairage (par Jennifer Tipton) et les costumes (par Gene Moore) m'a fait respirer plus facilement. Les formations étaient géométriques et régulières. Le mouvement des lignes classiques et une sortie douce apportent une harmonie esthétique. La partition, des œuvres de Haendel, offrait un cadre auditif calme, mais nuancé et intrigant pour ces éléments. Un motif de bras atteignant une forme de «V» a créé un sentiment d'atteindre les cieux, ainsi que de refléter des formes curvilignes dans la nature. Cette forme est venue en sauts virtuoses. sauts et jeu de jambes - offrant de nouvelles possibilités de mouvement en combinaison avec un élément apaisant et ancré.
Eran Bugge dans «Airs». Photo de Paul B. Goode.
Les danseurs ont plongé leur torse sur le côté et ont empilé leur colonne vertébrale d'un autre côté de la scène après avoir tourné. Ils ont répété ce vocabulaire du mouvement vers un nouveau visage, ajoutant de nouvelles nuances, renforçant cette qualité de familier avec le nouveau et le nouveau saupoudré. Le mouvement virtuose avait une douceur qui rendait ces techniciens apparemment surhumains devant nous sur scène plus humains. Bien que le travail soit en grande partie non narratif, de petits moments théâtraux et humoristiques humanisent davantage les danseurs. Tout cela semblait digestible et accessible, même avec un mouvement apportant une complexité qui reflétait la nature multiforme de l'esprit humain.
La relation entre le mouvement et la musique était également multiforme, mais accessible - parfois en accord, parfois en opposition. Un exemple mémorable de ce dernier était le triplement des danseurs (un schéma de trois pas, des niveaux et des rythmes changeants) doublant la vitesse de la musique accompagnant le mouvement, tandis qu’à d’autres moments, ils se déplaçaient à la même vitesse. Ces variations dans la relation entre la musique et le mouvement tout au long de l'œuvre ont établi une musicalité difficile, mais les danseurs l'ont exécutée sans aucun défaut notable. Pour terminer, les danseurs se sont réunis dans une formation groupée au centre de la scène, regardant en avant avec une clarté de conviction et d'intrépidité. Ils semblaient affirmer une force résidant dans leur unité - forte seule, mais bien plus forte harmonieusement ensemble.
La deuxième œuvre, celle de Margie Gilis Rewilding (2019), a apporté un changement notable d'humeur, d'atmosphère et d'esthétique. Les danseurs entraient et marchaient lentement en lignes, apportant un sentiment de similitude et de routine. L'éclairage dans les tons de terre était faible (également par Tipton). Les costumes étaient de différentes couleurs pour différents danseurs, mais tous aussi dans des tons de terre (par Santo Loquasto). Les tons profonds de la musique, en combinaison avec ce mouvement routinier, ont créé une ambiance sombre. Un par un, les danseurs ont commencé à bouger à leur manière, sortant de ce mouvement à l'unisson plutôt ordonné - jusqu'à ce qu'ils dansent tous leur propre vocabulaire de mouvement. Ce mouvement avait une conviction, mais une légèreté et une facilité que l'on ne voit pas dans le mouvement de groupe.
Paul Taylor Dance Company dans «Rewilding» de Margie Gillis. Photo de Whitney Browne.
Je me suis posé des questions sur l'équilibre entre le fait de bouger ensemble, mais en tant qu'individus. Comme cela est trop courant dans ce monde, ce groupe n’a pas trouvé cela. Le groupe a repris un chemin circulaire, recréant un sentiment de similitude et de monotonie. C'était comme si ces individus cherchaient à trouver de l'originalité mais étaient en quelque sorte obligés d'agir avec le groupe. Revenir aux motifs de mouvement antérieurs dans l'œuvre, ainsi que les répétitions de cette dissolution et de cette recohérence, renforçaient ce thème d'être contraint de revenir à l'action et aux modes du groupe. Les solos et les duos nous ont amenés plus loin dans l'expérience individuelle, contrairement à la section de groupe. Les sauts de locomotion à travers la scène témoignaient de la liberté et de la possibilité. Bientôt, dans une section de groupe, les danseurs tremblaient comme dans une agitation extrême, autre contraste saisissant. De toute évidence, la conformité de groupe n’apportait ni joie ni facilité.
Pour terminer, la plupart des membres du groupe se sont installés dans une formation, mais un danseur est parti. J'ai pensé à la conscience individuelle et collective et à la tension qui peut émerger entre ces deux choses. «Nous n'avons pas besoin d'abandonner la technologie, mais plutôt de la tisser avec une sagesse expérientielle. Renouveler notre façon de vivre », ont affirmé les notes du programme. Nous ne devons pas abandonner les connexions qu'offre la technologie, mais aussi revenir à notre propre sagesse intérieure était le message que j'ai trouvé dans le travail qui a résonné en moi. Il me semblait que ce message parlait de la spiritualité humaine, que l'œuvre exprimait habilement dans le mouvement et le design.
Mardi noir a fermé le programme, chorégraphié par Taylor et joué pour la première fois en 2019. Le titre fait référence au jour de 1929, lorsque le marché boursier s'est effondré si fortement qu'il a commencé la Grande Dépression des années 1930. Cette spécificité se perpétuerait à travers l'œuvre, dans l'atmosphère et dans la théâtralité du mouvement. Il y avait aussi une universalité, cependant, parlant de façon intemporelle à des aspects de la condition humaine - une spiritualité qui lui est propre. Une ligne d'horizon de la ville a rempli la toile de fond au début des travaux, un éclairage bas pour aider à créer l'atmosphère de la vie nocturne urbaine (ensemble conçu par Loquasto). Un groupe a déménagé ensemble, vêtu de vêtements des années 1920 - simples mais suffisamment détaillés pour nous aider à nous amener dans un monde des années 1920 (costumes également conçus par Loquasto). La musique de jazz classique a encore façonné et coloré ce monde. J'étais dedans.
Laura Halzack et George Smallwood dans «Black Tuesday». Photo de Paul B. Goode.
Là, les danseurs se sont déplacés dans ces groupes avec une clarté formelle mais aussi avec le sentiment d'aisance et de plaisir que l'on retrouve dans les clubs de jazz d'autrefois. Les gestes ont créé un sentiment de jeu. À la manière typique du mouvement Taylor, les lignes classiques et les pépites de virtuosité ont été adoucies et facilitées pour se sentir plus ancrées et plus humaines. Tout était agréablement authentique. Les duos et solos à venir nous ont fait passer de l'expérience collective à celle des individus. Des groupes plus importants et un groupe de duos nous ont ramenés à l’expérience collective - mais avec cette expérience plus individuelle toujours dans mon esprit. L'atmosphère classique du club de jazz est restée.
Les formations et les changements vers de nouvelles formations ont également pris une complexité supplémentaire. Une réflexion et une intentionnalité de l'image ont rendu tout digeste et satisfaisant. Par exemple, un cercle s'est ouvert à une grande pyramide. L'arche de vol dans les ascenseurs reflétait une étoile filante, se connectant aux étoiles qui venaient remplir la toile de fond - l'une représentant un ciel nocturne. J'ai pensé à ces vidéos classiques de nage synchronisée, à de grands groupes dans des formations en mouvement qui créaient des images complexes, à celles qui restaient encore claires et impressionnantes. Dans une autre référence à un style de mouvement alternatif, une kickline reflétait une danse de précision. Un solo mémorable vers la fin a transmis le pathétique de vivre dans la détresse économique des années 1920, sans toutefois être surmené.
Le soliste se déplaçait puissamment à travers différents niveaux et lieux de scène, faisant des gestes avec conviction et émotion authentique, tandis que la musique l'accompagnant prononçait «frère, pouvez-vous épargner un sou?» La chanson a raconté poétiquement une histoire déchirante de richesses en chiffons, le genre qui ne cesse de se répéter dans ce monde - ajoutant un élément d'intemporalité à l'action sur scène. Mouvement unique et agréable, concepts intrigants, conception adepte - le programme offrait tout cela pour démontrer la spiritualité, même la nature divine, dans le mouvement du corps humain. À la fin août 2018, Paul Taylor n'est plus avec nous . Pourtant, il semble que l'entreprise qu'il a fondée, sous la direction du nouveau directeur artistique Michael Novak, continuera à perpétuer son héritage et sa mission - alors qu'il sourit heureux et fier.
mise en forme du casting sonore
Par Kathryn Boland de La danse informe.
