DeAnna Pellecchia. Photo par Liz Linder. Il y a une réponse sans doute spirituelle, mais sage, au dédaigneux 'Mon enfant pourrait dessiner ça!' - «Eh bien, il / elle n'a pas . » C'est en partie une mise en évidence de la manière dont les artistes «expressionnistes», dont le travail au début peut sembler peu exigeant, ont tous été formés de manière classique avant de s'éloigner de ce mode de création classique. C’est vrai aussi pour les danseurs, il faut se doter d’un cadre technique pour pouvoir lâcher prise. Avec une base technique, nous, les danseurs, pouvons permettre à notre esprit et à notre esprit de briller à travers notre corps hautement qualifié. C'est à ce moment qu'un art vraiment significatif peut se produire. C'était à l'intérieur de nous tout le temps.
Pourtant, le processus consistant à apprendre comment faire cela, comment avoir une base de technique pour faire émerger son vrai moi à travers le mouvement, est un processus difficile pour de nombreux danseurs. Lorsqu'ils sont guidés pour se déplacer dans un cadre, plutôt que de suivre le mouvement étape par étape, compte par compte, certains danseurs se figent - parfois métaphoriquement, parfois littéralement. Il est plus important que jamais pour les danseurs de s'élever au-dessus de cette peur et de cette stase qui nous demande d'être de plus en plus polyvalents et d'être des agents actifs dans la création de l'œuvre, tout le temps.
Le postmodernisme continue également d'évoluer, se transformant peut-être en une nouvelle sorte de «post-postmodernisme» avec un éclectisme d'idiomes et d'approches du mouvement. Dans ce contexte, les chorégraphes développent et affinent continuellement les structures d'improvisation et d'autres façons dont l'improvisation façonne la danse.Dance Informas'est entretenu avec trois chorégraphes sur les rôles de l'improvisation dans leurs processus de création, comment ils soutiennent et nourrissent leurs danseurs à travers ce travail, et plus encore.
Sheena Annalize, fondatrice, propriétaire et directrice artistique de l'Arch Contemporary Ballet (New York, NY)
Sheena Annalize (à droite) avec les danseurs de Arch Contemporary Ballet. Photo de Noel Valero.
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«Toute ma chorégraphie découle vraiment de l'improvisation. Je n’arrive pas à une répétition après avoir planifié le mouvement. Parfois, j'ai un flux ou un plan, mais le phrasé réel sort plus ou moins simplement dans un processus d'essais et d'erreurs. Je vais commencer à bouger et les danseurs suivront ce que je fais. Si je n'aime pas ce qui se passe, je le change et j'essaie quelque chose de nouveau, ou un danseur peut accidentellement faire quelque chose de différent et faire essayer à tout le monde comme eux. [L'improvisation] crée un mouvement unique qui est organique pour mes danseurs.
Cela crée des possibilités illimitées, car vous êtes capable de modeler et de façonner le mouvement et de continuer à pousser votre travail de phrase existant vers un meilleur résultat. L’improvisation est également une amélioration du travail existant, en prenant les os d’une phrase et en y ajoutant de la viande. [Cela] laisse place au changement. Je demande toujours aux danseurs d’utiliser les os que je leur donne comme direction et d’ajouter eux-mêmes la viande. L'improvisation ne consiste pas seulement à utiliser votre vocabulaire de danse ou votre mouvement avec lequel vous êtes familier, il s'agit d'explorer l'inconnu. C’est l’occasion de tester les limites de votre corps, d’explorer ce que chaque élément de votre corps peut faire et comment il bouge.
C’est difficile pour [les danseurs dans] un genre de danse qui n’explore pas beaucoup cette option à l’entraînement. J'encourage parfois mes danseurs avec des instructions de guidage. Par exemple, je vais prendre quelque chose et leur demander d'agrandir une partie ou de penser à utiliser un membre différent pour créer le même mouvement. À partir de là, l'imagination prend le dessus, comme une étincelle qui allume un feu de forêt dans le studio.
Stephanie Pizzo, directrice artistique et ancienne membre de la compagnie Eisenhower Dance (Detroit, Michigan)
Stephanie Pizzo. Photo gracieuseté de Pizzo.
«L'improvisation est importante dans mon processus chorégraphique, car la spontanéité peut changer le cadre du travail, l'environnement et son environnement peuvent créer de nouvelles voies imprévues. L'aspect le plus gratifiant de l'improvisation est qu'elle n'a pas de limites! Dans le moment, en temps réel, c'est quand les surprises peuvent se matérialiser. C’est l ’« imprévisible »qui peut transcender le travail! En tant que chorégraphe, lorsque vous pouvez guider vos danseurs / artistes à travers une improvisation structurée et cultiver un vocabulaire de mouvement qui les étend au-delà de leurs limites, cela peut être une source d'inspiration. Lorsque l'artiste partage sa voix personnelle, cela lui donne un sentiment d'appartenance. Il y a une honnêteté et un naturel que l'artiste embrasse lorsqu'ils se produisent.
DeAnna Pellecchia, fondatrice, propriétaire et directrice artistique du KAIROS Dance Theatre (Boston, MA)
«Quand je parle d'improvisation, j'aime d'abord penser à la façon dont je la détestais quand je l'ai initiée à l'université. Je sauterais toujours ces cours. Ensuite, je suis entré dans le monde de la danse et j'ai découvert que tout le monde travaille comme ça. Et j'aurais aimé être allé à ces cours! J'aime aussi raconter à mes danseurs l'histoire d'un des premiers chorégraphes pour qui j'ai dansé. Elle a travaillé par improvisation, une méthode appelée Stratégies d'écoute. C'était un nouveau territoire effrayant pour moi. Je lui ai demandé: 'Et si je ne fais pas le bon choix?' Et elle a répondu: 'DeAnna, si vous pouviez faire le mauvais choix, pensez-vous que vous seriez ici?'
DeAnna Pellecchia. Photo par Liz Linder.
Ce fut un moment énorme pour moi, totalement responsabilisant, et tout a changé. Cela me communiquait que tout ce que je ferais, à cause de ce que j'avais déjà et de qui j'étais déjà, serait beau. Cette perspective façonne ma façon de travailler à ce jour.
Au moment où une œuvre est présentée, c’est finalement mon esthétique, mais elle contient aussi peu de tous mes danseurs. Tout le monde ressent un peu d'appropriation, ce qui valide et responsabilise. L'objectif final est que les danseurs s'approprient ce qu'ils font. Cela apporte une authenticité qui vient aussi d'un lieu de vulnérabilité. Je pense que le meilleur art a cela, car c'est quelque chose avec lequel le public peut vraiment se connecter. '
Par Kathryn Boland de La danse informe.
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